История музыки

История музыки

Билет 1

1.Стилевые течения в западноевропейской музыке на рубеже XIX-XX веков

1)Экспрессионизм

2)Венская классическая школа ( классицизм)

)Неоклассицизм

)Романтизм

2.Фортепианные произведения Дебюсси

Бергамасская сюита (1890),

Эстампы (1903),

Остров радости (1904),

Маски (1904),

Образы (1-я серия - 1905, 2-я - 1907),

сюита Детский уголок (1908),

прелюдии (1-я тетрадь - 1910, 2-я - 1913),

этюды (1915)

3.Седьмая симфония ор. 60 «Ленинградская» до мажор одно из важнейших произведений Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. Создана композитором в 1941 году. Первые три части написаны им в доме Бенуа в Ленинграде (закончены в августе 1941 года, а с 8 сентября началась блокада Ленинграда). Финал симфонии, завершенный в декабре 1941 года, композитор создал уже в Куйбышеве, где на сцене Театра оперы и балета она и была впервые исполнена 5 марта 1942 года оркестром Большого театра Союза СССР под управлением С. А. Самосуда. Московская премьера (дирижёр С. А. Самосуд) состоялась 29 марта 1942 года. 9 августа 1942 года произведение прозвучало в блокадном Ленинграде.

4.Дирижёром оркестра Ленинградского радиокомитета был Карл Ильич Элиасберг. Исполнял симфонию Большой симфонический Оркестр Ленинградского радиокомитета. В дни блокады множество музыкантов умерли от голода. Репетиции были свернуты в декабре. Когда в марте они возобновились, играть могли лишь 15 ослабевших музыкантов. Несмотря на это, концерты начались уже в апреле. В мае самолёт доставил в осажденный город партитуру симфонии. Для восполнения численности оркестра, недостающие музыканты были присланы с фронта. Исполнению придавалось исключительное значение. Несмотря на бомбежку и авиаудары в филармонии были зажжены все люстры. Зал филармонии был полон. Публика была самой разнообразной. На концерт пришли моряки, вооруженные пехотинцы, одетые в фуфайки бойцы ПВО, исхудавшие завсегдатаи филармонии. Исполнение симфонии длилось 80 минут. Всё это время орудия врага безмолвствовали: артиллеристы, защищавшие город, получили приказ - во что бы то ни стало подавлять огонь немецких орудий. Новое произведение Шостаковича потрясло слушателей: многие из них плакали, не скрывая слёз. Великая музыка сумела выразить то, что объединяло людей в то трудное время: веру в победу, жертвенность, безграничную любовь к своему городу и стране. Во время исполнения симфония транслировалась по радио, а также по громкоговорителям городской сети. Её слышали не только жители города, но и осаждавшие Ленинград немецкие войска. На музыку 1-й части симфонии был поставлен балет «Ленинградская симфония», получивший широкую известность.

