Исторические факты о декоративно-прикладном искусстве

Исторические факты о декоративно-прикладном искусстве

Введение

Декоративно-прикладное искусство уходит своими корнями вглубь веков. Человек создавал эстетически ценные предметы на всем протяжении своего развития, отражая в них материальные и духовные интересы, поэтому произведения декоративно-прикладного искусства неотделимы от того времени, когда они были созданы. В основном своем значении термин «декоративно-прикладное искусство» обозначает оформление бытовых предметов, окружающих человека всю жизнь: мебели, ткани, оружия, посуды, украшений, одежды - т.е. всего того, что образует среду, с которой он ежедневно соприкасается. Все вещи, которыми пользуется человек, должны быть не только удобны и практичны, но и красивы.

Данное понятие сформировалось в человеческой культуре не сразу. Первоначально то, что окружает человека в повседневной жизни, не воспринималось как имеющее эстетическую ценность, хотя красивые вещи окружали человека всегда. Еще в каменном веке предметы быта и оружие украшались орнаментами и насечками, чуть позже появились украшения из кости, дерева и металла, для работы стал использоваться самый разнообразный материал - глина и кожа, дерево и золото, стекло и волокна растений, когти и зубы животных. Роспись покрывала посуду и ткани, вышивкой украшали одежду, насечку и чеканку наносили на оружие и посуду, ювелирные украшения делали практически из любых материалов. Но человек не задумывался над тем, что привычные вещи, окружающие его всю жизнь, можно назвать искусством и выделить в отдельное течение. Но уже в эпоху Возрождения отношение к обыденным предметам стало меняться. Это было вызвано пробуждением интересов людей к прошлому, связанному с возникшим тогда культом античности. Одновременно возник интерес к жилищу, как предмету, равноценному с точки зрения эстетической ценности другим предметам искусства. Наибольшего развития декоративно-прикладное искусство достигает в эпоху барокко и классицизма. Очень часто простая, практически удобная форма предмета скрывалась за изысканными украшениями - росписью, орнаментом, чеканкой.

В высокохудожественных произведениях мастеров Древней Руси пластическое начало проявлялось во всем: ложки и чашки отличались скульптурностью форм, безупречностью пропорций, ковши обычно принимали образ птицы - утки или лебедя, голова и шея служили рукояткой. Такая метафора имела магический смысл, и обрядовое значение определяло традиционность и устойчивость такой формы в народном быту. Золотые цепи, мониста из нарядных медальонов, цветных бус, подвесок, широкие серебряные браслеты, драгоценные перстни, ткани, украшенные шитьем - все это придавало праздничному женскому наряду многоцветье и богатство. Расписать узорами кувшин, украсить резьбой разделочную доску, выткать узоры на ткани - все это требует большого мастерства. Вероятно, такие украшенные орнаментами изделия относят к декоративно-прикладному искусству еще и потому, что необходимо приложить руки и душу, чтобы получилась удивительная красота.

Современный художественный процесс сложен и многогранен, так же как сложна и многолика современная действительность. Искусство, понятное всем, окружает нас повсюду - дома и в служебном помещении, на предприятии и в парке, в общественных зданиях - театрах, галереях, музеях. Все - от колец, браслетов и кофейных сервизов до целостного тематического комплекса произведений декоративно-прикладного искусства для крупного общественного здания - несет на себе многообразие художественных поисков мастеров, тонко чувствующих декоративное назначение предмета, организующих и наполняющих красотой наш быт. Для создания необходимых для человека удобств и в то же время для украшения его жизни художники стремятся к тому, чтобы все вещи, которыми пользуются в обыденной жизни, не только соответствовали своему назначению, но и были красивыми, стильными и оригинальными. А красота и польза всегда рядом, когда берутся за дело мастера, и из самых разных материалов (дерева, металла, стекла, глины, камня и проч.) создают предметы быта, являющиеся произведениями искусства.

Основными задачами дипломной работы являются:

·        Определение сущности, целей и задач декоративно прикладного искусства;

·        Изучение структуры, содержания декоративно прикладного искусства;

·        Изучение методики эффективности декоративно прикладного искусства.

Предметом проведения дипломного исследования является изучение декоративно прикладного искусства, тенденции ее развития, а так же рассмотрение путей совершенствования ювелирного мастерства.

1. Декоративно-прикладное искусство

.1 Исторические факты о декоративно-прикладном искусстве

декоративный прикладной искусство изобразительный

Сочетание этнографических, историко-культурных и психологических методов является, по мнению И.С. Кона, необходимым для корректного изучения психолого-философского феномена. Именно поэтому в исследовании функции и роли декоративно прикладного искусства (ДПИ) в формировании средств адекватной ориентировки детей в окружающем мире мы рассматриваем ДПИ как самостоятельное явление, пытаясь на первых шагах определить его границы и в общих чертах представить его философскую феноменологию. Иными словами, острие нашего исследования обращено к феномену ДПИ таким образом, чтобы за формами игрового поведения и мышления ребенка, улавливаемыми в решении им специальных задач, раскрыть общее значение ДПИ для детского развития.

Исследования культурно-философского характера (Дж. Фрэзер, Э.Б. Тайлор, Л. Леви-Брюль, К. Леви-Строс и др.) раскрывают для нас особое пространство существования мысли «натуральных» славян (до сих пор поддерживающих особое отношение с природой). Это пространство исполнено духа (мышления) народа, разграфлено его традициями, обрядами, этническими стереотипами, насыщено мифичностью и др. ДПИ - существенная и неотъемлемая часть, момент этого духа; одним из наиболее существенных его свойств является адресованность каждому вновь зарождающемуся поколению этнической общности. Именно в этой форме (наряду с оформленной или оформляющейся письменностью) языком костюма и орнамента, узора и обряда, декора и цвета народы сохраняют связь времен и передают от деда к внуку свои этнические нормы. Этот процесс передачи скрыт от посторонних глаз; он интимен, хотя и повседневен, несистематично, хотя и регулярен; он задан культурным обиходом, но осваивается личностным образом.

Итак, все предметы домашнего обихода славян изготавливались, исключительно из местных материалов. Каждая семья имела множество берестяных емкостей разной формы и назначения, а из дерева мужчины вырезали ступы, кадушки, черпаки, ложки. Оригинальны были коробки, тарелки. В мешках и разных сумках, сшитых из шкур и тканей, хранили одежду и мелкие предметы. Возможно, важнее этих, сугубо практических и утилитарных функций были информативные и магические функции ДПИ. Красочно и художественно, с большой выдумкой изготавливались одежда, обувь. Информативную (идентификационную) функцию несли элементы цветового оформления и орнамент, который был широко распространен. Узорами украшали одежду, обувь, головные уборы, пояса, игольницы, подушки, сумки, коробки, кузова, колыбели. Орнамент славян, как и любой другой этнический язык, отличался богатством форм, многообразием сюжетов, строгостью и четкостью построения. Поэтому орнаментация предметов, как, впрочем, и все ДПИ в целом, должна восприниматься нами не как причудливая фантазия мастера, а как важная часть народной культуры, как средство выражения художественных вкусов, национальных особенностей народа, его мировоззрения и истории.

Воспитательная функция ДПИ, быть может, не является ярко выраженной для стороннего наблюдателя, но ее обстоятельность и регулярность, безусловно, заметны. Ребенка уже с колыбели сопровождают предметы обихода, выполненные в яркой художественной технике ДПИ. Насколько мы можем судить по результатам опросов, интервью и наблюдений, в ходе этого включения в культуру имеет место своеобразная трансформация «симбиоза» воспитателя (у ханты он в явном виде не выделяется, эту функцию берут на себя все взрослые, находящиеся рядом с ребенком), знаково-символической системы ДПИ и ребенка. Психологическое расстояние между взрослым, ребенком и предметом начинает уже в раннем детстве существенно преобразовываться у этой немногословной культуры в своеобразный паритет.

Будучи языком общности, ДПИ несет в себе идеи, объединяющие народ в единое целое, общий знак, который консолидирует духовные силы ханты и их способы самосознания и выражения веры в лучшее будущее, признаки которой легко обнаруживаются у детей. При этом обращает на себя внимание, что язык ДПИ полностью не сформирован (или уже утерян) как всеобщая этническая универсалия и используется в основном без понимания.

Вероятнее всего, воспитывающее значение ДПИ превосходит все наши возможные представления о нем. Одно ясно, только практическими, утилитарными функциями оно не ограничивается: когда-то давно изделия ДПИ несли в себе функцию «оберега» и обойтись без них не мог ни один человек. Злые духи накинулись бы на него и нанесли ему увечья или наслали бы болезни. Эти изделия, например украшения для женщин, орнамент или родовой знак на одежде для мужчин, защищали их владельцев от воздействия не ясных еще для них сил. В наше время люди не всегда сознаются, что верят в чудодейственную силу украшений и орнамента, но продолжают изготавливать и носить эти изделия. Кроме того, что украшения прекрасны и изумительны, они выражают национальную, родовую и этническую принадлежность, а раньше несли еще и идентификационно личностную определенность их владельцев.

Феномен ДПИ пронизывает все стороны жизни: организацию быта, уклад семейных, родовых, «международных» и межличностных отношений. Не всегда роль и функции ДПИ (просветительские, обрядовые, эстетические и др.) четко осознаются, но они стабильно содержатся в любом предмете искусства, в проявлениях поведения и мышления. ДПИ понимают, ценят, пользуются его результатами все члены данного сообщества, и не будет преувеличением сказать, что и занимаются им многие. Отношение к ДПИ может служить мерой самосознания народа как содержащее ментальную цельность и выражающееся в знаково-символическом «послании» для других и для себя.

1.2 История развития ювелирных изделий

Во второй половине XIX века заметное влияние на развитие декоративно-прикладного искусства в Европе оказало открытие торговых путей с Востоком в 1858 году. Представители Японии были приглашены для участия в Международной выставке 1862 г. в Лондоне. Гравюры, с самобытной и изящной интерпретацией природы, стали одной из важных составляющих новой эстетики культуры. Наряду с архитектурой, живописью и производством мебели, она нашла отражение в производстве ювелирных украшений, где изысканность форм, интенсивность цветов и использование различных камней, металлов и эмалей создало новый декоративный стиль.

Представители движения «Искусства и ремесла» в Англии, возглавляемые У. Моррисом (William Morris), выступали за включение художественных предметов, выполненных с применением ручного труда, в товары повседневной жизни. Это привело к созданию в Европе и Соединенных Штатах Америки учебно-производственных объединений, готовящих специалистов по производству художественных изделий, подобно тому, как это было в средневековых профессиональных гильдиях.

Подвеска «Васильки». Рене Лалик. 1898 г. Золото, эмаль, белый халцедон, жемчуг.

Выставочный салон произведений современного искусства Сэмюэля Бинга, а также прошедшая международная выставка 1895 г. собрали большое число мастеров, работавших в новой художественной стилистике, получившей во Франции и Бельгии название Ар Нуво. Открытие художественного салона давало возможность представлять практически все разновидности изделий декоративно-прикладного искусства. Среди них были: изделия с применением витражной техники Тиффани (Tiffany), предметы художественного стекла Эмиля Галле, ювелирные изделия Рене Лалика и др. Поддержку развитию нового художественного направления оказал Национальной совет изящных искусств во Франции.

Создав основу для развития нового художественного начинания, Бинг стал инициатором организации французского павильона на международной выставке 1900 г. в Париже. Он лично руководил работами по оформлению, привлекая талантливых художников и декораторов (Э. Колонна, Е. Гайара и др.).

Кулон «Нимфа с крыльями бабочки». Рене Лалик. 1897 г. Золото, эмаль, бриллианты.

Основным художественным средством Ар нуво стало использование графической выразительности линии. Она была способна выразить эффект движения, передаваемый в стилизованных формах растений, развевающихся женских волос, форм человеческого тела, фигур животных, насекомых, бабочек и т.д. Однако, сами линейные формы в разных странах проявлялись по-разному. Так, в Англии, получили распространение элементы кельтских узоров в сочетании с геометрическими формами квадрата, треугольника и узла. Во Франции, графические элементы Ар нуво часто отражали стилизованные формы женских волос и растений. В ряде других стран использовались абстрактные формы, и т.д.

Идеи и формы Ар нуво нашли свое оригинальное воплощение в ювелирных украшениях. Среди выпускаемых изделий, получили распространение стилизованные изображения стрекоз, бабочек и различных сказочных существ. С технологической точки зрения, все чаще применялась перегородчатая эмаль, с помощью которой удавалось «оживить» цветовые и световые переходы на крыльях бабочек и т.д. Жесткие формы викторианской эпохи сменили изысканные изображения павлинов (с великолепным оперением), лебедей, ласточек и т.д. Мир ночи, суеверия и страхов представляли летучие мыши, совы, коршуны, гротески и мифологические существа.

В отличие от предыдущего времени, часто изображались женские фигуры и лица, которые органично вписывались в природное окружение. Иногда, создавались мифологические фигуры наяд, нимф, русалок и т.д. Подобные фигуры нашли применение при изготовлении диадем, брошей, браслетов и колец. В известной степени, можно сказать, что в мире дизайна в это время правил «культ женской красоты».

Дизайнеры ювелирных украшений проявляли изобретательность не только в работе с новыми материалами. Традиционные техники и материалы также становились объектами художественных экспериментов. Золото и серебро применялись для создания эффекта пластичности формы, также способствуя эффекту оживления восприятия материи. Получили распространение такие драгоценные материалы как опал и лунный камень, создающие эффекты таинственного мерцания. Для резных волнообразных форм часто использовалась слоновая кость.

Применение техники перегородчатой эмали позволяло получать необычные световые эффекты: полупрозрачность крыльев насекомых, смешение цветов различных материалов между собой и фоном, добавление эффекта пространственной глубины и т.д. Также, проводились разнообразные художественные эксперименты с окрашенным и полированным стеклом.

Диадема. Анри Веве. 1895 г. Желтое золото, бриллианты, техника транслюсид.

Одним из наиболее известных французских дизайнеров, работавших в стиле Ар нуво, был Рене Лалик (1860-1945 гг.). Будучи ювелиром, Лалик работал и в других областях декоративно-прикладного искусства. Он был поражен художественными возможностями эмали и стекла. Среди распространенных сюжетов мастера встречались декоративные изделия с обнаженной женской фигурой. Другими известными мастерами нового стиля были Анри Веве (1854-1942 гг.) и Эжен Грассе (1841-1917 гг.).

Гребень «Лебеди и водяные лилии». Эжен Грассе. 1900 г. Кость, золото, чеканка, перегородчатая эмаль.

В органичных формах своих изделий Веве часто использовал жемчуг. В это же время получили известность изделия фирмы Фуке, выполненные в схожей технике. Расцвет ее работы был связан с деятельностью Жоржа Альфонса Фуке (1862-1957 гг.) - представителя второго поколения династии. Для производства ювелирных украшений, Фуке использовал опалы, эмаль, золотую чеканку и цветные драгоценные камни. Сотрудничество с такими мастерами Ар нуво как Альфонс Муха и Этьен Туретта лишь повышали престиж и успех фирмы.

Колье «Чертополох». Люсьен Гайар. 1903 г. Золото, эмаль, опалы.

Одним из известных ювелиров, работавших в Париже, был Люсьен Гайар (1861-1933 гг.), специализировавшийся на изготовлении кулонов и подвесок. На стилистику его работы заметное влияние оказало японское искусство. В своих изделиях Гайар применял опал, цветные камни и эмаль. Одной из причин высокого уровня ювелирных изделий во Франции была профессиональная специализация мастеров. Так, эмальеры нередко работали самостоятельно, оказывая, при необходимости, помощь в работе ювелирам. Даже крупные ювелирные дома периодически привлекали эмальеров к разовым работам на договорной основе.

В период Ар нуво получило широкое распространение производство малых медалей. Они изготовлялись на темы античности (греческих и римских богов и богинь), с изображением женского профиля, религиозных сюжетов и природных мотивов. Подобные миниатюры ювелирного искусства были несложны в производстве, а потому - доступны. Иногда, их изготавливали в виде брошей, подвесок, пуговиц, запонок и т.д. Производство малых ювелирных украшений достигло такого количества, что их можно встретить и сегодня.

Популярность ювелирных изделий в стиле Ар Нуво подошла к концу ко времени начала Первой мировой войны. С тех пор, дизайнеры больше не возвращались к его эстетике, однако некоторые элементы стиля нашли повторное применение после 1930 г.

1.3    История национальных ювелирных украшений казахов

Казахские ювелирные украшения - это традиционные массивные изделия из серебра и натуральных камней: аметист, яшма, бирюза, халцедон, все виды кварца. Национальные ювелирные украшения казахов сегодня - это все те же натуральные камни в оформлении благородных металлов. Ювелирное искусство занимает особое место в истории казахской национальной культуры. Именно в нем наиболее полно и ярко отражаются идеалы народа, его вкусы, уровень его художественных и материальных ценностей. Ведь в отличие от произведений других художественных промыслов - резьбы по кости и дереву, производства кожаных и гончарных изделий - большинство из которых не сохранилось от прошедших времен, «вечные материалы» ювелирного искусства: бронза, серебро, золото оказались способными противостоять разрушительному действию времени и дают возможность проследить почти непрерывную линию развития народного искусства с древнейших времен до наших дней.

Ювелирное дело в отличие от других видов казахского прикладного искусства, имевших характер домашних промыслов, носило профессиональный характер, что предопределялось спецификой производства. Казахские ювелиры - зергеры (зер-зар в переводе с персидского золото) работали в одиночку, мастерство свое передавали по наследству. Они располагали определенным инструментарием, проходили предварительное обучение. Круг предметов, изготовлявшихся зергером, был широк: сюда входили женские украшения, детали для костюма, туалетные принадлежности, столовые приборы, бляшки для декорировки деревянного каркаса юрты, мебели, деревянной и кожаной посуды, музыкальных инструментов, оружия, конского снаряжения.