Билет 2

.Экспрессионизм (от лат. «выражение») - течение в европейском искусстве, получившее развитие примерно в начале 1905-1920 годов, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку. Экспрессионизм является одним из самых влиятельных художественных движений XX века, сформировался на немецких и австрийских землях. Экспрессионизм возник как реакция на острейший кризис первой четверти XX века, Первую мировую войну и последующие революционные движения, уродства современной буржуазной цивилизации, что вылилось в стремление к субъективному восприятию действительности и в стремление к иррациональности. Изначально он появился в изобразительном искусстве (группа «Мост» в 1905 году, «Синий всадник» в 1912), однако обрел свое имя лишь по названию группы художников, которые представлялись на выставке Берлинского сецессиона. В это время понятие распространилось и на литературу, кино и смежные области, везде, где идея эмоционального воздействия, аффектации была поставлена в противовес натурализму и эстетизму. На становление экспрессионизма оказало влияние творчество Энсора Джеймса. Социальный пафос отличает экспрессионизм от авангардистских параллельно развивающихся движений, таких как кубизм и сюрреализм. Подчеркивалась субъективность творческого акта. Были использованы мотивы боли, крика, так что принцип выражения стал преобладать над изображением. Экспрессионизм в музыке получил наиболее радикальное выражение у композиторов нововенской школы: прежде всего у ее основоположника - Арнольда Шёнберга и у его учеников - Альбана Берга и Антона Веберна. Резкая оппозиция отмиравшему романтизму и утонченным эстетским школам начала XX века сближала эту группу с конструктивизмом молодого Пауля Хиндемита, с кубистскими опытами Стравинского и композиторов французской шестерки - Л. Дюрея, Д. Мийо, А. Онеггера, Ж. Орика, Ф. Пуленка, Ж. Тайфер. Но Шёнберг и его школа заняли особое место в западной музыке, составив самую экстремистскую ее ветвь. Мотивы беспокойства за судьбы мира, неприятие зла и бесчеловечности парадоксально соединялись в их искусстве с элитарной замкнутостью, сознательной изоляцией от широкой аудитории. В 10-20-е годы прошлого века были созданы важнейшие образцы музыкального экспрессионизма: музыкальные драмы «Ожидание», «Счастливая рука», Пять пьес для оркестра и вокальный цикл «Лунный Пьеро» Шёнберга, а также «Симфония» ор.21 Веберна. Ученик Шёнберга Альбан Берг известен главным образом оперой «Воццек», отмеченной духом социального критицизма. Это произведение - одно из высших достижений музыкального экспрессионизма. Среди композиторов других стран наиболее яркими представителями направления являются Рихард Штраус (опера «Электра») и Бела Барток (опера «Замок герцога Синяя Борода», «Музыка для струнных, перкуссии и челесты»). Истоки экспрессионизма в музыке: опера Вагнера «Тристан и Изольда», поздние симфонии Малера, опера «Саломея» и симфонические поэмы Рихарда Штрауса. Из всех направлений нового искусства 20 в. экспрессионизм острее всего выразил конфликт человека с реальностью. В одних случаях он вел к обостренному выражению трагического, в других - к художественной утопии, которая казалась спасением духовных ценностей. Этот конфликт вел к радикальности художественных решений, к взрыву традиций. Реформа А. Шёнберга явилась для тех лет наиболее радикальной. Стиль, складывавшийся в русле нововенской школы, - жестко-экспрессивный, аскетичный, абстрагированный от всего «слишком человеческого». Тенденции: - конфликт с миром, бунт и бессилие, беспросветность; сострадание к человеку, к человечеству и вместе с тем крайний эгоцентризм; - безудержная эмоциональность; - абстракционизм. В русле экспрессионизма возникла идея духовности искусства, высшая чистота которого требует полного освобождения от мира чувственно-конкретного. В музыке хотели видеть идеальный пример художественной абстракции, игры «чистых форм», которые говорят о духовном, не снисходя до реального. Путь музыки к духовности был понят как процесс вытеснения всех средств лирической выразительности. В музыке Шёнберга стихия чувства еще оказывает мощное давление на воздвигнутую перед ней «плотину»: возникает противоречие между эмпиризмом перевозбужденных, хаотически разорванных состояний и жестко рациональной системой их обуздания. Две конфликтующие силы находятся в состоянии неустойчивого равновесия. Тогда как в музыке А. Веберна полностью воплотился идеал духовности без чувств (ср. с абстрактной живописью). Центральный момент реформы Шёнберга - ликвидация тональной основы музыки и замена ее специально сконструированной техникой додекафонии. Новая техника должна была воздвигнуть преграду для «романтической красоты чувства»; теперь всё душевное и прекрасное воспринималось как тривиальное, нетерпимо благодушное и потому ложное, эгоистически отгораживающее себя от кошмара и абсурда реальной жизни. В экспрессионизме эта позиция привела к вытеснению из искусства естественно человеческого. Новый метод полностью ликвидировал принцип централизации звуковысотных элементов музыки, заменив их условной «интервальной» организацией музыкальной ткани. В новой манере были написаны преимущественно камерные пьесы. Школа Шёнберга отходит от крупных симфонических форм, ясно ощущая, что атональность препятствует конструированию монументальных полотен. К концу 20-х годов остродиссонансная сфера серийно-атональной музыки трактуется Бергом и Шёнбергом уже как средство воплощения бесчеловечных сил, угрожающих миру (оперы «Лулу» Берга и «Моисей и Аарон» Шёнберга). Как сигнал мирового неблагополучия, как «крик в ночи», мешающий привычному наслаждению искусством, экспрессионизм был актуален, неразрывно связан с историческими событиями.