Столь же разнообразна была и стилистика ювелирных изделий, что обуславливалось и географическим фактором, и главное - кочевым укладом быта казахов. Незначительными по численности родовыми группами, они передвигались по степи, превышающей территориально площадь всей Западной Европы, вступая в соприкосновение не только с соплеменниками, но и, с многими чужеземными народами. Таким образом, в атмосфере постоянной пульсации масс кочевников по гигантским пространствам азиатской степной зоны, в общении с различными народами, в обмене с ними культурными ценностями, развивалось и обогащалось ювелирное искусство казахов.

Археологические раскопки подтверждают, что на территории Казахстана с древнейших времен разрабатывались месторождения меди, олова и даже золота. Но, несмотря на это, излюбленным материалом казахских зергеров становится серебро, основная масса которого была привозная. И причина здесь не только в природной красоте этого металла, которую столь умело выявляли и усиливали казахские мастера. Говоря о ювелирных изделиях казахов, необходимо, прежде всего, учитывать, что практически все они несли в себе не столько декоративную, сколько магико-защитную функцию, и смысловым значением были наделены здесь и форма, и орнамент, и материал. Так блеск серебра и его цвет ассоциировались у них, как и у многих народов мира с лунным светом, с Луной. В их представлениях «Бледная планета» и серебро были тесно связаны между собой; металл они рассматривали как частицу ночного светила и наделяли его различными магическими свойствами. Не случайно в воду для купания ребенка бросали серебряные кольца и монеты, говоря: «Баланың күні күмістей жарық болсын» (Пусть дни ребенка будут светлыми как серебро).

Еще большую семантическую нагрузку несли на себе украшавшие изделие драгоценные и поделочные камни.

Вставки из камней в народе именовались словом тас (камень) или коз (глаз). Подобная метафора не случайна, ведь вставные камни осмысливались как всевидящее стерегущее око, наделялись чудодейственной силой. Существовало мнение, что жемчуг лечит бельмо, коралл оберегает от порчи и наговора, янтарь лечит зоб, перламутр защищает от злого языка и одновременно способствует жизненному благу, бирюза приносит счастье. Наибольшей же популярностью пользовался сердолик, считавшийся камнем благоденствия и радости. У казахов, также как у других кочевых народов, бытовало множество легенд, связанных с эти камнем. Степняки верили, что сердолик может охранять от дурного глаза, бесплодия женщин, кроме того, этот «солнечный камень» мог возвратить стареющим людям силы молодости и постоянно доброе расположение духа.

В связи с этим становится понятно бросающееся в глаза различие в отношении к камню в ювелирном изделии у западно-европейского и казахского мастера. Для первого функции его произведений сконцентрировались главным образом на демонстрации богатства, могущества и блеска их владельцев. Вследствие этого камень в украшениях играет исключительно декоративную роль, отражающуюся в определенных критериях его ценности: редкости в природе, твердости, чистоты цвета, характере и сложности огранки.

Для казахского ювелира камень - это прежде всего источник великой силы, защищающей от недугов, зла и бедствий. Поэтому мастер бережно относится к своему материалу, и не стремится достичь путем сложной огранки дополнительных эффектов кроме природного естественного блеска и цвета камня. Задачи ювелира в процессе обработки камня для монтировки его в изделие ограничивались лишь удалением неровностей, плоской шлифовкой и подгонкой вставки сообразно конфигурации каста. Эта стадия обработки камня представлялась мастеру окончательной и вполне завершенной в декоративном отношении.

Другой особенностью казахских ювелирных изделий является то, что практически все они связаны с определенными видами костюма и имеют возрастные разграничения. И здесь наибольший интерес представляют женские украшения и динамика их изменения в соответствии с возрастом женщины.

В жизни казахской женщины ювелирные украшения играли существенную роль. В них воплощалось вечное тяготение человека к прекрасному, надежда на счастье, вера в чудодейственные силы природы, способные защитить от недугов, бед и зла. Именно поэтому от самого рождения до смерти казашки носили те или иные виды украшений, соответствовавшие их возрасту и социальному положению. Первые украшения в виде различных оберегов надевали на девочку в новорожденном возрасте. Конечно, в это время они не несли в себе эстетической функции, но, по истечению немногих лет, например, коготь птицы или степного зверя, оправленный в серебро, часто с зернью и вставками сердолика, подвязывавшийся к ножке или ручке ребенка, перешивали на шапочку (такия), и тогда этот оберег был одним из первых украшений будущей женщины.

Важное значение амулетов в детском и девичьем возрасте казашек по-видимому, объясняется достаточно сложными условиями кочевого быта, частыми эпидемиями и очень высокой детской смертностью, отмечавшейся в Казахстане в 19-20 веках. Но вместе с тем с раннего возраста девочки носили и простые неширокие браслеты с несложным чеканным узором, а уже в 2-3 года им прокалывали уши для простейших раковинных или перламутровых серег (тана). Эти браслеты и серьги имели не только магическое, но и декоративное значение. Позже через несколько лет тана сменяли массивные серебряные серьги с множеством подвесок и вставок цветных камней.

По достижению 10-12 лет по праздникам девочка надевала полный девичий набор ювелирных украшений. Большинство этих украшений впоследствии входили в ее свадебный наряд. Комплекс девичьих украшений был одним из самых полных и нарядных, носимых женщинами различных возрастов. По пышности и количественному составу он уступал только ювелирному набору невесты.

Из своих детских украшений казахские девушки носили различные амулеты. В Западном Казахстане они имели вид изящной нагрудной подвески треугольной формы - тумарша, декор которой образовывался из сочетания позолоты, зерни, накладной скани и вставок камней.

Именно девичьему возрасту, когда допускалось хождение с непокрытой головой, соответствовал наиболее распространенный вид накосных украшений - шолпа - ажурная подвеска с многочисленными бляшками или монетами. Замужние женщины носили шолпы только в первый год семейной жизни, а позже вплетали в косы нити кораллов или цветные шнурки и тряпочки. Другим украшением кос были шишбау - богато унизанные украшениями ленты, в декорировке которых казахские зергеры также применяли самые разнообразные ювелирные техники. Шишбау крепились у основания кос и спускались по всей длине волос, подчеркивая их красоту и густоту.

Постоянно носимым украшением являлись серьги. Существует множество типов и вариантов серег. Широко распространены орнаментальные плоские серьги различных форм. Очень популярны серьги - лунницы ай сырга, иногда с вырезной звездой с внутренней стороны. Своеобразны проволочные серьги различной сложной конфигурации шыгыршык сырга. Цветовой звучностью привлекают серьги, основу которых составляют вставные камни - козди тасты сырга.

В торжественных случаях надевали височники шекелик, суыршпа, крепящиеся за петли головного убора, или за волосы у виска. Височники главным образом многочастны, иногда с подвесками на длинных цепочках. Лаконичны плоские височники треугольной, лепестковидной, пиковидной и других форм, декорирующиеся разными приемами. Эффектно выглядят обсыпанные зернью ажурные и шаровидные височники со сложными подвесками. Нарядны плоские височники, главным формообразующим компонентом которых являются 2 спиральных диска (солярные знаки), соединенных проволокой со стержнем.

Пластика и композиционная слаженность основной части височников с колышущимися звенящими подвесками, легкими ажурными цепочками создавали своего рода живописное обрамление лица.

Не менее богато украшались и руки девушки. Часто они были практически полностью закрыты многочисленными перстнями и браслетами.

Браслеты - блезик обычно носили по одному или парно на обеих руках, иногда надевались на руки два браслета. Браслеты были сплошные и составные: образующиеся из 2-3 частей, соединенных шарнирным способом - топсалы блезик или при помощи створок - какпак блезик. В большинстве случаев поиск декоративности в браслетах шел по пути усиления цветовой насыщенности вставками из камней, преобразования фактуры накладной сканью, зернью, сквозной резьбой, рельефной чеканкой, организации пространства гармоничным орнаментом.

Перстни и кольца носили обычно по 3-4, они являлись повседневными украшениями которые должна была иметь каждая женщина, поскольку считалось, что в противном случае пища, изготовленная ей, будет нечистой. У казахов по этому поводу сохранилась поговорка: «Тамак адал болу ушин, колда жузик болукерк» (Чтобы пища была чистой, на руке должен быть перстень).

Среди украшений рук особо выделяется гарнитурный браслет бес блезик, получивший в Европе название «роза руки». Именно так было названо украшение, которое в 1910-е годы изготовил для Сары Бернар, игравшей роль Клеопатры, художник-декоратор Альфонс Муха. Невиданный до той поры во Франции браслет был сделан в виде змеи, обвившей предплечье, жало которой переходило в цепочки, соединявшиеся с 3-4 перстнями. Это украшение, по словам художника, было навеяно ему староиндийскими образами. Однако, в Казахстане бес блезик существовал уже несколько сотен лет, считаясь украшением исключительно девичьим. Пожилые казачки, стремясь к большей скромности, его не носили.

Сложные нагрудные украшения орниржек и алка также были привилегией молодых. Впервые их одевали в 12-13 летнем возрасте и навсегда снимали примерно в 30 лет, передавая их более молодым женщинам в семье.

Своего рода апогеем ювелирного убранства казахской женщины являлся комплекс украшения невесты. С течением времени от рождения девочкам чуть ли не каждый год добавляли к костюму все новые украшения, также как по мере приближения к старости все строже становились одежды женщины, все меньше украшений блистало на ней. Ювелирный убор невесты - женщины в лучшую пору ее жизни - представлял собой художественный идеал, хранимый в народе с незапамятных времен. Ведь невесту украшали в свадебный час, стремясь достигнуть совершенства ее красоты, чтобы ее облик вызывал у окружающих самые прекрасные представления и мечты. Именно ювелирным украшениям выпала роль раскрытия и создания этой красоты и великолепия.

От девичьего набора украшений ювелирный набор невесты отличался еще большим числом предметов. Главной деталью свадебного ансамбля был головной убор - саукеле. Его дополняли длинные бархатные ленты с закрепленными на них нитями кораллов или жемчуга. Заканчивались эти ленты бубенцами, так что при каждом шаге или движении девушки раздавался серебряный звон, который к световой, цветовой музыке и игре добавлял еще и звуковую. К саукеле крепились специальные подвески, напоминающие по форме серьги, но большего размера - саукеленин сыргаса.

Помимо одного нагрудного украшения, например, тумарши, грудь неветы могла одновременно украшать также алка или ониржиек, а иногда к камзолу невесты нашивали ряд бляшек или монеток. Все эти украшения вместе с различными подвесками и застежками будто серебряным мерцающим панцирем покрывали костюм невесты от головного убора и до сапожек. Казахи вспоминают, что очень часто под многокилограмовой тяжестью украшений невесте было даже затруднительно двигаться. Однако, при анализе свадебного ансамбля ювелирных украшений невесты, как и всего казахского ювелирного искусства, следует постоянно помнить о сложном семантическом и магико-религиозном значении украшений, призванных в данном случае не только подчеркнуть красоту молодой девушки, но и обезопасить ее в один из самых важных и ответственных моментов ее жизни.

В этом отношении характерны и украшения женщины в первый год ее замужества: со дня свадьбы до рождения ребенка. В них наиболее полно через форму и декор выражалась идея плодородия, большого потомства. Это и носимые на груди амулетницы типа бой тумар, состоящие из трубчатых и треугольной частей (мужское и женское начала), и застежки, и декоративные бляхи с изображениями птиц и рыб.

Сакральной силой наделялись также некоторые деревья, их плоды и семена, зерна растений. В число таких деревьев входили шиповник, боярышник, гранат, джида, шелковица, приносящие многочисленное потомство. Такое же значение имели сушеные зерна ячменя, который издавна считался в Средней Азии культовым злаком, связанным с идеей плодородия.

Таким образом, стилизованные изображение плодов и семян растений в украшениях должны были передавать носящему их человеку свои свойства, в частности изобилие и плодородие.

Постепенно с возрастом ювелирные украшения казашек становились более простыми. Богато декорированные накосные украшения шолпы и шишбау сменялись вначале нитями кораллов, а затем цветными лентами и платком кимешек со специально вырезанным отверстием для лица. Этот акт символизировал переход женщины из одной возрастной категории в другую, от молодости к зрелости. Упрощались и украшения рук: массивные, часто парные браслеты сменялись более скромными. Примером этого могут служить жумыр блезиктер - браслеты, напоминающие закругленный кусок толстой серебряной проволоки. Несомкнутым концам этих браслетов мастера иногда придавали очертание голов змей (жалын бас), считавшихся оберегом от злых сил. Это изображение было почти единственным декоративным элементом жумыр блезиктер. Простые несомкнутые браслеты носили пожилые женщины всех казахских родов без региональных различий.

При всем многообразии форм и декора казахских ювелирных украшений в них можно найти и выделить некоторые основные общие характерные признаки.

Особой чертой казахских ювелирных украшений являются монументальность и почти скульптурная выразительность, сохраняемая даже в малых формах, ритмическое чередование узора и фона, создающее ощущение пространственности, симметрия в расположении узоров.

При этом особую значимость в произведениях казахских ювелиров приобретает не ценность материала, не сложность форм и разнообразие технических приемов, как в европейском ювелирном деле, а прежде всего орнаментальный декор.

Наиболее полно это можно видеть в украшениях так называемого «геометрического стиля», преобладавшего в Западном и частично Южном Казахстане среди жителей, входивших в прошлом в одно племенное объединение.

Величественность и торжественность свойственны этим массивным строгим украшениям. Конструктивной основой декора в них как правило являются геометрические фигуры (овал, круг, треугольник и т.д.) крупных размеров: ожерелье прямоугольной композиции доходит почти до пояса; массивные перстни закрывают всю кисть руки; тем не менее такие крупномасштабные формы не воспринимаются громоздкими благодаря органичности декора. Плоскость изделий организуется и уравновешивается выступающими на общем фоне крупными вставками из камней в оправе, являющимися своеобразными скульптурными акцентами. Контур всей конструкции украшений обрамляется сканью, орнаментальными лентами, усиливающими выразительность формы. Все это производит впечатление драгоценности всей фактуры изделия.

В украшениях «геометрического стиля» выявляются яркие аналогии с ювелирными изделиями гунской эпохи. Общими признаками являются декорировка украшений по центру вставками из сердолика, по краям - витой сканью, а в остальной свободной части - треугольниками из зерни. Казахские украшения данной группы являются, по-видимому, результатом эволюционного развития, усовершенствования технических приемов и декоративных решений ювелирного искусства гунского периода. Ряд существенных параллелей в технологии и декоративном решении прослеживается также с украшениями туркмен, каракалпаков, народов Дагестана.

Рассмотренные декоративно-технологические принципы соблюдаются в ювелирном искусстве Западного Казахстана и в настоящее время. Многие приемы обобщены в исполнительском отношении, но все таки местная стилевая направленность в целом остается неизменной. Такая устойчивость и жизнеспособность стиля свидетельствует о мощном творческом потенциале местной традиции и позволяют быть уверенным в том, что из рук казахских ювелиров выйдет еще много замечательных самобытных шедевров, несущих в себе живое дыхание бескрайних казахских степей.

Казахские национальные украшения несли в себе не только декоративную функцию, но и защитную. Излюбленным материалом для украшений казашек всегда считалось серебро, которое обладает очистительным, оберегающим и магическим свойством. С ранних времен первое украшение надевали на девочку в новорожденном возрасте. Это были различные обереги от сглаза. Сделаны они были из серебра со вставками сердолика.

Одевались они на ручку или ножку девочки, либо пришивались к шапочке новорожденной (такия). Всегда считалось, что камень сердолик обладает свойством приносить радость и счастье. Поэтому в казахском ювелирном искусстве всегда отдавалось предпочтение именно этому камню.

С 2-3 лет девочкам прокалывали ушки и надевали серьги из перламутра (тана), камень который, по мнению степняков, защищает от злого языка. Также с ранних лет девочки носили простые неширокие браслеты с чеканным узором.

Позже девочкам одевали массивные серебряные серьги с подвесками и драгоценными камнями. К 10-11 годам у девочки был полный набор ювелирных украшений, который по полноте уступал лишь ювелирному набору невесты. Именно девичьему возрасту девочки разрешалось ходить с непокрытой головой, и тогда девочки носили различные украшения (шолпа). Они были сделаны из серебра и вплетались в косу, и при ходьбе издавали звон, по которому можно было судить о характере будущей невесты.

Не менее богато украшались и руки девушки. Браслеты (блезик) одевались на одну или обе руки девушки, а на пальцы одевались по 3-4 кольца. Перстни и кольца считались повседневным украшением, поскольку считалось, что пища приготовленная руками без колец будет нечистой.

Каждый год к костюму девочек добавлялись новые украшения, и также при приближении к старости все строже становилась одежда женщины и все меньше драгоценностей, блистало на ней.

В первый год замужества до рождения ребенка ювелирные изделия несли в себе смысл плодородия и большого потомства. Это выражалось в стилизованных изображениях плодов и семян. Постепенно с возрастом украшения женщин становились более простыми. Упрощались и украшения рук, парные браслеты - блезик сменялись более скромными. Например, браслет, который носили зрелые женщины назывался жумыр-блезик, и сделан был в форме закругленного куска из серебра, концы, которых имели форму головы змеи, который считался оберегом от злых сил.

Другим видом украшения для женщин пожилого возраста, является массивные перстни с шинками на два пальца - кудаги жузык, кольца свах, который символизировал соединение жизней двух молодых людей. Такие перстни обычно дарила сваха свекрови невесты. Этот подарок символизировал покровительство и доброе отношение к молодой невестке.

Какие же ювелирные изделия предпочитает современная казахская девушка или женщина? Конечно же времена, когда 11-летняя девочка имела полный набор украшений, который был её приданым, и который по численности превосходил набор украшений зрелой женщины, ушли в историю. Но многие традиции соблюдаются, и по сей день. Например: грудному ребенку одевают на руку браслет от дурного сглаза, или различные бусинки пришиваются к шапочке или косыночке маленькой девочки.