.«Песнь о земле»Густава Маллера симфония-кантата Густава Малера для двух солистов и оркестра (1909). Симфония не обозначена номером, поскольку сочинена после Восьмой симфонии и должна была стать девятой - это номер оказался роковым для Бетховена и Брукнера. Впрочем, после завершения «Песни о земле» Малер всё же сочиняет Девятую симфонию, ставшую его последним завершённым произведением. Симфония написана на стихи Ли Бо и других средневековых китайских поэтов в переводе Ханса Бетге («Китайская флейта», 1907). По форме симфония близка к вокальному циклу. Из шести частей произведения лишь последняя обладает относительной протяжённостью. Необычная форма симфонии «Песнь о земле» оказала влияние на некоторых композиторов XX века - авторов многочастных симфоний, по форме также напоминающих вокальные циклы. Среди них - Дмитрий Шостакович (Симфония № 13 на стихи Е. Евтушенко; Симфония № 14 на стихи Р. М. Рильке, Г. Аполлинера, В. Кюхельбекера, Ф. Г. Лорки), Кшиштоф Пендерецкий (Симфония № 8 на стихи И. В. Гёте, А. фон Арнима, Й. Эйхендорфа, Р. М. Рильке, К. Крауса, Г. Гессе).

.«Ромео и Джульетта» - Прокофьев - балет в 3 актах 13 картинах с прологом и эпилогом Сергея Прокофьева. Либретто Адриана Пиотровского, Сергей Прокофьева и Сергея Радлова по одноимённой трагедии Уильяма Шекспира. Премьера балета состоялась в 1938 г. в Брно (Чехословакия). Широкую известность, однако, получила редакция балета, которая была представлена в Кировском театре в Ленинграде в 1940 г. «Ромео и Джульетта» Прокофьева - один из самых популярных балетов двадцатого столетия. В сотрудничестве с режиссёром Сергеем Радловым и драматургом Адрианом Пиотровским, Прокофьев создал драматическую основу балета и сочинил к нему музыку в 1935 г. Они написали сценарий в четыре акта со счастливым концом, который резко отличался от финала знаменитой шекспировской трагедии. Эта редакция балета, однако, так и не дошла до постановки. В начале 1936 г. «Правда» осудила два произведения Дмитрия Шостаковича в статьях «Сумбур вместо музыки» и «Балетная фальшь». Эти статьи испугали композиторов и изменили творческую атмосферу в сталинском Советском Союзе. Прокофьев и его соавторы изменили сценарий и ввели традиционный трагический конец. Премьера состоялась только через несколько лет. Изначальный договор с Кировским театром выполнен не был, и заказ на балет перешёл к Большому театру, который тоже отменил постановку после кампании 1936 г. В конце концов премьера состоялась за границей в декабре 1938 г., в Брно в отсутствие композитора. Балетмейстер Леонид Лавровский поставил советскую премьеру в январе 1940 г.; спектакль был удостоен Сталинской премии. Несмотря на возражения Прокофьева, Лавровский значительно изменил партитуру балета.

Билет 3

1.Периодизация и основная проблематика отечественной музыки XX века

Переодизация:

)20 -е г. - время новаторства, новых исканий, творческих экспериментов

2)30 - е и 50-е - единые годы включающие в себя позорные послевоенные постановления. Характерен поворот в классике, годы в которые опера и симфония занимали ведущее место. В 30-е г.были написаны вершинные произведения: 5 симфония Шостаковича и его опера «Леди Макбет Мценского уезда», «Ромео и Джульетта»- Прокофьева

)«Хрущевская отепель» - поднятие железного занавеса - преодоление изоляции и сближение отечественного искусства с мировыми художественными явлениями и процессами.

Проблематика:

)«Железный занавес» - изоляция

2)Начиная с 30 - х г. - консервация традиций

)Эволюция музыкального языка и жанров не была определяющей для советской музыке вплоть до 60-х г.

)Избирательное отношение к классическому наследию

)Идеологический прессинг, вынуждавший художников исполнять «соц.заказ», превратившийся с конца 30-х в «соц.приказ»

2.Оперное творчество Рихарда Штрауса

В конце XIX века Штраус обращается к опере. Его первые опыты в этом жанре Гунтрам в 1894 году и Погасшие огни (Feuersnot) в 1901 году провалились. В 1905 году он создаёт Саломею (по пьесе Оскара Уайльда), которая была встречена столь же пылко и неоднозначно, как в свое время Дон Жуан. На премьере в Метрополитен Опера в Нью-Йорке протесты публики были столь громкими, что опера была снята после первого же представления. Без сомнения, эти протесты в значительной степени определялись выбором темы, но отчасти негативный прием был связан с использованием Штраусом диссонансов, которые редко можно было услышать в опере того времени. В других оперных театрах эта опера пользовалась успехом, что позволило Рихарду Штраусу построить свой дом в Гармиш-Партенкирхене исключительно за счет доходов от представлений этой оперы. Следующей оперой Штрауса была Электра, в которой Штраус еще интенсивнее использует диссонансы. С этой оперы начинается сотрудничество Штрауса с поэтом Гуго фон Гофмансталем. Их совместная работа над другими произведениями была долгой и плодотворной. Однако, в своих последующих операх Штраус более осторожен в использовании гармонического языка, поэтому такие сочинения, как Кавалер розы (1910) получают большой успех у публики. До 1940 года Штраус продолжает сочинять оперы с завидной регулярностью. Из-под его пера появляются Ариадна на Наксосе (1912), Женщина без тени (1918), Интермеццо (1923), Елена Египетская (1927) и Арабелла (1932), все в сотрудничестве с Гуго фон Гофмансталем; Молчаливая женщина (1934), либретто Стефана Цвейга; День мира (1936) и Дафна (1937) (либретто Йозефа Грегора и Цвейга); Любовь Данаи (1940) (в сотрудничестве с Грегором) и Каприччо (либретто Клеменса Крауса) (1941).

3.Симфонические произведения Равеля

Шехеразада, увертюра для оркестра (1898);

Олимпия, опера по новелле Гофмана «Песочный человек», наброски уничтожены, за исключением Симфонии часов, которая вошла в оперу Испанский час;

Павана на смерть инфанты для фортепиано (1899), для оркестра (1910);

Испанская рапсодия для оркестра (1907);

Дафнис и Хлоя, сюита № 1 для оркестра (1911);

Дафнис и Хлоя, сюита № 2 для оркестра (1912);

Вальс,хореографическая поэма для оркестра (1919-1920);

Болеро ,балет (1928), переложение для фортепиано в 4 руки (1929); Концерт для фортепиано (левой руки) с оркестром ре мажор (1929-1930);

Концерт для фортепиано с оркестром соль мажор (1929-1931)

Билет 4

1.Музыкальный импрессионизм (фр - впечатление) - музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века - начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Точкой отсчёта «импрессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опубликованы первые импрессионистические опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») - и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде, первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле «Послеполуденный отдых фавна». Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет, прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека. Достаточно только перечислить названия наиболее ярких произведений Дебюсси или Равеля, чтобы получить полное представление о воздействии на их творчество как зрительных образов, так и пейзажей художников-импрессионистов. Так, Дебюсси за первые десять лет пишет «Облака», «Эстампы».

По известному выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе.

Симфоническая сюита «Море от рассвета до полудня» достойным образом подытоживает пейзажные зарисовки Дебюсси. Несмотря на часто афишируемое личное неприятие термина «импрессионизм», Клод Дебюсси неоднократно высказывался как истинный художник-импрессионист.

Одно из произведений Сати - «Героический прелюд ко вратам неба».

Сильное влияние на творчество Дебюсси и Равеля оказало также и творчество самых ярких из представителей «Могучей кучки»: Мусоргского (в части музыкального языка и выразительных средств), а также Бородина и Римского-Корсакова (как в плане гармонических, так и оркестровых изысков).

Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало.