Среди женщин постарше очень актуальны национальные браслеты-блезик (рисунок 1), сделанные из золота или серебра. На браслете выгравированы узоры - национальный орнамент.

Рисунок 1. Браслет - блезик

Рисунок 2. Казахские национальные серьги

Серьги, которые носят многие казахские женщины, имеют форму конуса, и носятся с заостренным концом вниз (рисунок 2).

Не исчезла и традиция - носить на каждой руке по 3-4 кольца или перстня. Если эти кольца из золота, то они небольшие, и без камня, а если из серебра, то они могут быть массивными, с вытисненными узорами национального орнамента.

1.4 Аранжировочный материал

Необходимо отметить, что у каждого аранжировщика всегда бывает свой излюбленный материал, используя который он наилучшим образом выражает себя. К ювелирным товарам (от голл. juweell - драгоценный камень) относят изделия, изготовляемые из драгоценных металлов и камней, а также из некоторых других материалов высокохудожественной обработки.

Материалы являются одним из факторов, влияющих на формирование потребительских свойств (функциональных, эргономических, гигиенических, а главное - эстетических) и качества ювелирных товаров.

Основными материалами для изготовления ювелирных товаров являются благородные и цветные металлы и их сплавы, драгоценные, полудрагоценные и поделочные камни, янтарь, перламутр, синтетические камни, а также стекло, эмаль, кость, рог, папье-маше и пластические массы.

За последние годы значительно увеличился выпуск ювелирных изделий, расширился их ассортимент, улучшилось качество и художественное оформление. На многих ювелирных заводах страны внедрена лазерная техника, обеспечивающая качественную сварку, резку и сверление драгоценных металлов, увеличился выпуск ювелирных изделий с алмазной гравировкой, чернью, эмалью, рельефным рисунком.

Во второй половине 19 и начале 20 в особенно выделялось ювелирное дело фирмы Фаберже, основанной в Петербурге в 1848 году. Эта фирма объединила многие небольшие ювелирные мастерские. С большим мастерством и различными способами обрабатывались оправы из золота и серебра, изготавливались изделия из камня без оправ и др.

По указу Петра 1 в январе 1725 года в Петергофе была создана первая в России гранильная фабрика. В 1726 году в Екатеринбурге была построена шлифовальная фабрика, которая изготовляла ценные камнерезные изделия. В 1787 г. был построен Колывано-Воскресенский шлифовальный завод, а несколько позже вблизи Екатеринбурга - мраморный завод. На этих заводах перерабатывались местные декоративные яшма и мрамор.

Золото. В земной коре оно находится в самородном состоянии (в виде отдельных мельчайших вкраплений или блесток и прожилок). Самородки золота по 10-20 г. и более встречаются значительно редко. Самородное золото содержит различные примеси - серебро, медь, железо и др. элементы. В чистом виде золото обладает приятным ярко-желтым цветом. Это тяжелый, блестящий, мягкий металл с плотностью 19,3 г/см3, твердость по шкале Мооса 2,5, температура плавления химически чистого золота - 1063°С.

Серебро. В самородном виде встречается редко. В основном его добывают из свинцово-цинковых и медных руд путем их обогащения и специальной обработки.

Серебро - красивый блестящий, белый, мягкий, тягучий металл, стойкий к окислению, обладающий исключительной отражательной способностью. Оно значительно легче золота: плотность 10,5 г/см3, температура плавления - 960,5°С, твердость по шкале Мооса - 2,7*.

Платина. В самородном состоянии платина встречается главным образом в виде мелких блесток в глубинных горных породах.

2. Тематика ювелирных изделий

.1 Применение тематических ювелирных изделий

Непосредственно сам термин «ювелирные украшения» начали использовать только в XX в., им стали обозначать украшения, выполненные из поделочных недрагоценных камней, сочетающиеся с серебром, а также любым другим металлом недорогой стоимости. Но на самом деле первые ювелирные украшения, подчас весьма высокого качества, можно датировать тысячами лет. Уже в древние времена ювелирные украшения изготавливали из полудрагоценных камней. Таких украшений изготавливали достаточно, и, чаще всего, они носили сезонный характер. К сожалению, многие из них так и остались «не подписаны», кто же мог предсказать их долгую жизнь!

В отличие от драгоценностей, ювелирные украшения не являлись средством вложения капитала, тем не менее, несмотря на недорогие материалы, которые используются при изготовлении ювелирных украшений, изделия добротны и прочны, а многие из них являются настоящими раритетами, за которыми охотятся коллекционеры.

Ювелирные украшения вызывают отклик в нашей душе по многим причинам: их, без сомнений, приятно разглядывать; в них отражен стиль времени, в которое они были изготовлены; да и что говорить - материалы и качество ювелирных работ подчас намного лучше, чем в дорогостоящих драгоценностях. Для нас, совершенно очарованных блеском камней, еще более волнующим является то, что ювелирные украшения предназначены для широкой продажи и производятся в больших количествах. А это значит, что поиски рано или поздно увенчаются успехом, и наша коллекция пополнится.

В последние годы рынок ювелирных украшений значительно расширился, поэтому становится просто необходимо знать не только кем и когда было создано изделие, но также из чего оно сделано и сколько стоит. Полезной оказывается информация о том, что же именно делает украшение привлекательным и желанными для коллекционера, как совершить покупку и на что нужно обратить свое пристальное внимание во время приобретения украшения. Любой уважающий себя коллекционер знает имена дизайнеров и названия производителей, но ведь и менее известные работы также представляют огромный интерес для коллекционеров!

Известно, что ювелирные изделия представлены разной тематикой. Некоторые коллекционеры остаются верны определенному дизайнеру или времени создания изделия, другие коллекционируют украшения определенного стиля или модных тенденций, например, анималистической тематики.

Ювелирные украшения прочно вошли моду, ведь у них более современный дизайн, в отличие от драгоценных изделий. Вообще главной причиной коллекционирования бижутерии является то, что ее изделия можно носить всегда. Так как украшения обновляются очень часто, это еще и возможность проследить за сменой модных тенденций. Ювелирные украшения доступны из-за сравнительно невысокой цены, но иногда на поиск уходит много времени, что, в свою очередь, лишь добавляет азарта. Дизайнеры постоянно трудятся, каждый раз создавая новые украшения бижутерии, на наш взгляд, у нее большое будущее, и ее популярность подтверждается и тем, что цена на большинство украшений возрастает.

Ювелирные изделия представляют собой серьги, кольца, перстни, колье, браслеты, броши, которые создаются для украшения и подтверждения статуса человека в обществе. Материалы, из которых изготавливаются данные изделия - это драгоценные металлы и сплавы (золото, платина, серебро). Часто добавляются различные драгоценные камни. Поэтому подобные украшения во все времена и народы служило признаком занимаемого статуса человека. Изделия, изготовленные из дешевых материалов, принято называть бижутерией.

Благодаря ношению ювелирных украшений каждый человек может показать свое положение в обществе, украсить свой образ, подчеркнуть индивидуальность и стиль. Ювелирные украшения имеют способность многое рассказать о своем владельце. Данные изделия отлично придают шарм образу человека абсолютно любого возраста. Веяние моды не может влиять, только на какое-то специфическое применение. Так, например, при дворе было принято носить шикарные колье на приемах, сегодня же только на каких-либо торжественных вечерах. Но сегодня кольца и серьги можно носить абсолютно в любое время года, будь то зима или лето. В качестве дополнения к наряду или деловому костюму. Стоит лишь правильно подобрать данный аксессуар.

В современном мире не одна женщина не выйдет из дому без какого-либо атрибута ювелирного украшения. Мода на ношение украшений длится еще с Древнего мира, только в те времена несло несколько иной смысл. Жители древних стран верили, что украшения способны оградить их от злых духов и дурного глаза. В Древнем Египте золото было основным металлом для изготовления украшений и прочих изделий. Притом, местные мастера с помощью различных добавок и техники добивались зеленого, розового и белого цветов золота.

У Древних евреев было принято женщинам носить серьги-подвески формой полумесяца или звезд. Ожерелья - связанные между собой золотые шарики, считались самыми дорогостоящими. В моде также было ношение цепочек с колокольчиками на лодыжке ноги, которые при плавной ходьбе мелодично позванивали.

Древние греки считали, что золото и изделия из него имеет магическую силу. Все золотые украшения, маски, венки, наглазники, нагубники и прочие вещи из золота, которые носил и использовал человек, после смерти погребались вместе с хозяином. Именно греки первыми стали изготавливать бусы в форме ракушек, цветов и жучков. А позже умелые мастера научились делать ювелирные украшения цветными, добавляя жемчуг, гранаты, изумруды, аметисты. Именно с того времени начали появляться гравированные медальоны или броши.

Средневековые мастера изготавливали изделия преимущественно для церкви - сосуды, алтари, причастные чаши, книги, иконы, сцены из жизни Христа и святых. В те времена очень популярна была инкрустация драгоценными камнями, что свидетельствует о богатой жизни того времени.

В эпоху Возрождения ювелиры чаще всего использовали геометрические фигуры, растительные рисунки, применение разноцветной эмали. В изделиях начала XV века просматривается желание мастера уменьшить влияние чрезмерного декоративного орнамента, наоборот добавить пространство и различные светские сюжеты из жизни. А в конце XV века становится крайне популярной техника использования эмали. В 16 веке мастера начинают использовать миниатюрные портреты с эмалью. И именно в этом веке появляется использование в ювелирных украшениях и не только алмазов. Самые лучшие моменты в искусстве эпохи Возрождения представлены в эксклюзивности каждого отдельного изделия, его художественное оформление, индивидуальность.

В Новое Время ювелирные мастера создают отдельные элементы в виде цветочных мотивов - подвески в виде цветка, звенья цепочки в виде гирлянд цветов и прочие вариации. Со второй половины 17 века эмаль становится уже не такой популярной, из-за появления и популярности применения драгоценных камней, а в особенности алмазов. Именно в то время были богаты рудники по добыче алмазов, и потому этот камень смело использовался в любых проявлениях ювелирной работы. В конце 18 века ювелирные изделия носят характер того времени - классицизм.

История ювелирных изделий и украшений насыщенна большим количеством подробностей. Существуют знаменитые изделия мастеров, которые каким-либо образом играли роль в истории известных королей и придворных дам, и даже в ходе самой истории. Это достаточно интересная тема, достойная отдельному детальному изучению. И это факт как раз подтверждает то, что человек всегда желал окружать себя самыми красивыми и изысканными вещами.

Благодаря подобным украшениям каждый человек имеет возможность подчеркнуть свой индивидуальный стиль, выделиться среди иных людей. Ассортимент, который на сегодняшний день предоставляют ювелирные салоны, способен удовлетворить абсолютно любого человека. Каждый покупатель может подобрать свой индивидуальный образ. А для некоторых людей ювелирные украшения играют роль не только украшающего элемента, но и способом успешного капиталовложения, которое, не смотря на время и прочие факторы, никогда не потеряет свою ценность. В ювелирных салонах можно встретить самые разнообразные ювелирные украшения из золота, серебра или платины и ограненные разнообразными драгоценными и полудрагоценными камнями.

.2 История искусства

Иску́сство (от церк.-слав. искусьство (лат. eхperimentum - опыт, проба); ст.-слав. искоусъ - опыт, реже истязание, пытка) - образное осмысление действительности; процесс или итог выражения внутреннего или внешнего (по отношению к творцу) мира в художественном образе; творчество, направленное таким образом, что оно отражает интересующее не только самого автора, но и других людей.

Искусство (наряду с наукой) - один из способов познания, как в естественнонаучной, так и в религиозной картине восприятия мира.

Понятие искусства крайне широко - оно может проявляться как чрезвычайно развитое мастерство в какой-то определённой области. Долгое время искусством считался вид культурной деятельности, удовлетворяющий любовь человека к прекрасному. Вместе с эволюцией социальных эстетических норм и оценок искусством получила право называться любая деятельность, направленная на создание эстетически-выразительных форм.

В масштабах всего общества, искусство - особый способ познания и отражения действительности, одна из форм художественной деятельности общественного сознания и часть духовной культуры, как человека, так и всего человечества, многообразный результат творческой деятельности всех поколений. В науке искусством называют как собственно творческую художественную деятельность, так и её результат - художественное произведение.

В наиболее общем смысле искусством называют мастерство (словацк. Umenie), продукт которого доставляет эстетическое удовольствие. Энциклопедия Британника дает следующее определение: «Использование мастерства или воображения для создания эстетических объектов, обстановки или действия, которые могут быть разделены с окружающими». Таким образом, критерием искусства является способность вызывать отклик у других людей. БСЭ определяет искусство как одну из форм общественного сознания, важнейшую составляющую человеческой культуры.

Определение и оценка искусства как явления - предмет непрекращающихся дискуссий.

В эпоху романтизма традиционное понимание искусства как мастерства любого сорта уступило видению его как «особенности человеческого разума наряду с религией и наукой». В XX в. в понимании эстетического наметились три основных подхода: реалистический, согласно которому эстетические качества объекта присущи ему имманентно и не зависят от наблюдателя, объективистский, который также считает эстетические свойства объекта имманентными, но в некоторой степени зависимыми от наблюдателя, и релятивистский, в соответствии с которым эстетические свойства объекта зависят только от того, что в нём видит наблюдатель, и разные люди могут усматривать разные эстетические качества одного и того же объекта. С последней точки зрения объект может быть охарактеризован в зависимости от намерений его творца (или отсутствия каких-либо намерений), для какой бы функции он ни был предназначен. Например, кубок, который в быту может быть использован как контейнер, может считаться произведением искусства, если был создан только для нанесения орнамента, а изображение может оказаться ремесленной поделкой, если его производят на конвейере.

В своем первом и наиболее широком смысле термин «искусство» (art, англ.) остается близким к своему латинскому эквиваленту (ars), который может быть также переведен как «мастерство» или «ремесло», а также к индоевропейскому корню «составление» или «составлять». В этом смысле искусством может быть названо все, что было создано в процессе обдуманного составления некой композиции. Существуют некоторые примеры, иллюстрирующие широкий смысл данного термина: «искусственный», «военное искусство», «артиллерия», «артефакт». Многие другие широко употребляемые слова имеют аналогичную этимологию.

До XIX века изящными искусствами называли способности художника или артиста выразить свой талант, пробудить в аудитории эстетические чувства и вовлечь в созерцание «изящных» вещей.

Термин искусство может употребляться в разных смыслах: процесс использования таланта, произведение одаренного мастера, потребление произведений искусства аудиторией, а также изучение искусства (искусствоведение). «Изящные искусства» - это набор дисциплин (искусств), продуцирующих произведения искусства (объекты), созданные одаренными мастерами (искусство как деятельность) и вызывающие отклик, настроение, передающие символику и иную информацию публике (искусство как потребление). Произведениями искусства называют преднамеренную талантливую интерпретацию неограниченного множества концепций и идей с целью передать их окружающим. Они могут быть созданы специально для указанной цели или представлены изображениями и объектами. Искусство стимулирует мысли, чувства, представления и идеи через ощущения. Оно выражает идеи, принимает самые разные формы и служит многим разным целям. Искусство - это умение, которое способно вызвать восхищение.

Искусство, вызывающее своей гармоничностью положительные эмоции и ментальное удовлетворение способно также вызвать ответный созидательный отклик воспринимающего, воодушевление, стимул и стремление творить в положительном ключе. Так отозвался об искусстве художник Валерий Рыбаков, член Профессионального союза художников: «Искусство может разрушать и лечить человеческую душу, растлевать и воспитывать. И только светлое искусство способно спасти человечество: оно исцеляет душевные раны, дает надежду на будущее, несет в мир любовь и счастье.»

В настоящее время в мировой культурной традиции используются понятия об искусстве, берущие свое начало в средиземноморской античности, в особенности в греко-римском понимании этого термина.

По трудовой теории, в первобытном обществе первобытное изобразительное творчество зарождается с видом Homo sapiens как способ человеческой деятельности для решения практических задач. Возникнув в эпоху среднего палеолита, первобытное искусство достигло расцвета в верхнем палеолите, около 40 тыс. лет назад, и могло быть социальным продуктом общества, воплощавшим новую ступень освоения действительности. Древнейшие произведения искусства, такие как ожерелье из раковин, найденное в Южной Африке, датируются 75 тысячелетием до н.э. и более (см.: Пещера Бломбос). В каменном веке искусство было представлено первобытными обрядами, музыкой, танцами, всевозможными украшениями тела, геоглифами - изображениями на земле, дендрографами - изображениями на коре деревьев, изображениями на шкурах животных, пещерной живописью, наскальными рисунками, петроглифами и скульптурой.

Появление искусства связывают с играми, ритуалами и обрядами, в том числе обусловленными мифологически-магическими представлениями.

Первобытное искусство было синкретичным. По утверждению отдельных авторов, оно берет начало в доречевых навыках и приемах передачи, восприятия и хранения в памяти языковой информации. Коммуникативная утилитарность первобытного творчества, наряду с развитием эстетического аспекта, ярко наблюдается в дополиграфический фольклор период культур всех народов. Также существуют теории об искусстве как биологической функции (художественном инстинкте).

Основы искусства в современном понимании этого слова были заложены древними цивилизациями: египетской, месопотамской, персидской, индийской, китайской, греческой, римской, а также аравийской (древнего Йемена и Омана) и другими. Каждый из упомянутых центров ранних цивилизаций создал собственный уникальный стиль в искусстве, который пережил века и оказывал свое влияние на позднейшие культуры. Они же оставили первые описания работы художников. Например, древнегреческие мастера во многом превзошли прочих в изображении человеческого тела и умели показать мускулатуру, осанку, правильные пропорции и красоту натуры.