Развитие происходило под воздействием множества внешних влияний, в том числе: французского музыкального фольклора и новых для западной Европы конца XIX века систем музыкального построения, таких как русская музыка, григорианский хорал, церковная полифония раннего Возрождения, музыка стран Востока, негритянских спиричуэлс США и др.

В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма - это арфа и флейта.

2.Русский период творчества Стравинского «Жар-птица»; «Весна священная», «Петрушка»

Период творчества 1910-х годов обычно называют "русским" - Стравинский пробует сочетать элементы русского фольклора со средствами музыкального модернизма. Кроме вышеперечисленных балетов, наиболее соответствуют этой эстетике песенные циклы "Воспоминание о моём детстве", "Прибаутки", "Кошачьи колыбельные", "Подблюдные", а также сценическая "Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана", в которой впервые проявляется абстрактность и условность персонажей, характерная для многих театральных сочинений Стравинского (партии одного и того же персонажа исполняются разными певцами, а исполнитель балетной партии "комментирует" сюжет). В этом ряду особняком стоят "Три стихотворения из японской лирики" и опера на сюжет сказки Андерсена "Соловей" (1909-1914). Изучение джазовых тенденций в музыке повлекло за собой появление на свет "Регтайма" для 11 инструментов, а также "Историю солдата" (1918), произведения уникального своей жанровой принадлежностью - это и пантомима, и балет, и инструментальная сюита из современных танцев, в том числе танго.

Кульминацией "русского" периода стала "Свадебка", над которой автор работал с перерывами с 1914 по 1923 гг. Была поставлена 13 июня 1923 года в Париже, с хореографией Брониславы Нижинской и декорациями Натальи Гончаровой, дирижировал Эрнест Ансерме.

3.14 симфония Шостаковича

Симфония Дмитрия Шостаковича завершенная весной 1969 года и впервые исполненная в том же году. Это мрачная работа для сопрано, баса и малого струнного оркестра с ударными, состоящая из одиннадцати связанных поэм четырех авторов. Большинство стихов связаны с темой смерти, особенно несправедливой или преждевременной. Поэмы звучат по-русски, хотя две другие версии существуют с текстами переведенными с русского либо на их первоначальные языки, либо на немецкий язык. Симфония посвящена Бенджамену Бриттену (который организовал премьеру в Великобритании в следующем году). Четырнадцатая симфония была творческим ответом на произведение Модеста Мусоргского «Песни и пляски смерти». Цикл Мусоргского содержит только четыре песни. Шостакович для своего произведения выбрал 11 стихотворений: Гарсиа Лорки, Аполлинера, Кюхельбекера и Рильке. В вокальном цикле Мусоргского Шостакович видел способ выступить против смерти, и в его симфонии, он попытался расширить этот протест еще больше.

композитор симфонический фольклорный фортепианный

Билет 5

1.Творчество Густава Малера

июля 1860, Калиште, Чехия - 18 мая 1911, Вена - австрийский композитор и дирижёр. Один из крупнейших симфонистов XIX и XX веков и один из ведущих дирижеров своего поколения. Как композитор он сыграл роль моста между поздним австро-германским романтизмом XIX века и модернизмом начала XX века. При жизни был признан в первую очередь в качестве дирижера, настоящая популярность пришла к его произведениям спустя полвека после его смерти. Наследие Малера относительно невелико и почти полностью состоит из песен и симфоний. Малер был замечательным симфонистом, автором десяти симфоний (последняя, Десятая, осталась незаконченной автором). Все они занимают центральное место в мировом симфоническом репертуаре. Также широко известны его эпическая «Песнь о Земле», симфония с вокалом на слова средневековых китайских поэтов. Широко исполняются во всем мире малеровские «Песни странствующего подмастерья» и «Песни об умерших детях», а также цикл песен на основе народных мотивов «Волшебный рог мальчика». А. В. Оссовский был одним из первых критиков, давших высокую оценку произведениям Малера и приветствующим его выступления в России.

Музыковеды отмечают в жизни Малера три явно выраженных периода творчества:

длинный первый период, простирающийся от работы над «Печальной песнью» в 1878-1880 годах до окончания работы над сборником песен «Волшебный рог мальчика» в 1901 году.