Византийское искусство и готика западного Средневековья были сосредоточены на духовных истинах и библейских сюжетах. Они подчеркивали незримое возвышенное величие горнего мира, используя золотистый фон в живописи и мозаике, и представляли человеческие фигуры в плоских идеализированных формах.

Западный Ренессанс вернулся к ценностям материального мира и гуманизма, что вновь сопровождалось изменением парадигмы изобразительного искусства, в пространстве которого появилась перспектива, а человеческие фигуры обрели утраченную было телесность. В эпоху Просвещения художники стремились отразить физическую и рациональную определенность Вселенной, представлявшейся сложным и совершенным часовым механизмом, а также революционные идеи своего времени. Так Уильям Блейк написал портрет Ньютона в образе божественного геометра, а Жак-Луи Давид поставил свой талант на службу политической пропаганде. Художники эпохи Романтизма тяготели к эмоциональной стороне жизни и человеческой индивидуальности, вдохновляясь поэмами Гете. К концу XIX века появился целый ряд художественных стилей, таких как академизм, символизм, импрессионизм, фовизм.

Однако, их век был непродолжителен, и конец прежних направлений был приближен не только новыми открытиями относительности Эйнштейна и подсознания Фрейда, но и беспрецедентным развитием технологий, подстегнутым кошмаром двух мировых войн. История искусства XX века полна поиском новых изобразительных возможностей и новых стандартов красоты, каждый из которых вступал в противоречие с предыдущими. Нормы импрессионизма, фовизма, экспрессионизма, кубизма, дадаизма, сюрреализма и т.д. не пережили своих создателей. Растущая глобализация привела к взаимопроникновению и взаимовлиянию культур. Так на творчество Матисса и Пабло Пикассо оказало большое влияние африканское искусство, а японские гравюры (сами появившиеся под влиянием западного Ренессанса) служили источником вдохновения для импрессионистов. Колоссальное влияние на искусство оказали также западные по происхождению идеи коммунизма и постмодернизма.

Модернизм с его идеалистическим поиском истины во второй половине XX в. проложил путь к осознанию его собственной недостижимости. Относительность была принята как непреложная истина, что ознаменовало собой наступление периода современного искусства и критики постмодерна. Мировая культура и история также стали категориями относительными и преходящими, к которым стали относиться с иронией, а размывание границ региональных культур привело к их осмыслению как частей единой глобальной культуры.

Теоретики во все времена видели в искусстве явление, которому присущи различные, в зависимости от конкретной концепции, функции и свойства. Это не значит, что цели искусства остаются неясными, просто существовало множество разнообразных причин для создания разных произведений искусства и множество их толкований. Некоторые из функций искусства перечислены ниже и группируются по степени их осознания на мотивированные и немотивированные.

2.3 Искусство ювелиров древней Руси

Ювелирное искусство в Древней Руси расцвело уже в эпоху Ярослава Мудрого и Владимира Мономаха (10-начало 13 столетия), поражая своей красотой европейских путешественников, посещавших Русь в те времена.

Ювелирное искусство на Руси имеет богатую историю и уходит корнями в древний быт крестьянских поселений. Интересно, что первыми мастерами по изготовлению таких изделий были женщины. Вот уж кому не надо было заботиться о том, где купить ювелирные украшения.

В те времена изготавливали разные виды ювелирных украшений. Процесс проходил следующим образом - женщины искусно плели из провощенных шнуров красивые изделия, покрывали их глиной и после сушки отжигали в специальной печи. На место выжженного воска заливали расплавленное серебро или бронзу. Получались серебряные ювелирные украшения или затейливые изделия из бронзы. Выглядели они так, как будто их сплели из металлической нити.

Если в дохристианской Руси ювелирное ремесло было уделом женщин, то уже в Х веке литьем занялись мужчины, используя каменные и глиняные формы. Кроме литья, появляются гравировка и чеканка, а с ними и настоящие авторские ювелирные украшения.

Представители каждого племени привносили в изготовление украшений что-то самобытное, свойственное только им. Наглядный тому пример - височные украшения «колты». Женщины вплетали их в волосы или прикрепляли к головному убору - до трех штук на каждом виске.

Золотых и серебряных дел мастера, переселившиеся со временем в города, осваивали узоры и техники, пришедшие с севера и востока. Искусно соединяя традиции предков с новыми знаниями, ювелиры сохраняли собственный неповторимый колорит, поражая своими произведениями не только своих, но и наших современников. Это диадемы и короны, бармы, гривны, колты, браслеты, кресты, пряжки.

В те далекие времена страна испытывала влияние сразу нескольких развитых культур (греческой, еврейской, армянской, скандинавской, исламской и, конечно, византийской) (рисунок 3,4). Все это, безусловно, не могло не найти свое отражение в ювелирном деле, где причудливо переплелись мотивы восточнославянского язычества, тонкое искусство эпохи викингов, замысловатые восточные мотивы и христианские элементы.

Отдельные памятники древнерусского ювелирного искусства получили огромную известность - о них пишут статьи и книги, помещают их фотографии в альбомы, посвященные культуре домонгольской Руси.

Монголо-татарское нашествие оказалось гибельным для многих секретов ювелирного искусства. Владевшие ими мастера сгинули в лихую годину Батоева разгрома или были угнаны ордынцами для обслуживания их правителей. Целое столетие мастерство древнерусских ювелиров находилось практически в упадке, и лишь в середине - второй половине XIV в. началось его медленное возрождение.

В конце 15 и начало 16 века для России наступил важнейший период. Закончилось время монголо-татарского ига, образовалось централизованное государство. Москва стала центром политической, экономической и культурной жизни страны. Придворные церемонии требовали пышного оформления, что стало стимулом для быстрого развития ювелирного дела.

Рисунок 3. Подвеска Рисунок 4. Шапка русского царства и венцы царские

Со всех концов земли русской в столицу приехали художники, резчики, оружейники, вышивальщицы и литейщики. Кроме русских мастеров также трудились и иностранные ремесленники разных специальностей. При Иване IV Грозном их стало особенно много, образовалась Немецкая слобода. Сотрудничество русских и западноевропейских мастеров оказало огромное влияние на ювелирное искусство России того времени. При этом творчество московских ювелиров сохраняло национальный характер.

Работы российских ювелиров можно было видеть во время особых посольских церемоний, которые были установлены Иваном Грозным и просуществовали вплоть до конца 17 века лишь с некоторыми изменениями.

Иностранцы, посещавшие Россию оставили в своих записках восторженные отзывы о работе московских ювелиров. Роскошь атрибутов царской власти-золотого скипетра, осыпанного драгоценными камнями, богатейшая порфира, золотая диадема и трон русского царя, приводили иностранцев в неописуемый восторг. А золотые одежды прислужников, которые те меняли во время обеда по три раза, вызывала изумление и зависть. Вообще, царский двор и при следующих царях отличался пышностью и роскошью.

В русской истории периоды подъема чередовались со спадом. Пример тому - польско-шведская интервенция начала 17 века при которой кремлевские хранилища были изрядно опустошены. В конце 1612 года, когда враги были изгнаны, началось постепенное возрождение.

Во времена Руси произошел расцвет художественных ремесел, особое место среди которых заняла обработка металлов, а именно ювелирное дело. Его центром стал Киев. Основы для металлических изделий изготовлялись при помощи техники литья, позволявшей создавать уникальные или массовые изделия. Первые изготовлялись с применением восковых моделей, а вторые при помощи каменных формочек.

Особое распространения в это время получили золотые и серебряные изделия, которые выполняли в различных техниках. За счет употребления техник, именуемых скани, накладная и ажурная, создавался динамичный и легкий рельефный орнамент. Сканные узоры, как правило, содержали мотивы круга, ромба и треугольника.XIII в.в. - период наибольшего процветания ювелирного искусства на Руси. Тогда мастера овладели множеством новых техник - это и «зернь», и «скань», и «филигрань». Благодаря им они научились изготавливать удивительные украшения, например, плетеное оригинальное кольцо из серебра или фигурные серьги. Появляются новые, неизвестные прежде стили ювелирных украшений.

Искусность старинных мастеров трудно переоценить. В Русском музее хранятся древние колты из серебра. Они выполнены в виде овального щитка, украшенного шестью конусами. На каждом таком конусе напаяно 6 тыс. маленьких колечек, а на каждое серебряное кольцо напаяна зернь, то есть 30 тыс. серебряных зернышек на одном только колте. Современные ювелирные украшения могут лишь отдалённо напоминать те, что делали когда-то наши предки, хотя есть и такие, которые точно подпадают под понятие «славянский стиль».

3. Виды ювелирных изделий

.1 Браслеты

Браслет - от французского bracelet - в переводе на русский, сделанном в 1704 г., - зарукавье. По В.И. Далю, зарукавье - это «обшивка и повязка по рукаву, около руки; запястье, наручень, поручье, браслет».

Браслет обычно носят на правой руке. Но сегодня могут быть разные варианты. Например, несколько браслетов (венецианского) стекла - чуть разные - одеваются на обе руки. Или два браслета из разного оттенка яшмы.

Если в браслете нет центрального композиционного камня, а он наборный из элементов, браслет на руке не закрепляется, а свободно спускается по руке вниз, к самой кисти.

Жёсткий браслет, галиотис.

У браслетов на резинке, как и у колец, есть размер - обращайте на это внимание! На стройную руку подходят практически все браслеты (чтобы был велик - большая редкость), а на полную руку - надо смотреть, размер 17-18 скорее всего будет мал - носить такой браслет невозможно.

Когда браслет украшен прекрасным букетом камней, чётко определяющим его центр, нужно подтянуть его повыше, чтобы не съезжал, а всегда демонстрировал окружающим центральную композицию. Наподобие часов. Правда, такие браслеты - как правило, с бриллиантом и его окружением, очень дорогие, среди самоцветных браслетов такие - редкость. И это хорошо, потому что свободные браслеты носить гораздо удобнее и легче.

Древнейшие браслеты из мамонтовых бивней относятся ещё к палеолиту. К концу неолита появились каменные браслеты, изготовленные сверлением. В бронзовом веке распространились металлические браслеты. Стеклянные браслеты - частая находка на раскопках. Для Древней Руси характерен браслет-обруч, свободно скользивший по руке. Нравы 18 века требовали, чтобы женская одежда была наглухо закрытой - поэтому обручи сменились «запястьями», пришивавшимися к рукаву на манер манжета, или «зарукавьями», которые в виде цепочки надевались поверх рукава.

Изобретение 19 века - браслеты-медальоны, и браслеты с портретом. Их надевали на левую руку и называли «сантимент».

Браслеты - украшения, состоящие из нескольких звеньев, соединенных различными способами.

Сегодня браслет известен как женское украшение, но так было не всегда: раньше и мужчины также носили браслеты, но - непривычным нам образом. Например, Пушкин носил золотой браслет из зеленой яшмы с турецкой надписью. Но о его существовании знали только близкие друзья, так как он носил его на предплечье левой руки.

У германских воинов браслет служил символом доблести и являлся амулетом, защищавшим в бою.

Были также известны браслеты «сердечная неволя» - два кольца, соединенные цепочкой с замком в виде сердечка. Надевали их на одну руку на запястье и ближе к локтю.

В начале 19 века были очень модны стальные браслеты, подражающие формой античным образцам. Славились браслеты производства… тульского оружейного завода, мастера которого имели большие навыки по художественной отделке металла.

В 19 веке носили «браслеты-эсклаважи», или «склаважи.» Он состоит из двух обручей одинаковых размеров (один одет у кисти, другой - у локтя), которые соединены цепью в виде оков. Отсюда - название эсклаваж, в переводе с французского означает рабство или - другой вариант - сердечная неволя. Сегодня есть и другой вариант - браслет, соединённый с кольцами - слэйв браслет.

Сегодня браслеты делают из кожи, бисера, соломы, расшитой ткани, кости, лаков и эмали. Но мне больше всего нравятся браслеты из натуральных камней.

.2 Серьги

Серьги - украшение, носимое в ушах, в которых для этого прокалываются специальные отверстия. Русское слово «серьги» заимствованно из Др.-рус., где он восходит от заимствованного из тюркского языка, где syrгa «серьга» означает «кольцо». Серьги буквально - «ушные подвески в виде кольца».

Серьги появились именно как мужское, а не как женское украшение. Уже в древней Азии 7 тысяч лет назад делали серьги для мужчин. Для древних египтян и ассирийцев серьга символизировала высокое положение в социуме. Серьга в древнем Риме обличала раба. Древние греки, носившие серьги, зарабатывали себе на жизнь проституцией. Центурионы Цезаря носили кольца в сосках как знак храбрости. Богатые гречанки и состоятельные римлянки с удовольствием носили серьги с жемчугом, демонстрируя окружающим свой достаток и высокое положение. Представительницы же высшей знати предпочитали роскошь и магию более ярких и пестрых камней, выбирая для светских выходов серьги с топазами, с гранатом или с сапфиром.

Среди бесчисленного множества найденных в египетских гробницах ювелирных украшений серьги из золота занимают одно из первых мест. Большой любовью серьги, золотые и серебряные, пользовались в странах Древнего Востока. Серьги с сапфирами, рубинами и изумрудами - фантазия восточных мастеров не знала границ и находила свое отражение в самых роскошных ювелирных украшениях. Серьги носили в Ассирии, Индии и Китае.

В Средние века в Европе мужские серьги то входили в моду, то подвергались гонениям. Например, в XIII веке католическая церковь, вооруженная религиозной догматикой, запретила изменять тело, сотворенное «по образу и подобию». Этот запрет коснулся и прокалывания ушей. Поскольку сфера влияния церкви в то время была довольно широкой, законопослушное большинство перестало носить серьги. Что до меньшинства, состоящего из пиратов, воров и цыган, то они отказываться от проколов не торопились. Причины для ношения серег у них были разные. Цыгане продевали в ухо серьгу мальчику, родившемуся после смерти предыдущего ребёнка, а также единственному сыну в семье. Воры серьгой демонстрировали бесстрашие перед церковным судом и принадлежность к социальному «дну». У пиратов серьга означала захваченный им корабль. Мореход мог надеть серьгу после того, как обогнул Мыс Горн, на котором почти круглый год стоит штормовая погода. Такой моряк имел право в портовых кабаках на одну бесплатную кружку спиртного, а также безнаказанно класть ноги на стол.

Эпоха Возрождения реабилитировала серьги и их носителей. Де-юре запрет никто не отменял, де факто опала была снята: о ней попросту забыли. На портрете французского короля Генриха III заметно, что правое его ухо украшает серьга.

До XII в. витязи прокалывали себе одно ухо. В ту пору украшение называлось «одинец», а мужчина, его носивший, - «серьгач». В Древней Руси серьги были не просто украшением, по ним можно было прочитать историю и социальное положение семьи. Так, простолюдины носили серьги из меди и дерева, зажиточные торговцы могли позволить себе более дорогие серьги из серебра.

В Московском царстве от прокалывания ушей отказались. В петровскую эпоху мужские серьги тоже не пользовались популярностью: украшения были мало видны под длинными париками. Зато серьги красовались в ушах слоев непривилегированных. Ими вовсю «щеголяли» холопы. Серьга в ухе для них была символом принадлежности хозяину. В елизаветинские времена парики стали короче и мочки придворных модников украсились серьгами.

По традиции древнерусских витязей серьги продолжали носить казаки-воины. Серьга в левом ухе у казака означала, что он один сын у матери, серьга в правом - последний мужчина в роду или единственный сын у родителей. В обоих ушах - последний в роду, кормилец и продолжатель рода. По казачьей традиции, атаман или есаул был обязан оберегать такого особенного человека. Во время войны, например, его не имели права подвергать смертельному риску, не отсылали на верную гибель в самое пекло. Сами же серьги у мужчин-казаков имели обычно вид простого полумесяца и в лучшем случае были серебряными.

Современные модные тенденции не делают различий по половому признаку, позволяя носить серьги как женщинам, так и мужчинам. Вот уже много лет не теряют своих позиций в мире моды золотые серьги с благородными камнями: серьги с цитрином, серьги с хризолитом, серьги с бриллиантами.

В настоящие время альтернативой серёг являются украшения, не требующие проколов, такие как клипсы и каффы. Среди неформальных объединений, распространён пирсинг лица.

3.3 Кольца

Когда женщина впервые поняла, что она Женщина, то немедленно пожелала украсить себя, дабы подчеркнуть свершившийся перелом в своем сознании и указать на тот факт, что теперь историю будет вершить она.

Пристрастие женщин к драгоценностям известно с древнейших времен. Драгоценные украшения служили не только для того, чтобы подчеркнуть женское очарование и прелесть, но и для вполне практичных целей: оберегали от болезней и злых сил, приносили здоровье, благополучие и удачу. Во всяком случае, в это верили прежде, а многие верят и по сей день.

Украшений были и остаются прекрасным дополнением к одежде, но есть у них еще и другая, очень важная особенность: они подчеркивают, выделяют, приковывают взгляд к той части тела, на которой находятся.

С помощью костюма можно скрыть недостатки фигуры, но украшения эти недостатки только подчеркнут. Представьте себе, что будет, если к пышной груди приколоть большую брошь, на морщинистую шею надеть колье, на полную талию - блестящий пояс, на мясистую руку - множество колец. Насколько красивая рука выиграет от надетых на нее украшений, настолько уродливая проиграет.

Для тех, кто любит носить кольца, очень важен уход за руками. Кожа и ногти должны быть в идеальном состоянии.

Более изысканно выглядят ногти, покрытые лаком нейтрального цвета, который не «спорит» с камнями колец. Эффектно выглядит лак, подобранный под цвет колец или металла. Это может быть золото и бесцветный лак с вкраплениями золотых блесток. Такой вариант возможен только вечером.

Днем серебряное кольцо с жемчугом будет изысканно смотреться с перламутровым лаком. Сочетание ярко-красного лака, блестящего металла с красным, белым или бесцветным камнем выглядит красивым только на руке с длинными пальцами. Короткие же будут казаться еще короче.