более интенсивный «средний период», заканчивающийся с отъездом Малера в Нью-Йорк в 1907 году

краткий «поздний период» элегических работ до его смерти в 1911 г. Основные работы первого периода - это первые четыре симфонии, цикл «Песни странствующего подмастерья» и различные сборники песен, среди которых выделяется «Волшебный рог мальчика». В этот период песни и симфонии тесно связаны и симфонические произведения являются программными; к первым трем симфониям Малер первоначально опубликовал развернутые программы. Средний период состоит из триптиха чисто инструментальных симфонии (пятой, шестой и седьмой), песен на стихи Рюкерта и «Песен об умерших детях» . Особняком стоит хоральная Восьмая симфония, которую некоторые музыковеды рассматривают как самостоятельный этап между вторым и третьим периодами творчества композитора. К этому времени Малер уже отказался от явных программ и описательных названий, он хотел писать «абсолютную» музыку, которая говорила бы сама за себя. Песни этого периода потеряли большую часть своего фольклорного характера, и перестали использоваться в симфониях так явно, как раньше. Работы краткого заключительного периода - это «Песнь о земле», Девятая и (незаконченная) Десятая симфонии. Они выражают личные переживания Малера накануне смерти. Каждое из сочинений заканчивается тихо, показывая, что стремления уступают место смирению. Дерик Кук считает, что эти работы являются скорее любящими, чем горьким прощанием с жизнью;

Ни одна из этих последних работ не была исполнена при жизни Малера.

.Оперное творчество Прокофьева

«Маддалена», опера в одном действии 1913 (1911);

«Любовь к трём апельсинам», опера в 4 актах, 10 картинах 1919; «Огненный ангел», опера в 5 действиях, 7 картинах, 1919-27;

«Семён Котко», опера в 5 действиях, 7 картинах по повести В. Катаева «Я сын трудового народа 1939;

«Обручение в монастыре», лирико-комическая опера в 4 действиях, 9 картинах по пьесе Шеридана «Дуэнья1940;

«Война и мир», опера в 5 действиях, 13 картинах с хоровым эпиграфом-прологом по роману Л. Толстого1941-52;

«Повесть о настоящем человеке», опера в 4 действиях, 10 картинах по одноименной повести Б. Полевого,

«Далёкие моря», лирико-комическая опера по пьесе B. Дыховичного «Свадебное путешествие Не закончена. 1948

3.Симфонические поэмы Рихарда Штрауса

«Из Италии»1886;

«Макбет 1886-1888;

«Дон-Жуан 1887-1889;

«Смерть и просветление 1890;

«Веселые проделки Тиля Уленшпигеля» (1895);

«Так говорил Заратустра» 1896, начальные звуки которой сегодня широко известны благодаря фильму Стенли Кубрика «2001: Космическая одиссея» в передаче «Что? Где? Когда?»;

«Дон Кихот» 1897;

«Жизнь героя» 1897-1898;

«Домашняя симфония1902-1903;

«Альпийская симфония» 1911-15.

Билет 6

1.Отечественная музыка 1920-х годов, творчество представителей советского авангарда. (Из книги Назаровой)

Важнейшей чертой начального периода развития сов.муз. было отсутствие изоляции от западной музыкальной культуры.

Сложность и неоднозначность данного периода рождали многоукладность, плюрализм творческих устремлений и стилевых тенденций.

Черты эстетики авангарда:

)Различные авангардные течения объединяла «эстетика»нигилизма, скептическое отношение к традициям прошлого

)Антиромантизм авангардистов. Отвергали романтизм, что приводило к подчеркнутой жестокости и динамичности звучания

)Футурологическая направленность и соц. ориентированность искусства

Русский авангард не представлял собой единого движения и школы. Это была группа ярких новаторов, революционеров в искусстве.

Первый русский музыкальный авангард не имел столь четкой оформленности, как литературный или живописный авангард того времени, но довольно часто к нему, как и к явлениям в параллельных искусствах, применяют термин «футуризм». В русле этого движения можно назвать таких композиторов, как Н.А. Рославец, И.А. Вышнеградский, Н.Б.Обухов, А.С. Лурье, А.М. Авраамов, И. Шиллингер; некоторые вышеназванные музыканты после революции покинули Россию и продолжали - как правило, в безвестности - развивать свои новации в других странах (во Франции - Вышнеградский, Обухов, Лурье; в США - Лурье, Шиллингер); остававшиеся в стране (Рославец, Авраамов, а также их младшие коллеги) должны были с начала 1930-х годов сменить ориентацию и заняться иными видами музыкальной деятельности. Исследователи отмечают, что ранний музыкальный авангард - явление «неочевидное», весьма неоднородное и оставившее сравнительно мало оформленных музыкальных опусов. Главным здесь был поиск некоего «нового мирослышания», «звукового миросозерцания», который отражался как в музыкальной ткани, так и в литературных манифестах. В русле «нового мирослышания» переосмысливались многие основные музыкальные категории - звук, звуковысотная система, тембр, гармония и т.д. Почти все ранние авангардисты, так или иначе, занимались обновлением традиционной системы темперирования и изобретали новые системы деления тонов.

Главной концепцией музыкального футуризма становилось раскрепощение звуковой массы.

Для таких авторов, как Вышнеградский и Обухов (и для некоторых других тоже), характерна напряженная мистическая настроенность (у этих двоих ориентированная на христианство).

Влияние раннего русского музыкального авангарда на авангард 1960-1980-х годов практически не прослеживается - он был просто неизвестен (лишь в 1980-е годы начинаются исполнения сочинений таких авторов, как Рославец, Мосолов, Лурье, - т.е. оставивших законченные и «удобные» для презентации опусы). Определенное, хотя и опосредованное влияние оказали на западных музыкантов жившие во Франции Обухов и Вышнеградский (в частности, их высоко ценили О.Мессиан и П.Булез, хотя исследования их творчества и исполнения их музыки относятся в основном к последним десятилетиям).

2.Творческая эволюция Арнольда Шенберга

Арнольд был в основном музыкантом-самоучкой, бравшим только уроки контрапункта у своего шурина Александра фон Цемлинского Двадцатилетним молодым человеком, Шёнберг зарабатывал на жизнь оркестровкой оперетт, параллельно трудясь над своими сочинениями в традициях немецкой музыки конца XIX века, наиболее известным из которых оказался струнный секстет «Просветлённая ночь», (1899). Те же традиции он развивал в поэме «Пеллеас и Мелизанда» (1902-1903), кантате «Песни Гурре» (1900-1911), «Первом струнном квартете» (1905).

Имя Шёнберга начинает завоёвывать известность. Его признают такие видные музыканты как Густав Малер и Рихард Штраус. С 1904 он начинает частное преподавание гармонии, контрапункта и композиции. Следующим важным этапом в музыке Шёнберга стала его «Первая камерная симфония» (1906).

После того, как любовник жены покончил с собой, Шёнберг пересмотрел свою музыкальную эстетику и кардинально изменил стиль (1908). Он создаёт первые атональные сочинения, романс «Ты прислонилась к серебристой иве» и наиболее революционное из своих ранних сочинений - «Второй струнный квартет» (1907-1908), где в финале добавляет голос, сопрано, положив на музыку стихи Штефана Георге.

Летом 1910 Шёнберг пишет свой первый важный теоретический труд «Учение о гармонии». Затем создаёт вокально-инструментальный цикл «Лунный Пьеро» (1912) на стихи Альбера Жиро, используя изобретённый им метод вокального речетатива, нечто среднее между чтением и пением.

В 1910-х годах его музыка была популярна в Берлине в среде экспрессионистов, её исполняли на собраниях литературного «Нового клуба».

В начале 20-х годов он изобретает новый «метод композиции с 12 соотнесёнными между собой тонами», широко известный как «додекафония», впервые пробуя его в своей «Серенаде» (1920-1923). Этот метод оказался самым влиятельным для европейской и американской классической музыки XX века.

Одним из самых значительных достижений Шёнберга стала его незавершённая опера на библейский сюжет «Моисей и Аарон».

В течение всей жизни Шёнберг вёл активную педагогическую деятельность и воспитал целую плеяду композиторов. Наиболее выдающиеся из них Антон Веберн, Альбан Берг, Эрнст Кшенек, Ханс Эйслер, Роберто Герхард. Шёнберг создал и возглавил целую композиторскую школу известную под названием «новая венская школа».