Украшения теряют свою привлекательность, когда их слишком много и они разнятся по стилю и по материалу, из которого сделаны. Серебряные и золотые кольца на руке создают впечатление путаности и мешанины. Такой же эффект можно наблюдать при смешивании более трех цветов красок: какие бы цвета вы ни смешивали, получается все равно серо-коричневый. То же происходит и с кольцами. Каждое в отдельности красиво. Все вместе на одной руке - их форма и красота становятся малозаметны.

Маленькое скромное кольцо на безымянном пальце один из древнейших и, что там скрывать - приятнейших символов.

Сегодня кольцо не просто украшение на руке, оно еще и произведение искусства. Например, кольцо «Рождение вселенной» награждено дипломом международной ювелирной выставки «Ювелир-2003», Москва в номинации «Вечерние украшения». Оно содержит кольцо золото 750 пробы 24, 19 грамм, центральный камень - бриллиант 57 граней весом 1,05 карат (6/4а), а в лучах - 116 бриллиантов 57 граней общим весом 0, 54 карат.

Или, например, это колечко, получившее награды 17 июля 2002 в городе Сочи на выставке Интерювелир-2002 в номинация «Вечерние украшения», и 9 февраля 2003 в городе Санкт-Петербург на выставке JUNWEX-2003 «Признание Петербурга» в номинация «Лучшая коллекция новинок сезона».

Часто ли мы задумываемся о традициях, уходящих корнями в далекие века? Бесспорно, не часто. Однако вопросы все же возникают. Но в силу вечной занятости, мы не всегда имеем возможность найти в себе силы и время, чтобы отыскать ответы на такие вопросы.

Не одну тысячу лет люди носят кольца и перстни. Их считали мощными оберегами, так как в металл оправлялись камни с вырезанными на них печатями и символикой их владельцев.

Кольцо «Черная Магия» выполнено из белого золота 585 пробы. Средний вес ювелирного изделия составляет 4,84 грамма. В кольце 30 бриллиантов. В том числе - 18 бриллиантов КР57 общим весом 0,48 карата с характеристиками 4/5 А и 12 черных бриллиантов общим весом 0,45 карата. Данное кольцо произведено в России. При взгляде на это кольцо нетрудно вспомнить мадам де Монтеспан, фаворитку Людовика XIV, которая часто прибегала к черной магии для продления своей молодости и красоты. Женщинам XXI века не обязательно участвовать в черных мессах в погоне за красотой, это давно устарело. Хотя, это кольцо бесспорно добавит женщине привлекательности.

Позднее перстни стали использовать как знаки отличия: ими

одаривали за выдающиеся заслуги перед отечеством. У древних германцев и римлян кольца служили символом брака. Христианская церковь сохранила этот обычай, и венчальные кольца стали для нас традицией.

Покупая обручальные кольца на свадьбу, мы знаем, что это символ, подтверждающий супружеский статус, что, обменявшись кольцами, молодожены обязуются любить и быть верными друг другу. Но что понимали под обручением наши предки, и для чего носили кольца раньше, знают наверняка немногие.

Традиция обмениваться кольцами пошла от древних египтян, как знак долгой и нерушимой людьми и богами, любви. Но и еще до этого невесты «доисторических времен» сплетали кольца из пеньки, тростника.

Считается, что первыми кольца стали носить египетские фараоны. Их кольца были весьма внушительными, потому что выполняли функцию печатей.

Вслед за фараонами кольца стали носить и представители более низших слоев общества.

А древние римляне, совершая обряд обручения, дарили родителям невесты простое металлическое кольцо, как символ обязательств и способности содержать невесту. Брак не всегда был «союзом двух сердец», с древнейших, даже пещерных времен и до совсем недавнего времени, целью заключения брака была выгода (деньги, положение в обществе, и т.п.). Увлечение кольцами всегда было велико. Римлянки носили их до 16 штук на каждой руке. Зимой тяжелые и широкие, а летом тонкие, легкие и изящные колечки. Римлянки предпочитали золотые и серебряные украшения без камней. Алмазы научились огранивать только в 1454 году, и поэтому если в металл и вправляли камни, то в основном камеи и жемчуг. Жемчуг особенно любили за мягкий, изысканный блеск.

Предшествовавшие заключению брака помолвка, а затем и обручение (на всех этих церемониях предполагалось одарение невесты кольцом) фактически были залогами предстоящей сделки - заключения брака, твердости намерений жениха. Изначально церемония обручения была важней самой свадьбы, которая считалась лишь простым завершением удачной помолвки. Древние римляне стали использовать металл для изготовления обручальных колец - такое кольцо было не только весьма дорогим украшением, но и знаком нерушимости брачных уз.

Только намного позже, во времена Христианства, кольцо стало частью свадебного обряда. Но и это пришло не сразу. Только в конце II века нашей эры супруги начали обмениваться бронзовыми обручальными кольцами. В III веке нашей эры обручальные кольца стали золотыми, а в IV веке их впервые начали использовать в церемонии бракосочетания.

В Нюрнбергском музее хранится кольцо XIII века, найденное при раскопках. Оно имеет простой трехгранный профиль и надпись «Во мне верность». В те времена обручальные кольца носили на безымянном пальце левой руки. Кольцо на этом пальце охраняло покой и счастье в семье, поскольку еще древние римляне считали, что кровь четвертого пальца левой руки идет напрямую к сердцу. Говорилось, что этот палец - символ любви и чести. Католики и по сей день носят обручальные кольца на левой руке.

По законам Христианства, обручальные кольца, как символ супружеской верности и взаимных обязательств, должны быть простыми, безо всяких украшений. Но в наше время этот принцип не так строг, как был раньше. И сейчас мы без предрассудков принимаем обручальные кольца, украшенные бриллиантами, а также другими камнями. Но в Христианстве существует также традиция помолвки. Причем кольцо, которое жених дарит своей избраннице на помолвку, обычно гораздо богаче и дороже, чем то, которое он надевает ей на палец во время брачной церемонии. А что касается традиции обмениваться обручальными кольцами, украшенными бриллиантами, то впервые она установилась при дворе императора Священной Римской империи Фридриха III. В1477 году молодой австрийский эрцгерцог Максимилиан, вступая в брак с

Марией Бургундской, заказал своему ювелиру кольцо из спрессованного золота и серебра, обрамленное бриллиантами в виде буквы «М». Таким образом, именно этому молодому человеку мы обязаны своей модой на обручальные кольца с бриллиантами. Бриллиантами украшать обручальные кольца первыми стали итальянцы в эпоху Средневековья.

3.4 Колье

Колье - ювелирное изделие, изготовленное из драгоценного металла и украшенное драгоценными камнями, является показателем высокого статуса. Это утонченное подлинно женское украшение. Колье - это изысканное истинно женское высокохудожественное Колье произведение ювелирного искусства.

Колье символизирует красоту и нежность, это показатель умения появиться в обществе во всей красоте. Ювелирное колье во все времена было неотъемлемым украшением величественных личностей: принцесс, королев, княгинь, герцогинь и всех других уважаемых женщин.

Важнейшей отличительной чертой колье является его дороговизна и шикарность! Это ювелирное изделие характеризует свою владелицу как успешную персону, имеющую красоту и власть. Прекрасное колье на шее красивой дамы не только привлечет общее внимание к ее личности, но и направит пристальные взоры на ее спутника, подняв его важность.

Можно с уверенностью говорить, что колье во все времена было и будет самым актуальным, востребованным и изысканным украшением. Деловой ансамбль, легкое платье, вечерний наряд или шикарное платье невесты - каждый наряд прекрасно сочетается с колье. Это универсальное украшение не только подчеркивает очарование женской шеи и декольте, но и просто магнетически приковывает внимание и восторженные взгляды мужчин.

Первые ювелирные изделия возникли еще в глубокой древности. Нынешние ученые с трудом угадывают, что для первобытного человека было главней: украшения или одежда. Английская экспедиция в Малую Азию отыскала останки древней женщины, относящиеся к палеолиту. Останки женщины были богато украшены бусами и браслетами. Данная находка стала примером изысканной женщины, дополняющей свой гардероб изобилием ювелирных изделий. На протяжении столетий человечество развивалось, а с ним развивалась история ювелирных изделий.

История возникновения колье также стара, как и вселенная. Во все времена все люди, особенно слабая половина человечества, пытались украсить себя, выделиться из толпы, проявить индивидуальность. Первобытный человек носил кости, шлифованные камни и зубы животных. С течением времени, обычай украшать себя немного изменилась: люди начали носить Колье украшения из натуральных камней и благородных металлов.

Обыкновения Древней Руси дают множество предлогов задуматься. Сегодня, для многих людей визиты в ювелирные магазины стали привычным делом. Однако несколько столетий назад на Руси это было целым обрядом. Задолго до рождения ребенка на семейном совете решалось, какое украшение он будит носить после рождения. Нередко это были нитка бисера или прекрасные бусы.

Колье из всех других женских украшений дополняет нарядное платье, подчеркивает контуры женской фигуры, особенно если они подобраны со вкусом и совмещаются по стилю и цвету. Известно, что уже в XVIII веке колье было отдельным видом ювелирных украшений. В старину искусные ювелиры изготавливали целые серии ожерелий из золота, которые дополняли и украшали разными подвесками из драгоценных камней.

Выбрать подходящее колье - процесс не из легких, это целое искусство, которое требует от покупателя наблюдательности и хорошего вкуса. Утонченное колье с ценными камнями будет кстати с праздничной одеждой: вечерним нарядом или костюмом. Драгоценное колье нужно тогда, когда дама хочет приковать к себе внимание и произвести на гостей хорошее впечатление. Классическое колье лучше всего подойдет с деловым одеянием и будет к месту и на деловых переговорах и встречах. Оригинальное колье красочного дизайна подойдет в неформальной обстановке, оно поможет подчеркнуть линию декольте в платье из излучающейся ткани.

Прежде всего, выбор колье зависит от наряда, с которым колье предполагается Колье носить. Помимо этого, для того, чтобы реализовать верный выбор - необходимо учитывать особенности овала лица и фигуры. Например, если у Вас большая грудь или короткая шея, к которой не хочется привлекать внимание, нужно останавливать свой выбор на ярких классических колье.

В том случае, если у Вас замечательная «лебединая» шея, то линия декольте так и влечет своими формами - нужно подчеркнуть свое достоинство с помощью шикарного колье. Короткие колье с декоративными пряжками крепко облегают шею у основания и прекрасно смотрятся с вырезом - «лодочка» и нарядом с глубоким декольте или декольтированным лифом с приоткрытыми плечами. Женщине с толстой или короткой шеей такие украшения носить нельзя - короткое колье или бархотка только еще больше зрительно укоротит шею. Для повседневной одежды и деловой одежды лучше всего избрать золотое или серебряное колье классической формы, а также цепочку и маленькое ожерелье.

Притянуть мужское внимание к декольте платья, может помочь длинное колье, спускающееся ниже ключиц и достигающее груди. Ювелирное основание и объемный кулон в конце - безупречное украшение для платья с вырезом. Можете дополнить свое бриллиантовое или жемчужное колье серьгами «в тон», и Ваш завершенный образ будет выглядеть просто восхитительно! Длинное колье смотрится стильно и одновременно элегантно.

Колье - ювелирное изделие, не предназначенное для каждодневной носки. Колье с бриллиантами следует хранить в отдельной коробочке, отдельно от других украшений, особенно от украшений с фианитами (рисунок 5).

Рисунок 5. Колье с жемчугом

Вместо колье можно подобрать ожерелье из жемчуга или камней. Ожерелье Вы можете носить одной ниткой или в несколько рядов. Длинные ожерелья, которые ниспадают ниже груди, смогут помочь зрительно удлинить верхнюю часть торса.

При покупке колье в первую очередь нужно обращать внимание на застежку - это очень важный элемент, так как от его качества зависит то, насколько долго Вы будете носить колье, то есть не потерять его. И, естественно, важно обращать внимание на качество закрепки полудрагоценных и драгоценных вставок.

4. Национальный орнамент

.1 История орнамента

Орна́мент (лат. ornemantum - украшение) - узор, основанный на повторе и чередовании составляющих его элементов; предназначается для украшения различных предметов (утварь, орудия и оружие, текстильные изделия, мебель, книги и т.д.), архитектурных сооружений (как извне, так и в интерьере), произведений пластических искусств (главным образом прикладных), у первобытных народов также самого человеческого тела (раскраска, татуировка) (рисунок 6). Связанный с поверхностью, которую он украшает и зрительно организует, орнамент, как правило, выявляет или акцентирует архитектонику предмета, на который он нанесён. Орнамент либо оперирует отвлечёнными формами, либо стилизует реальные мотивы.

Рисунок 6. Национальный орнамент

Происхождение орнамента доподлинно неизвестно. В нём запечатлено эстетическое осмысление деятельности человека, творчески преобразующей, упорядочивающей природу или религиозного содержания. В орнаменте, особенно в народном творчестве, где он имеет самое широкое распространение, запечатлелось фольклорно-поэтическое отношение к миру. Со временем мотивы утрачивали свой первоначальный смысл, сохраняя декоративную и архитектоническую выразительность. Важное значение в генезисе и дальнейшем развитии орнамента имели эстетические общественные потребности: ритмическая правильность обобщённых мотивов была одним из ранних способов художественного освоения мира, помогающим осмыслить упорядоченность и стройность действительности. Не только ритм, свойственный многим процессам жизнедеятельности человека и природным явлениям, но и другие закономерности, несомненно, были отражены в орнаментальных мотивах: закон равновесия, когда одно может быть равно множеству, тройственность мира, невероятно значимое явление в мироощущении древних, присутствующая в орнаментальном знаке, имеющем центр, среднюю часть и периферию. Орнамент, в конечном счете, послужил началом символического описания мира, что отражено в исследованиях Х.Э. Керлота.

Возникновение орнамента уходит своими корнями в глубь веков и, впервые, его следы запечатлены в эпоху палеолита. В культуре неолита орнамент достиг уже большого разнообразия форм и стал доминировать. Со временем орнамент теряет своё господствующее положение и познавательное значение, сохраняя, однако, за собой важную упорядочивающую и украшающую роль в системе пластического творчества. Каждая эпоха, стиль, последовательно выявившаяся национальная культура вырабатывали свою систему; поэтому орнамент является надёжным признаком принадлежности произведений к определённому времени, народу, стране. Несомненно, также, что орнаментальная история имеет свои константы, знаки, которые, не изменяясь со временем, принадлежат различным культурам, стилям и культурным эпохам. К таким знакам относится, например, колесо. Особенного развития достигает орнамент там, где преобладают условные формы отображения действительности: на Древнем Востоке, в доколумбовой Америке, в азиатских культурах древности и средних веков, в европейском средневековье. В народном творчестве, с древнейших времён, складываются устойчивые принципы и формы орнамента, во многом определяющие национальные художественные традиции. Например, в Индии сохранилось древнее искусство ранголи (альпона) - орнаментальный рисунок - молитва.

К числу формальных особенностей орнамента относится декоративная стилизация, плоскостность, органическая связь с несущей орнамент поверхностью, которую он всегда организует, нередко выявляя при этом конструктивную логику предмета. По характеру композиции, орнамент может быть ленточным, центрическим, окаймляющим, геральдическим, заполняющим поверхность или же сочетающим некоторые из этих типов в более сложных комбинациях. Это связано с обусловленной формой декорируемого предмета.

По используемым в орнаменте мотивам его делят на: геометрический, состоящий из абстрактных форм (точки, прямые, ломаные, зигзагообразные, сетчато-пересекающиеся линии; круги, ромбы, многогранники, звёзды, кресты, спирали; более сложные специфически орнаментальные мотивы - меандр и т.п.); растительный, стилизующий листья, цветы, плоды и пр. (лотос, папирус, пальметта, акант и т.д.); зооморфный, или животный, стилизующий фигуры или части фигур реальных или фантастических животных. В качестве мотивов используются также человеческие фигуры - антропоморфный орнамент, архитектурные фрагменты, оружие, различные знаки и эмблемы (гербы). Особый род орнамента представляют стилизованные надписи на архитектурных сооружениях (например, на среднеазиатских средневековых мечетях) или в книгах (т. н. вязь). Нередки сложные комбинации различных мотивов (геометрических и звериных форм - т. н. тератология, геометрических и растительных - арабески).

4.2 Использование национального орнамента

Казахи всегда славились своим гостеприимством, которое является неотъемлемой и важнейшей чертой характера степняков. Казах стремится выполнять пять основных заповедей предков, одна из которых - встречать гостя как посланника бога. Это подтверждается поговоркой: «Один из сорока гостей - Кадыр (имя пророка), один из тысячи - Уали (имя пророка)».

Гостю стараются угодить, накрывают хороший стол, получают его благословение. В давние времена путники, странствующие из аула в аул, приносили с собой последние новости, весточки от близких и знакомых, тем самым, поддерживая связь между отдаленными селениями. Провожая гостя, хозяева напутствуют его добрыми пожеланиями и собирают в дорогу угощения - саркыт - его дорожную сумку.

Стремление достойно встретить и угостить человека свидетельствуют о высокой культуре степных традиций. Гостеприимство считалось священной обязанностью. Если же эта традиция нарушалась, гость вправе был пожаловаться хозяевам. Каждый путник, отправляясь в дорогу, знал, что его тепло и с радушием встретят в любом месте.

Как известно, самых почетных гостей казахи сажают на самом почетном месте. В юртах казахов на почетном месте (торе) были всегда разложены самые лучшие шерстяные ковры.

Пространство между тор и хозяйственной частью занимали постели хозяев юрты - справа старших, а слева - младших членов семьи. На ночь постель расстилали, а днем свертывали и укладывали у стенки. Постель завешивали пологом из ткани. За постелью на кереге висел настенный ковер (тускииз). Между тор и кроватью располагалась вешалка (адалбакан).

Войдя в богатую юрту, человек попадал в неповторимый мир орнамента. Пол застилался коврами паласного типа, текеметами, корпеше - ватными одеялами, рассчитанными на подстилку для сидения, на которые разбрасывали жержастык - жесткие подушки, а когда приходили наиболее почетные гости - еще и кусжастык, копшик - мягкие подушки, набитые перьями. На стены вешали разноцветные ковры. Ковров было несколько видов. Например, текемет - войлочный постилочный ковер, в орнаменте которого преобладал узор «кошкар муйиз» - бараньи рога, сырмак - вид войлочного ковра имел центральное поле и узорную рамку, замыкавшую его. Сырмак стелился на пол, украшал стены, постель. Тускииз - панно или настенный ковер, создавался из различного материала, им украшали окружность кереге. Алаша - тип ковра, сшивающийся из узорных полос, им застилали пол или вешали на стену юрты.

Рисунок 7. Ковровый орнамент

В современных условиях, многие жители Астаны и Алматы, да и всех остальных городов Казахстана предпочитают также украшать свои гостиные качественными шерстяными коврами с национальным казахским узором, казахским орнаментом, история становления которого уходит в далекое прошлое.

Если углубиться в историю, то орнамент вообще как знак, как символ впервые появился в человечестве еще в верхнепалеолитическую эпоху (15-10 тыс. лет до н.э.).

Орнамент строится на ритмическом чередовании или повторе геометрических или изобразительных элементов. Он может быть живописным или скульптурным, заимствующим свои формы от объектов и предметов реального мира путем их обобщения, или условно-абстрактным. Используется преимущественно в декоративно-прикладном искусстве, широко применяется в архитектуре, составляя неотъемлемую и нередко важнейшую часть декоративных композиций, книжной графике. Но связанный более или менее тесно с формой украшаемого предмета, орнамент никогда не подчиняется ей до конца, не растворяется в прикладном искусстве как одно из его многочисленных выразительных средств. Он остается самостоятельным видом художественного творчества со своими законами, своими композиционными принципами.

Первые образцы казахского или, точнее, прототюркского орнамента (каз. - «ою-орнек», от слов «ою» - выкройка и «орнек» - узор, а вот мастера и мастерицы, владеющие искусством орнамента, именуются «оюшы») в истории художественной культуры Казахстана дает глиняная посуда - это ряды вмятин, зигзаги, «елочные», плетеночные («веревочные») узоры. Весьма распространенными были горизонтальная, вертикальная, диагональная линии, а также такие геометрические формы, как круг, полукруг, овал, квадрат, ромб, треугольник, спираль, крест. Древний человек наделял узоры определенными символическими значениями, передавая свое понимание об устройстве мира. Так, треугольник символизировал горы, круг - солнце, квадрат - землю, свастика - движение солнца, спираль - развитие, движение и т.д. Были распространены также широкие полосы, заштрихованные поперек, шахматная сетка, узор гребня, топора, мышиного следа, звезды, сломанного рога, спаренных колец, глаз верблюжонка, позвонок и т.д.

Чаще всего покрывались орнаментом днища, оборотные стороны украшений-оберегов, скрытые от глаз человека части предметов. По всей вероятности, на первых порах узоры еще не обладали декоративными качествами.

Казахский народ впитал многовековые традиции своих разноплеменных предшественников, чье орнаментальное творчество, ставшее лидирующей формой изобразительного искусства, в силу подвижного образа жизни, развивалось по пути не конкретного воспроизведения реальных объектов, а путем передачи его содержания в условно-абстрагированной форме. Как правило, изображались образы не целиком, а с помощью какой-нибудь детали, по принципу замены целого наиболее важной его частью. Одной из предпосылок появления орнамента была необходимость отмечать предметы семьи, рода, племени отличительными знаками. Постепенно эти знаки-символы приобрели орнаментальную выразительность узора, который стал рассматриваться с эстетической, этнознаковой, магической, культовой точек зрения.

В орнаментальной композиции главные элементы выделяют размером, ярким цветом и расположением по центру. Второстепенные элементы, дополняя главные и оттеняя их ведущую роль и значение, пластично соединяются в целостный организм. Тщательный подбор цвета в прикладном искусстве казахов проводится с целью создания такого декоративного образа, который смог бы непосредственно вызывать у человека приятные чувства и ассоциации.

Любуясь природой, человек давно заметил в ней бесконечное множество интересных, причудливых форм и цветовых оттенков. Природа для него стала источником создания оригинальных орнаментальных композиций. Казахи добились умелой стилизации природных форм, переработав реальную предметную форму в упрощенную, условную. Подбор каждого мотива орнамента, в том числе и выбор цветового решения, является творческой работой народных мастеров. Цвет орнамента связан с фантазией мастера, с его художественным вкусом. Большое значение казахи придавали выбору фона, значительно усиливая удачным подбором звучание всего узора.

Из группы геометрических мотивов доминирует треугольник. Он издавна слыл мощным оберегом, глобальным символом универсального характера, популярным и в наши дни. Треугольную форму имели амулеты - обереги от сглаза. Амулет одевали на шею животных, в виде талисмана давали носить детям. В числе амулетов-оберегов можно назвать следующие:

Бес танба - крестовина, условное изображение четырех сторон света. Применяется в декоре безворсовых ковров - алаша, тканых лент - баскуров, а также украшает деревянные изделия: сундуки, кровати. Цветовая гамма - красный и черный цвета.

Жiлiншек - кость, применяется для украшения безворсовых ковров - алаша, войлочных сумок - тыс-кап, узорных лент. Окрашивается в красный, черный, бордовый, коричневый, зеленый тона, допускается и контрастирование с фоном - черный узор на белом фоне.

Балта - топор. Мотив напоминает по форме топор, ассоциирует благополучие хозяйства, домашнего очага. Цветовая гамма: красный, коричневый, синий и черный тона.

Балдак - костыль. Это символ опоры, чаще - в композициях, обрамляет, окантовывает центральное поле, преимущественно коричневого, синего, зеленого и красного цветов. Иногда обводится дополнительной линией другого цвета, что придает ему большую четкость и нарядность.

Ирек, су - зигзаг, вода, элемент с сильным охранным свойством. В сознании казахов ассоциируется также с образом змеи, нижним миром, водой. Воспроизводится в различных вариациях: в виде волнообразной линии, свернутой спирали, иногда в виде рыбьей чешуи. Распространен в ковроткачестве, в вышитых изделиях. Основные цвета - голубой, синий и фиолетовый.

Тарак - гребень; мотив, пленяющий красотой ритма. Встречается на узорных тканых лентах - баскурах, безворсовых коврах алаша. Доминируют расцветки желтого, коричневого, красного, синего, черного тонов.

Канка - костяк. Мотив украшает тканые изделия - алаша, баскуры, вышивки. Выполняется преимущественно в желтом, зеленом, красном и черном тонах.

Донгелек - круг, орнаментальное воплощение солнца, поскольку в представлении казахов изображение животворящего солнца распространяло в воображаемых лучах охранную, очищающую и стимулирующую добро силу. Узор украшает текеметы, сырмаки, национальную одежду. Доминируют белый, желтый, красный, бордовый, черный цвета.

В казахском орнаменте наиболее значительное место занимают зооморфные мотивы, передающие животное чаще всего по принципу замены целого частью. Иногда в едином пластическом образе совмещаются части разных животных.

Ведущий художественный мотив - муйiз, рисунок рогов барана. С ним связывались представления о богатстве, приумножении скота, охранные функции. Рог украшает текеметы, сырмаки, алаша, а также архитектурные сооружения. Используемые цвета - кирпично-красный, желтый, синий, зеленый и синий, коричневый и черный.

Сынар муйiз - один рог. Наиболее распространенный вид казахского орнамента, украшавшего обычно войлочные изделия - текеметы, сырмаки. Ритмический строй представленного мотива обрамляет контур композиции. Распространенная гамма - красный и черный цвета. Сынык муйіз - сломанный рог; народные мастера этим мотивом украшали ковры, циновки, баскуры, алаша, сумки. Его основные тона: красный, бордовый, зеленый, коричневый, черный.

Омыртка - позвоночник; встречается в различных комбинациях - в обрамлении и в центре орнаментальных композиций. Эффектно выглядит окрашенный в синий, бордовый, красный, коричневый и черный тона.

Тышкан iз - мышиный след, используется для украшения ковров, коржынов, аяк-капов. Этому мотиву отведена окантовочная, бордюрная роль в композиции, он имеет преимущественно красный, коричный, бордовый, черный тона.

Ботагоз - глаз верблюжонка. В представлении казахов ромб олицетворяет плодородие, охраняет детородные функции. Это магический узор, наделяемый охранным свойством. Согласно поверьям, глаз, как и слово, обладает магической силой, иногда разрушительной. Такой элемент встречается как в центральной части композиции, так и в образовании бордюра, окаймляющего края изделия. Традиционная цветовая гамма: красный, коричневый, черный, синий цвета.

Ит куйрык - собачий хвост, наряду с охранным свойством, олицетворял дружбу, символизировал различные благопожелания. В связи с охранной функцией он украшал резьбу двери юрты, лицевые части кровати, иногда - войлочные изделия. Цветовая гамма: коричневые, бордовые, синие тона.

Туйе табан - верблюжий след, олицетворение богатства, приумножения скота, стимулятор продуцирующей силы и различных благ. Он украшал различные изделия народных ремесел, его использовали в резьбе по дереву, инкрустации, вышивке, в войлочных изделиях. Основные тона: коричневый, бордовый, черный.

В казахском прикладном искусстве популярен и растительный орнамент: изображение цветов, листвы, деревьев, плодов и семян. Многие из этих мотивов восходят к глубокой древности. С образом дерева связаны идеи роста, плодородия, жизненной силы. От образа Мирового древа в традиционном сознании формируется Древо жизни, а затем Древо родовое и, наконец, генеалогическое, в чем отражен процесс перехода глобальных символов в частные. Распространено также изображение куста, растительного побега с вьющейся листвой, трилистника, многолепесткового цветка.

Гул - цветок; мотив имел различные варианты, в том числе: бутон, тюльпан, лотос, пальметта, астра. С цветком связывались идеи плодородия, олицетворение вечного обновления и возрождения жизни, изобилия. Чаще всего такие мотивы украшают предметы домашнего обихода: настенные ковры, полотенца. Колорит - предпочтительно красные, желтые, оранжевые и бордовые тона.

В богатейшем багаже казахских орнаментальных мотивов имеются также космогонические.

Ай - месяц в изображении в паре со звездой. Астральные объекты у казахов наделены очищающей мощью, светлой энергетикой, это обереги, проводники различных благ.

Жулдыз - звезда; в традиционном сознании данный мотив у казахов идентифицируется с человеческой душой. Небесные светила всегда наделялись очищающей мощью. Мотив украшает центральные части ковров. Основные цвета: красный, синий, бордовый.

Феномен кочевничества - это образ жизни рядом с животными, которые обеспечивали человека буквально всем. Все, что окружало древнего кочевника - и растения, и животные, и явления природы, небесные тела, дождь и снег - все это он подвергал своеобразной идеализации.

Каждая из представленных групп орнаментов: растительная, животная, геометрическая и космогоническая, содержит в себе определенный смысл. Любой элемент орнамента имеет определенное назначение. Изящные ласточки, изумительные лепестки растительного орнамента украшают верхнюю одежду, а также платья девочек. Зооморфные мотивы, орнаменты в виде наконечника стрелы, орла, украшали одежду мальчиков. Определенные элементы использовались в декоре головных уборов, верхней одежды, брюк. К примеру, узоры верблюжий след, мышиный след, «собачий хвост» никогда не применялись для украшения головных уборов.

«Прочтение» орнаментов - своеобразный универсальный ключ, открывающий богатства народной культуры.

Не менее интересна символика цвета в казахском орнаменте. Белый цвет на фоне изделия и в основном рисунке - символ белого пути, истины, счастья. Красный - огонь, палящая энергетика солнца, любовь; черный - сила, величие, могущество, а также цель, благополучие.

В казахском орнаменте сочетание красных и синих цветов - напоминание о природных богатствах солнечного края, выражение мечты народа о счастье (недаром в орнаменте встречаются изображения бога счастья и достатка Тао-тье и круто изогнутые рога животных - признак успехов в скотоводстве) [3].

Бледные цвета признак грустной поры, тоски, тревоги. Зеленый символизирует обновление земли, весну, молодость, синий цвет - символ неба, божества Тенгри, желтый - разума.

Примечательны слова М. Семеновой: «Орнамент, приближающийся по своей конфигурации к сложному разветвлению бараньих рогов, по мере охвата большого пространства, композиции обретает также черты монументальности, к личному элементу все больше примешивается элемент эпический, движение воспринимается как бесконечное, вечное, непрерывное, а также неподвижное в своей бесконечности. Здесь дана мощная концепция мира в максимальных общих категориях - пространства, времени, вечности, обретающих монументальность» [4]. В этой связи хотелось бы добавить, что перечисленные категории возможны лишь в контексте с цветовой гаммой орнамента.

Рисунок 8. Цветовой каркас орнаметов

Исходя из перечисленных цветовых предпочтений казахского орнамента, можно заметить, что на первом месте всегда стоял красный цвет, на втором - черный (темно-коричневый), на третьем - белый, затем уже выстраиваются другие цвета - бордовый, желтый, зеленый, синий, оранжевый, голубой (рисунок 8). Цветовой каркас, состоящий из триады красный - черный - белый, был заложен издревле, подтверждение чему - цветовое решение петроглифов и керамика эпохи неолита и бронзы Казахстана.

5. Дизайн ювелирных изделий

.1 Составление композиции

Компози́ция (лат. compositio - составление, связывание, сложение, соединение).

Рассмотрим композицию еще в одном значении, еще в одной функции - как учебный предмет.

Анализируя развитие композиции как специальной учебной дисциплины в историческом аспекте, можно увидеть, что на этот предмет всегда оказывали влияние композиционные достижения великих мастеров. Естественно, это находило отражение и в практике преподавания изобразительного искусства.

Композиция как учебный предмет появилась значительно позже, чем такие дисциплины, как рисунок и живопись. Вначале изучение композиции сводилось лишь к сочинению картины на библейские, мифологические, позже на сказочные и свободные темы. Отставание композиции как учебного предмета связано с тем, что сочинение произведений искусства признавалось долгое время делом сугубо индивидуальным и весьма сложным, доступным ограниченному кругу учеников. Художники-педагоги считали, что их главная задача - научить рисовать и писать красками, и как итог обучения предлагали ученикам сочинить эскиз, а на основе его и картину. Конечно, исходя из своего личного творческого опыта, педагоги давали выпускникам школы какие-то общие указания, но все же создание картины не выделялось четко в специальный предмет. Более позднее формирование композиции как самостоятельной учебной дисциплины обусловлено так же и тем, что процесс сочинения, создания произведения действительно очень сложен, он представляет собой своего рода творческий феномен; явление во многом интуитивное, трудно поддающееся изучению.

В настоящее время композиция как учебный предмет находится в стадии становления и развития. Это связано с тем, что нет научного обоснования учебного предмета «композиция», в том числе его теоретической части. А это, в свою очередь, зависит в целом от степени разработанности теории композиции как науки.

Недооценка, а порой и отрицание необходимости композиции как учебного предмета, особенно в период формирования советской художественной школы (20-30-е годы), тормозили творческое развитие молодых художников. Нередко и сейчас встречаются педагоги, считающие главным в творчестве интуитивное начало, «озарение». Однако практика доказала необходимость обучения композиционным навыкам как начинающих художников, так и преподавателей изобразительного искусства.

Без знания истории искусств невозможно по-настоящему понять значение и роль композиции, рисунка, живописи. В то же время, владея рисунком, живописью, композицией, студенты приобретают необходимые знания и умения для глубокого анализа произведений мастеров, познают специфику рисунка, картины, скульптур и т.д. При изучении истории искусства они проникают в тайны мастерства, в творческую лабораторию великих художников. Освоив основные законы композиции, выведенные из практики работы мастеров прошлого и современных художников, они будут увереннее подходить к решению собственных творческих задач.

Композиция как учебный предмет ставит своей целью: обучение, воспитание студентов в области композиции в изобразительном искусстве, развитие их творческих способностей, повышение познавательной активности.

Ювелирный дизайн сегодня предлагает необыкновенное разнообразие стилей и направлений, сплав традиций, технологий, обычаев и материалов.

Как любой дизайн, ювелирный ориентируется, прежде всего, на массовое производство. Массовое производство имеет смысл тогда, когда есть продаваемость, узнаваемость товара на мировом рынке, раскрученный бренд. Вот тут и выходит на первый план дизайн, работа дизайнера.

Тенденции в производстве ювелирных украшений меняются в наши дни значительно чаще, чем раньше. Круговорот сменяющихся стилей, направлений является закономерным следствием технокритизации современной жизни, стремлением преодолеть противоречия между унификацией предметно-пространственной среды и движением к ее индивидуализации. Режим современной жизни с ее нервными перегрузками, издержками машин-ной цивилизации заставляет искать ответы на духовные запросы конкретных людей, не удовлетворяющихся более приоритетом рационального над эмоциональным, что составляло суть господствовавшего во второй половине ХХ века функционализма как стилевой системы. Одностороннее рационалистическое искусство оказалось неспособным ответить на многообразный комплекс новых идейно-художественных и нравственных запросов человечества. Образовавшийся духовный вакуум стал заполняться различными художественными течениями и направлениями.

Одним из наиболее ярких направлений в ювелирном дизайне стало фольклорное направление.

В каждой стране дизайнеры обратились к поискам народно-этнографических и национальных истоков. И это не случайно. Если общность моды, архитектуры, развитие техники нивелируют общество, то народное искусство утверждает самобытность каждого народа.

Ювелирный дизайн очень тонко реагирует на зарождающиеся тенденции в обществе, рождая вещи интернациональные по духу.

Собственно этнодизайн, в понимании принадлежности к какой-либо национальной культуре, существовал всегда наряду с существованием самой нации, народа, племени. Творческая деятельность народа не может быть свободной от национальных черт и искусство ростовских эмальеров, также как и искусство кубачинских мастеров, например, несет на себе печать народного духа и национального самосознания.

В этом заключается способность народного искусства отвечать эмоциональным запросам самых различных людей. В таком этнодизайне не прерывается народная традиция. Искусство развивается через познание народного духа, в действии этого духа там, «где только совместно живут и действуют многие как некоторое единство», - по выражению известного этнолога Лацаруса-Штейнталя [15].

Такой этнодизайн - это феномен мироощущенческого порядка, это материализация мироощущенческих особенностей народа, его восприятие действительности и реакция на эту самую действительность; это живая традиция в ее развитии. Здесь можно говорить как о народном искусстве, так и о профессиональном, опирающемся на народную традицию.

Как правило, такое традиционалистское течение имеет вполне определенную при-вязку к региону, социально-экономическим, природно-климатическим, местным локальным условиям.

С другой стороны интерес к прошлому, к народным корням культуры породил этнодизайн как, скорее, явление стилизации, чем стиля. Фольклорная стилизация (этнодизайн) - это не отказ от современности, не реставрация, не подделка. Это уважение к истории, восхищение народной традицией, национальной культурой и не только своей. Это потребность людей в надежной духовной опоре, базирующейся на исторических национальных традициях; это ощущение преемственной связи поколений как смены национальных культур в контексте мировой истории.

В современном ювелирном этнодизайне прослеживается ряд ретро-тенденций.

В одном случае это иллюстративно-традиционалистское направление, цитирующее внешние признаки исторических национальных прототипов. Оно использует систему внешне воспринимаемых и легко узнаваемых признаков или фрагменты этой системы, позволяющих отнести предмет к той или иной национальной культуре в аспекте прошлого.

К произведениям этого рода можно отнести замечательное произведение ювелира Вердуры, созданное для жены американского посла в Великобритании, - это тиара из желтого золота с бриллиантами, по виду напоминающая головное украшение индейского вождя. Цитируемая форма, выполненная из другого материала (золота), великолепно сработанная по вкусу и технически совершенная, позволила создать яркое запоминающееся произведение.

Данные современной психологии позволяют выделить более сложную предметно-опосредствованную эмоциональную связь создателя со зрителем через произведения искусства. При этом зритель может получать эстетическое наслаждение при восприятии арт-объекта в результате постижения им общности между собой и объектом восприятия, в результате переживания настроения, вызванного объектом искусства, и, наконец, самопознания. Сопереживание художнику в испытываемых им чувствах придает особый эстетический смысл его произведениям.

С этой точки зрения можно рассмотреть другое произведение того же Вердуры - «византийские» броши из желтого золота с полудрагоценными камнями. Весь образно-эмоциональный строй этих произведений приподнято-торжественный, декларативно-декоративный. И хотя здесь нет орнаментальных изобразительных мотивов, присущих византийскому декору, с византийской культурой их роднит наличие изобилия камней - крупных полированных и ограненных, выглядящих очень внушительно, объемно; - яркое желтое золото, плотность, насыщенность «упаковки» цветных полудрагоценных камней;

композиционный принцип простого пересечения горизонтальных, вертикальных и диагональных элементов брошей и, как результат, в целом - впечатление спокойного величия, уверенности, статичности и утонченной роскоши.

Этническая принадлежность, узнаваемость создается здесь не за счет прямого копирования образцов, а в результате переживания самого духа великолепия и пышности, характерных для византийского искусства.

Многие ювелирные фирмы, применяющие в дизайне этнические мотивы, обращают свои взгляды на Восток. Сплав традиций, технологий, обычаев, материалов привел к созданию нового барокко, в котором восточная роскошь и драгоценность материалов сочетается с современной изысканностью и рациональностью структуры. Таковы изделия фирм «John Hardy», «Boucheron», «Gianmaria Donini», «Henry Dunay», «La Nouvelle Bague». Для изделий фирм, эксплуатирующих восточную экзотику, характерна избыточность цвета, использование асимметрии, новых материалов, а также преобладание крупных форм, квадратных и круглых поверхностей, покрытых бриллиантами. В формообразовании чувствуется влияние 1960-х годов и неувядаемый стиль «art deko».

По-прежнему модны серьги-шандельеры, но на первый план выходят серьги-кольца, браслеты-цепи, браслеты с подвесками. Традиции Китая, Японии, Индии, Индонезии переплетаются и искусно объединяются в этих изделиях с самыми изысканными требованиями современности. Использование новых технологий и материалов, сочетание драгоценных материалов с натуральными (коралл, дерево, жемчуг) и с природными формами дает по-новому неожиданное прочтение образов.

В объемно-пластической выразительности ювелирных изделий большое значение имеют обильно применяемые цепи и цветные вставки. Выпуклые цветные вставки в высоких кастах усиливают ощущение скульптурной выразительности изделий, их своеобразной монументальности. Ощущение пластичности во многих вещах подчеркивается динамическими подвесками, монтируемыми к основному каркасу украшения с помощью колец, цепей и переходных звеньев различной конструкции.

В этом плане интересна работа знаменитой ювелирной фирмы «Mauboussin», давно разрабатывающей восточную тематику.

Колье из желтого золота с кораллами в своих формах и образах апеллирует к куль-туре Юго-Восточной Азии. Необычно сочетание крупных ярких объемных форм кораллов с плоскими небольшими блестящими золотыми подвесками в виде морских обитателей: рыб, морских коньков, крабов.

Все это ярко и динамично и по ощущению и в прямом смысле - и отвечает духу нашего мобильного времени. Еще одна характерная черта современного ювелирного этнодизайна - это возвращение на рынок моды украшений с эмалью.

Ювелирная индийская фирма «Royal Gems and Arts» создает изделия как в традиционном старинном стиле, использующем старинные формы и орнаментику, так и в современном стиле, развивая формообразующие принципы национального искусства. В решении своих изделий дизайнеры этой фирмы часто прибегают к использованию эмали.

Необычные сочетания цветов, необычные смелые сочетания материалов, драгоценные с природными, обработанных с необработанными, обращение к различным стилям и манерам - все это современный этнодизайн.

Использование фактуры в создании ювелирных украшений - это новое свежее направление в работах современных дизайнеров. Здесь много интересных находок, открытий. Так, например, грубая фактура необработанного желтого золота в сочетании с гладкой фактурой другого материала и того же золота часто дает необычный эффект. На этом построены, в частности, работы итальянского ювелира О. Оrlandini. Многие итальянские дизайнеры используют фактуру в своих украшениях в поисках новой точки отсчета, емкого образа, художественной выразительности. В своих поисках новых форм, нового материала для своих фантазий современные ювелиры обращаются к глубинам народного национального искусства времен Античности, Средних веков, отсюда усиление метафоричности и символики в современных украшениях.

Обширность тематики, глубина временных пластов дают необозримое поле деятельности для ювелиров, богатейшую пищу для фантазии. Работы ювелиров итальянских фирм «Оrlandо Оrlandini», «Le Sibille», «Donini» убедительно доказывают, что обращение к прошлому, к традиции в сочетании с новейшими технологиями, прекрасным вкусом и чувством своего времени дает прекрасный результат.

Невесомые кольчуги из золотых колец, дисков, золотой проволоки, черненого и белого золота с бриллиантами различной структуры способны поразить любое воображение. Принципы ювелирного дома «Оrlandо Оrlandini» - Новая классика, образность, свет, ручная работа, особый способ обработки золота, придающий мягкость. Дизайнеры фирмы «Bulgarie» в своей коллекции «Киклады» из желтого и белого золота также обращаются к античным временам. В подвесках и кольцах они обыгрывают мотив коринфских монет III-IV в. до н.э. Подвижность частей, гибкость, яркость красок, округлость форм, использование цепей - во всем этом видна реакция на современную моду. К новшествам относится множественность элементов, часто подвижных, создающих впечатление горстки монет или золотых дисков на кольце.

Итальянская фирма «Le Sibille» в своих творческих устремлениях обращающаяся к разным эпохам и стилям в своих коллекциях мозаике отводит не последнюю роль. За основу формообразующего принципа дизайнеры фирмы взяли развитие древней формы в миниатюре. Разнообразные украшения: кольца, подвески, колье созданы при помощи микро мозаик из крохотных кусочков смальты. Изготовление подобных мозаик являлось ранее тайной Ватикана. Обращение к римской мозаике 8-го века - это обращение к славному прошлому своего народа. Это желание возродить старинные технологии и вдохнуть новую жизнь в народные традиции. Орнаменты, сюжеты, сочетания красок взяты с помпейских фресок, мозаичных полов римских и флорентийских соборов.

Удивительно свежо и стильно воспринимаются украшения, соединившие в себе драгоценность мозаики с полудрагоценными камнями и бриллиантами и желтым золотом.

Прославленный ювелирный Дом Loui Cartier, начинавший свою деятельность в стиле Art Deco, всегда являлся приверженцем использования в украшениях самых роскошных камней на основе четкой рациональности структуры, дизайнерских находок и новейших технологий.

Именно фирме «Cartier» принадлежит честь изобретения украшений в стилистике «тутти-фрутти» и красочные украшения, выполненные в «египетском стиле», в стиле «гирлянда».

Строгие, компактные, геометризованные формы украшений Cartier оживляют контрастные сочетания белой платины или белого и желтого золота с бриллиантами и черным ониксом. От прямого изображения пантеры (в кольце из желтого золота с ониксом, бриллиантами, изумрудом) ювелиры фирмы пришли к условности мотива, когда только черный крап из оникса напоминает образ хищника. К последним новинкам фирмы относится обручальное кольцо «Тринити» - из трех колец, белого, желтого и розового золота. Удивительный вкус, ясность композиционного решения, гармоничное сочетание форм и декора, четкость силуэта делают изделия Cartier всегда узнаваемыми и желанными на мировом рынке.

Ярким представителем итальянского необарокко среди других ювелирных фирм выступает фирма «Gianmaria Donini». Произведения этой фирмы существуют в древнеримском стиле, этрусском др., но более всего по духу они отвечают стилю позднего итальянского барокко с его пышностью и прихотливостью форм, разнообразием приемов, материалов, богатством и тщательностью проработки деталей. По сути, украшения Donini

это своеобразные скульптурные миниатюры с использованием драгоценных камней, натуральных материалов редких по красоте. Все его украшения ручной работы - что, кстати, также относится к модной тенденции в ювелирном дизайне. Как сказал другой известный итальянский ювелир О. Оrlandini; «Ювелирные украшения должны делаться руками, иначе в них не будет души». Душа в ювелирных украшениях Donini с избытком, недаром его работы вошли в словарь итальянского ювелирного искусства XIX-XX вв.

Работы ювелира Неnrу Dunау стоят несколько особняком в ювелирном мире. Он также вдохновляется миром древних культур, Востоком. Его работам также можно дать название скульптурных миниатюр, но в гораздо более прямом значении этого слова. От ювелирных украшений, выполненных в азиатском стиле с богатым использованием резь-бы (таковы, например, подвески из золота с резным жадитом, рубинами и бриллиантами), он обращается к украшениям, в которых искусно сочетает фактуру бриллиантов, золота с камеей по агату, воспроизводя античный мотив - брошь «Цезарь», и переходит к прямой ювелирной пластике.

Эти произведения носят соответствующие названия: композиция «Северный полюс», композиция «Сфинкс» - дань Древнему Египту. В композиции «Сфинкс» изобретательно сочетается фактурное матовое золото тела сфинкса, решенного предельно обобщенно, с берилловой мордой и грудью и с крупнофактурным основанием из корнелиана на золоте.

Эта тенденция возрождения ювелирной пластики в той или иной манере, стиле, думается, будет еще набирать силу.

В ювелирном этнодизайне в последнее время сформировалось направление, в котором обращение к национальным культурам осуществляется через использование художественных форм и приемов, стилевых черт, присущих другим видам прикладных искусств, в частности искусству костюма.

Плодотворно работают в этом направлении ювелирные фирмы «Van Cleef and Arpels», «Stefan Hafner» и др.

В коллекции «Decolette» ювелирам фирмы «Van Cleef and Arpels» удалось воссоздать и лаконичными средствами передать атмосферу Эдвардианской эпохи, добиться об-разности при всей условности языка ювелирного искусства. Коллекцию, состоящую из колье и кольца-банта из белого золота с бриллиантами, отличает в высшей степени элегантность и своеобразная эффектность.

Дизайн фирмы «Van Cleef and Arpels» давно зарекомендовал себя в мировом ювелирном искусстве как новаторский, сочетающий в своих украшениях смелые дизайнерские находки с технологическими достижениями. Коллекция «Broderie» той же фирмы (колье, серьги, браслет и кольца из белого золота с сапфирами и цаворитами) - представляет ретро-стилизацию под вышивку, но в отличие от сдержанной элегантности коллекции «Органди» эта коллекция пронизана совсем другим мироощущением, по-язычески жизнерадостна, динамична. Асимметричное построение композиции, сочетание белого золота с яркими цветными камнями создает ощущение праздничности, веселья.

Ювелирный Дом «Stefan Hafner» так же создающий свои украшения на основе стилизаций под аксессуары одежды прошлых веков, привносит в направление воздух, пустое пространство, «air - conditionedjewelry». Его коллекции буквально пронизаны воздухом, который участвует в формообразовании украшений наравне с другими элементами ювелирных композиций.

Очень эффектно выглядит колье из белого золота с белыми и черными бриллиантами «Макраме». Прихотливо рассыпанные по колье белые бриллианты, то кучкующиеся, то разбегающиеся, образуют свободные пространства между собой, какбы создавая зоны тяготения, не дающие слипнуться в одно целое этот организованный «хаос» бриллиантов. Сдерживающим и организующим началом в этой ювелирной композиции является пересекающиеся линии Раvе с черными бриллиантами, выполняющими роль основы.

В небольшой статье невозможно охватить все многообразие стилевых направлений, школ, манер, участвующих в формировании современного ювелирного этнодизайна. Национальная принадлежность в ювелирном дизайне фигурирует в десятках вариантов - в передаче национального характера, народного духа, образов родной природы и привычного сочетания цветов, использования региональных технологий, предпочтения тех или иных материалов, техник и т.д.

Главное, что перед современным ювелирным искусством стоит художественная задача создания емкого символа художественно отображающего современную жизнь, и для решения этой задачи с успехом могут применяться как отдельные художественные средства национального искусства, так и национальные народные искусства в целом. Национальное наследие каждого народа входит в систему интернациональной культуры человечества, и собирание мировой интернациональной сокровищницы высочайших достижений творческого духа человека происходит через национальное.

.2 Ювелирные техники

С приходом к власти Михаила Романова, работа кремлевских мастеров быстро наладилась, а во второй половине 18 века наступил рассвет ювелирного искусства России. Кремлевские мастерские представляли собой своеобразную русскую академию художеств, в которой работали талантливые мастера разных специальностей, приехавшие в столицу из многих городов Русского государства.

Кремлевские ювелиры и ремесленники были людьми привилегированными и богатыми, однако условия труда мастеров золотого и серебряного дела были очень тяжелыми. Им приходилось много работать, а жалованье их было от 8 до 20 рублей в год, лишь некоторые получали до 40 рублей. Такой заработок считался очень низким, его не хватало даже на самое необходимое. Но даже в таких тяжелых условиях русские ювелиры создавали вещи, которые и сейчас поражают своим уровнем исполнения и красотой.

Рисунок 9. Шапка, укаршенная драгоценными камнями

В эпоху, когда Киев был столицей Древнерусского государства, восточные славянки любили украшать себя множеством драгоценностей (рисунок 9). Наиболее предпочитаемыми украшениями были литые серебряные перстни с орнаментом, витые браслеты из серебряной проволоки, стеклянные браслеты, а также бусы. Они были самые разнообразные: из цветного стекла, горного хрусталя, сердоликов и рубинов, крупных полых бусин из литого золота. К ним привешивались круглые или лунообразные бронзовые подвески (лунницы), украшенные тонким орнаментом: мифическими зверями в скандинавском стиле, сложными плетёными конструкциями, очень напоминающими изображения на арабских дирхемах - монетах, которые в те времена имели хождение как на Руси, так и в Европе.

Но самыми популярными украшениями были височные кольца. Литые серебряные височные кольца вплетались в женскую причёску у висков или подвешивались к головным уборам, их носили по одной или по нескольку пар сразу. У каждого восточнославянского племени, вошедшего в состав Киевской Руси, был свой особый тип височных колец, непохожий на такие же украшения соседей. Женщины племени северян носили изящную разновидность колец, напоминающую завиток или сплющенную спираль. Радимичам больше нравились височные кольца, у которых от дужки расходилось семь лучей, заканчивавшихся каплевидными утолщениями. На височных кольцах вятичей, которые были одними из самых декоративных, вместо лучей было по семь плоских лопастей. Горожанки XI-XIII веков больше всего любили колты - парные полые золотые и серебряные подвески, которые крепились цепочками или лентами к головному убору.

Многие дошедшие до наших дней колты отличаются удивительным совершенством формы. В 1876 году близ деревни Терехово Орловской губернии в богатом кладе было обнаружено несколько пар колтов XII - начала XIII веков. Они представляют собой массивные пятилучевые звёзды, густо покрытые тысячами напаянных мельчайших шариков металла. Подобная ювелирная техника именуется зернью; она пришла из Скан-динавии и была широко распространена в Древней Руси. Наряду с зернью использовалась и скань - тончайшая серебряная или золотая проволочка, скрученная жгутами, напаивалась на пластины или свивалась в ажурные узоры. В 1887 году на территории древнего Михайловского Златоверхого монастыря был найден другой клад ювелирных украшений XI-XII веков, в том числе пара золотых колтов. Колты были украшены речным жемчугом и изображениями фантастических птиц с женскими головами. Цвета изображений не потеряли яркости, а их сочетание на редкость изысканно: белый, бирюзовый, тёмно-синий и ярко-красный. Между тем создавший это великолепие мастер умер около восьми столетий назад. Михайловские колты выполнены в виртуозной ювелирной технике перегородчатой эмали, которая была перенята у византийцев. Это забытое искусство требовало терпения и поразительной точности в работе. На поверхность золотого украшения ювелир напаивал на ребро тончайшие золотые ленточки-перегородки, составлявшие контур будущего рисунка. Затем ячейки между ними заполняли порошками эмали разных цветов и нагревали до высокой температуры. При этом получалась яркая и очень прочная стекловидная масса. Изделия, выполненные в технике перегородчатой эмали, были очень дорогие, поэтому не случайно большинство сохранившихся до наших дней произведений являются деталями богатого княжеского убора.

Другой излюбленной техникой древнерусских ювелиров было чернение, которое, по мнению некоторых учёных, являлось хазарским наследием. «Чернь» представляла собой сложный сплав олова, меди, серебра, серы и других составных частей. Нанесённая на серебряную поверхность, «чернь» создавала фон для выпуклого изображения. Особенно часто чернение использовали при украшении створчатых браслетов-наручей. Несколько десятков таких браслетов XII века хранится в Государственном Историческом музее в Москве. На них нетрудно различить фигуры музыкантов, танцовщиц, воинов, орлов и мифических чудовищ. Сюжет рисунков далёк от христианских представлений и ближе к язычеству. Ювелиры применяли эмаль или «чернь» для изображения как Христа, Богородицы, святых, так и грифонов, собакоголовых чудищ, кентавров и языческих празднеств.

Были как чисто христианские, так и чисто языческие украшения, которые являлись предметами религиозных культов. Сохранилось множество нагрудных крестов-энколпионов, состоящих из двух створок, между которыми помещались частички мощей святых. На створках обычно бывало литое, резное или чернёное изображение Богоматери с Младенцем. Не менее часто археологи находят языческие амулеты - предметы, оберегавшие от болезней, бед и колдовства. Многие из них представляют собой литые фигурки конских голов, к которым цепочками крепятся «бубенчики», выполненные в форме зверей, птиц, ложек, ножей и ухватов. Своим звоном бубенчики должны были отгонять нечистую силу.

Некоторые памятники древнерусского ювелирного искусства, появившиеся до татаро-монгольского нашествия, получили огромную известность. Более всего знаменита «Черниговская гривна», или «гривна Владимира Мономаха» (рисунок 10).

Рисунок 10. Золотой медальон «Черниговская гривна»

Это чеканный золотой медальон XI века, так называемый «змеевик», на одной стороне которого изображена женская голова в клубке из восьми змей, символизирующая дьявола, языческое божество или злое начало вообще. Против болезни направлена молитва на греческом языке. На другой стороне - архангел Михаил, призванный оборонять владельца гривны от дьявольских козней. Надпись, сделанная славянскими буквами, гласит: «Господи, помоги рабу своему Василию». Это был настоящий христианский амулет против нечистой силы. Сюжет и сама техника исполнения гривен-змеевиков заимствованы из Византии; до нашествия татаро-монгол, украшения подобного рода не были редкостью. «Черниговская гривна» выполнена необычайно искусно и должна была принадлежать богатой, знатной персоне скорее всего княжеского происхождения. Стоимость этой драгоценности равняется величине княжеской дани со среднего города. Медальон нашли в 1821 году недалеко от города Чернигова, который в древности был столицей княжества.

Надпись, указывающая на личность владельца - Василий, - подсказала историкам, что гривна принадлежала Владимиру Мономаху (1053-1125), которому при крещении было дано имя Василий. Этот известнейший древнерусский полководец и политический деятель некоторое время княжил в Чернигове. Он оставил «Поучение» детям, написанное в форме воспоминаний. В этом сочинении князь писал, что одним из любимых его занятий была охота. Выходя на неё, Владимир Мономах не боялся кабаньих клыков и копыт лося. Охотясь невдалеке от Чернигова, он обронил драгоценную гривну, донёсшую до потомков работу искусных киевских мастеров.

.3 Гравировка

Гравиро́вка (гравирование) (нем. gravieren, фр. graver - вырезать на чём-либо) - нанесение рисунка, надписи, орнамента, ручным или механическим способом на поверхности металла, камня, дерева, стекла. Один из древнейших способов обработки материала резанием. При этом рисунок может быть выпуклым (рельефным) или углублённым.

В качестве резца используют: штихель, бор (фреза), пуансон (инструмент, напоминающий по форме гвоздь, используется при гравировании пунктирной линией из точек различной величины и глубины).

В некоторых случаях используется лазер. Лазерная гравировка позволяет добиться чёткого нанесения на материал букв или рисунка, делать острые углы, наносить рисунки различной плотности.

На металле и стекле применяется травление кислотами.

Наиболее характерным примером гравировки являются нанесение надписи на предметах, таких как карманные часы, оружие, браслеты, зажигалки. Применяется в ювелирном деле.

Следует строго разделять использование гравирования как промежуточного технологического процесса - в печатной графике, и собственно - гравировку (где также именуется сам процесс, в отличие от вышеназванного, гравировкой работа на печатной форме профессионалами никогда не называется - обычно говорится: «нарезать гравюру»), которая сама по себе считается законченным произведением или элементом, деталью такового, с завершением работы гравёра, резчика.

Тем не менее, следует признать, что элементы техники, как и значительная часть инструментов, пришли в гравюру именно из ювелирного искусства, из методики обработки металла, резьбы по дереву - из гравировки, издревле применявшейся при изготовлении накладных украшений оружия, или непосредственно - на самих мечах, алебардах, доспехах и т.д., - в украшениях ювелирных самих по себе. Коренное различие кроется в понимании задач: в гравюре, как в станковом виде изобразительного искусства - обусловленных потребностью получения качественного, выразительного оттиска, - по замышляемым художником пластическим характеристикам, а в прикладном искусстве - характеристиками этими должно обладать само изделие.

История гравировки по металлу насчитывает не одно тысячелетие. Широко известны бронзовые изделия с искусной гравировкой, выполненной кавказскими художниками-граверами еще в начале первого тысячелетия до новой эры. В основном это оружие - боевые топоры и кинжалы, украшенные гравированными орнаментами и изображениями животных.

Мастера древнего Новгорода, Киева, Пскова, Москвы и других городов оставили нам прекрасные образцы гравировки на различных металлах. Неповторимым своеобразием отличались медные павловские замки для ларцов и шкатулок. Замки изготовляли в виде забавных фигурок львов, русалок, журавлей, всадников и скоморохов, украшенных резцовой гравировкой.

Существуют две основные техники резцовой гравировки - штриховая гравировка и обронная резьба. - В штриховой гравировке на поверхность металла наносят порезки в виде контурных линий и штрихов. Обронная резьба представляет собой рельеф с выбранным углубленным фоном и объемной обработкой изобразительных элементов.

Резцовую гравировку выполняют вручную металлографическими резцами, так называемыми штихелями. Их можно приобрести в художественных салонах. Если вам не удасться лупить-готовые штихели, загляните в этой же книжке в главу «Резьба по кости» - там рассказано, как сделать три основных штихеля. В дополнение к ним можно сделать еще два - мессерштихель и репштихель. Они показаны на рисунке. Мессерштихель дает возможность делать тончайшие порезки, а репштихелем можно проводить одновременно несколько параллельных линий.

Очень важно для успешной работы правильно затачивать резцы. Вначале их затачивают на мелкозернистом бруске, смоченном водой или - маслом. Окончательную доводку делают на оселке или на куске кожаного ремня, покрытого слоем окиси хрома (пасты ГОИ).

Каждый штихель затачивают под определенным углом, который прежде всего зависит от твердости гравируемого металла. Для гравировки алюминия и латуни резец затачивают под углом 30-45°, а для стали и твердых металлов - под углом 60°.

Для гравировки мелких изделий нужно изготовить гравировальную подушку. Из толстого брезента или кожи вырежьте два круга диаметром около 200 мм. Затем, отступив от края на 5 мм, сшейте круги, но не до конца. Вывернув наизнанку полученный мешок, снова прошейте вдоль края, оставив небольшое отверстие для засыпки песка. Речной песок промойте и просушите. Засыпать его в подушку можно с помощью воронки или бумажного конуса. Туго набейте подушки и тщательно зашейте отверстие.

Заготовки из кожи перед сшиванием размачивают в теплой воде. При засыпке песка увлажненная кожа растянется, а после высыхания сожмется. Таким образом подушка станет тугой, но вместе с тем сохранит необходимую упругость и эластичность.

Гравируемое изделие укладывают на подушку и, придерживая левой рукой, поворачивают в процессе гравирования под нужным углом. Если же изделие мелкое, то его предварительно укрепляют на деревянной колодке. Колодка изготовляется в зависимости от формы гравируемой детали или изделия. На ее по-иерхность наплавляют слой вара или сургуча толщиной около 5 мм. Затем подогревают металлическую деталь до 100 - 120° и вдавливают в слой мастики. После затвердевания мастики деталь прочно закрепляется на колодке. Такие изделия, как браслеты, кольца и перстни, перед гравированием насаживают без мастики на цилиндрические колодки, имеющие небольшую конусность, и которые удобно держать в руках.

Прежде чем приступить к гравировке, научитесь правильно держать резец в руке. Металлическую часть резца называют клинком. Указательный палец должен находиться сверху у кончика клинка, как показано на рисунке. Большой палец поддерживает клинок сбоку. Мизинец, средний и безымянный пальцы прижимают ручку резца к ладони. При насадке клинка надо проследить, чтобы кончик его выступал из-под указательного пальца не больше чем на 5-7 мм. Левой рукой изделие прижимают к подушке, а большой палец правой руки упирается в изделие, корректируя подачу резца. Указательным пальцем корректируют глубину порезки. Резец во всех случаях во время гравирования должен быть направлен только от себя. Гравируя всевозможные кривые линии, изделие поворачивают навстречу резцу, не меняя направление резца в руке.

Чтобы проверить технические возможности изготойленного нами резца, полезно проделать несколько упражнений на отдельных пластинках из стали, меди или латуни. Во время тренировки нетрудно будет установить, что резцы с квадратными сечениями удобнее для гравировки плавных закругленных линий. Резцы с круглым или овальным сечением подходят для проведения более широких прямых линий.

Следует обратить особое внимание на положение кончика резца на поверхности металла. Если острие резца слишком опущено и имеет очень острый угол заточки, резец во время работы будет постоянно зарываться в металл и может сломаться. При слишком поднятом острие, плохой заточке и слишком тупом угле, превышающем 45°, резец будет соскакивать с изделия.

Возникающие при этом глубокие царапины, так называемые «зайцы», могут непоправимо испортить гравируемую поверхность. Чтобы устранить все эти недостатки, нужно для каждого резца определить путем проб оптимальный угол заточки - он во многом зависит от сечения резца и качества стали, из которой резец изготовлен.

Снимая стружку, перемещайте резец без особого напряжения. При гравировке вязкого металла на поверхности его неизбежно появляются заусенцы, которые снимают шабером. Шабер легко изготовить из трехгранного или четырехгранного напильника или надфиля, сточив с их граней насечку.

Наносить гравировку можно на изделия из меди, бронзы и мягкой стали. Предназначенную для гравировки поверхность металла зачищают мелкозернистой наждачной бумагой и полируют полировочной пастой. Полировочную пасту можно заменить масляной краской - окисью хрома, энергично растирая ее на металле кожаным тампоном или куском толстой кожи.

Рисунок наносят карандашом, стеклографом или тушью и закрепляют его с помощью быстросохнущего лака. Иногда вспомогательный рисунок процарапывают стальной иглой, а чтобы он был более четким, втирают в процарапанные линии масляную краску.

Есть еще способ нанесения рисунка: металл покрывают слоем кислотоупорного лака, затем на лаке процарапывают рисунок и все изделие слегка протравливают слабым раствором кислоты.

Во время гравирования стружку с изделия нужно сметать широкой кистью в коробочку, чтобы не засорять рабочее место.

При желании гравированные изделия можно полностью или частично окрашивать в различные цвета. О том, как окрашивают металлы, можно прочитать на с. 162-163. Участки металла, не предназначенные для окраски, покрывают плотным слоем лака. Например, если решено фон орнамента сделать темным, то покрывают лаком все элементы орнамента, за исключением фона. После окраски в специальном составе фон потемнеет, а орнамент останется светлым. А можно, наоборот, покрыть лаком фон, тогда темным будет орнамент или какое-либо другое изображение. После окраски изделия лак удаляют растворителем (рисунок 11).

Рисунок 11. Оружейная гравировка

Интересный декоративный эффект, можно достигнуть гравированием по темному фону. В этих случаях пластину или металлическое изделие окрашивают (патинируют), а затем гравируют.

6. Экономическая часть

Уровень себестоимости продукции определяется затратами. Классификация затрат имеет следующий вид:

) К основным затратам относится себестоимость всех затраченных материалов, входящих в состав создаваемой продукции.

) Вспомогательные материалы включают стоимость материалов вспомогательного назначения, используемых в процессе обработки изделий (стоимость запчастей для ремонта, оборудование, сумма возмещения взноса, инструментов и средств малых механизации, стоимость материала на хозяйственные нужды).

) Топливо и энергия рассчитываются на все виды энергии, используемой при изготовлении изделий.

. Затраты по заработной плате работникам отражают затраты живого труда на производстве продукции.

Для создания ювелирных украшений при подготовке к дипломному проекту были необходимы следующие материалы (таблица 1):

Таблица 1 - Основные материалы

Заключение

декоративный прикладной искусство изобразительный

Казахские национальные украшения несли в себе не только декоративную функцию, но и защитную. Излюбленным материалом для украшений казашек всегда считалось серебро, которое обладает очистительным, оберегающим и магическим свойством.

Национальные ювелирные украшения казахов сегодня - это все те же натуральные камни в оформлении благородных металлов. Ювелирное искусство занимает особое место в истории казахской национальной культуры. Именно в нем наиболее полно и ярко отражаются идеалы народа, его вкусы, уровень его художественных и материальных ценностей. Ведь в отличие от произведений других художественных промыслов - резьбы по кости и дереву, производства кожаных и гончарных изделий - большинство из которых не сохранилось от прошедших времен, «вечные материалы» ювелирного искусства: бронза, серебро, золото оказались способными противостоять разрушительному действию времени и дают возможность проследить почти непрерывную линию развития народного искусства с древнейших времен до наших дней.

Я поставила перед собой цель и достигла ее, выполнив свою работу. Занимаясь этим делом, я с каждым разом подчеркиваю для себя что-то новое и интересное в этой технологии. Ведь такой вид искусства как декоративно прикладное искусство пришло к нам еще с древних времен и имеет очень богатую и насыщенную историю.

Предоставленная мне возможность выполнить работу в такой технике все время вдохновляла меня. Я с огромным удовольствием работала в данной технике.

Благодаря дипломной работе была ознакомлена с основами бедующей профессиональной деятельности. Определять уровень собственной подготовки к предстоящей работе. Однако во время дипломной работы не только приобретаешь новые практические знания, но и согласно призванию практики, учишься осуществлять самостоятельный анализ, исследовать деятельность производственного объекта, выявлять проблемы и перспективы дальнейшего функционирования.

Предлагать собственные рационализаторские предложения по совершенствованию деятельности. Ознакомилась с правилами и стандартами выполнения дипломных работ, с современными методами их выполнения и копирования, с порядком согласования и утверждения на всех стадиях проектирования.

Работа с ювелирными изделиями содержит в себе много интересного.

Пусть человек превосходит свои ожидания и реализует свои идеи.

Список использованной литературы

1.   Артомонов М.И. Сокровища саков. М.: Искусство, 1973

2.      Авижанская С.А., Бикбулатов Н.В., Кузеев Р.Г. Декоративно-прикладное искусство башкир.

.        Агапов П., Кадырбаев М. Сокровище древнего Казахстана. Алма-Ата: Жалын, 1979.

.        Алексеев С.С. О цвете и красках. - М.: Искусство, 1964. - 53 с.: ил.

.        Беда Г.В. Основы изобразительной грамоты. - М., 1989.

.        Борозна Н.Г. Виды женских украшений народов Средней Азии и Казахстана.

.        Волков Н.Н. Цвет в живописи. - М.: Искусство, 1965. - 216 с.: ил.

.        Готье м. Букеты. - М.: Интербукбизнес, 1997.

.        Голубов В.Н. Пигменты и краски в живописи: Уч. пособие. - М., 1989.

.        Дворкина И.А.М.: Радуга, 2000.

.        Давыдова Ю Ростов-на-Дону: Феникс, 2005.

.        Дуайт Д. Основы китайской живописи. Энциклопедия. - М.: АРТ - РОДНИК, 2007.

.        Задворская Т.Д. Аранжировка цветов. - М.: Изд-во Элис Лак, 1994

.        Карачев А.А. Метод проектов и развитие творчества учащихся Школа и производство. - 1997 г., №2, с. 10-11.

.        Лившиц Виктор. Справочник мастера. Ювелирные изделия своими руками. - Оникс 21 век.

.        Моргадес К. Роспись по стене. - М.: АРТ - РОДНИК, 2008.

.        Менди Саутен. / Руководство для начинающих. - Ростов: Феникс, 2005.

.        Пухол-Ксикой Р., Касале Х.Х. Трафаретная роспись: Техника. Приемы. Изделия. - М.: АСТ-ПРЕСС КНИГА, 2003.

.        Постнова М.В. Гильоширование. Искусство выжигания по ткани.

.        Сузи Стоку. Батик. Практическое руководство. - М.: Ниола 21 век.

.        Синеглазова О.М. - М.: Издательский Дом МСП, 2006.

.        Синеглазова М.О. - М.: МПС, 2004.

.        Цвет в изобразительном искусстве. - Мн.: Беларусь, 2002. - 151 с.: ил.