Параллельно с преподаванием, сочинением музыки, организацией концертов и выступлением в них в качестве дирижёра Шёнберг был также автором множества книг, учебников, теоретических исследований и статей.

3.«Царь Эдип» - Стравинского 1927 г.

«Царь Эдип», опера-оратория в 2 действиях по Софоклу И. Стравинского и Ж. Кокто, Стравинский создавал оперу в 1926 -1927 на либретто Жана Кокто по трагедии Софокла «Царь Эдип». Три раза Кокто приносил свои варианты текста, первые два Стравинскому совершенно не нравились. Он называл их вагнеровскими, поясняя это тем, что простому человеку будет подобное непонятно, как и либретто к операм Вагнера.

«Царь Эдип» Стравинского - уникальная в своем роде попытка слить воедино традиции сценического жанра оперы и концертного жанра оратории. Именно в ней у композитора получилось воссоздать на сцене великий дух древнегреческой трагедии.

«Эдип» Стравинского удивляет и поражает некой холодной строгостью мелодики, суровостью форм, трагедийным немногословием. Впервые опера прозвучала в концертном исполнении в Париже в театре Сары Бернар, дирижировал премьерой Стравинский. Год спустя в Венской Штаатсопер состоялась премьера сценической версии оперы.

Билет 7

1.Симфоническое творчество Шостаковича

Самыми заметными жанрами в творчестве Шостаковича являются симфонии и струнные квартеты - в каждом из них он написал по 15 произведений. Большую часть квартетов Шостакович написал ближе к концу своей жизни. Среди самых популярных симфоний - Пятая и Восьмая, среди квартетов - Восьмой и Пятнадцатый. В творчестве Д. Д. Шостаковича заметно влияние любимых и почитаемых им композиторов: И. С. Баха (в его фугах и пассакалиях), Л. Бетховена (в его поздних квартетах), Г. Малера (в его симфониях), А. Берга (отчасти - наряду с М. П. Мусоргским в его операх, а также в использовании приёма музыкального цитирования). Из русских композиторов наибольшую любовь Шостакович питал к М. П. Мусоргскому, для его опер «Борис Годунов» и «Хованщина» Шостакович сделал новые оркестровки. Влияние Мусоргского особенно заметно в отдельных сценах оперы «Леди Макбет Мценского уезда», в Одиннадцатой симфонии, а также в сатирических работах.

2.Опера Дебюсси «Пеллеас и Мелизанда»

Музыкальная драма К. Дебюсси в 5 д. по одноименной драме М. Метерлинка. Премьера: Париж, театр «Опера-комик», 30 апреля 1902 г., под управлением А. Мессаже (М. Гарден - Мелизанда); на русской сцене - Петроград, Театр музыкальной драмы, 19 октября 1915 г., под управлением Г. Фительберга, постановка Н. Лапицкого (М. Бриан - Мелизанда).

«Пеллеас и Мелизанда» занимает особое и своеобразное место в истории музыкального театра. Это высшее завоевание импрессионизма в опере; тончайшая звукопись раскрывает духовную жизнь человека. Замысел произведения, его стиль, образы противопоставлены вагнеровской музыкальной драме, в частности Тристану и Изольде, с характерной для этой оперы подчеркнутой экспрессией и экстатичностью. Внешнего действия в «Пеллеасе» очень мало, как и в драме Метерлинка, послужившей основой для оперы . Все происходящее на сцене совершается как бы в глубине души героев, и только отзвуки этого интенсивного процесса получают внешнее выражение. В опере преобладает декламационное, речитативное начало, стремление воплотить живые интонации речи. На музыке явственно сказывается воздействие Мусоргского, которого Дебюсси высоко ценил. Однако «Пеллеас и Мелизанда» - произведение глубоко своеобразное, связанное с национальной французской традицией романтической и лирической оперы. Уделяя большое внимание вокальному началу, Дебюсси мастерски использует оркестр: он создает зыбкую и таинственную атмосферу действия и досказывает то, что недоговорено героями. История горестной любви Мелизанды и Пеллеаса, страданий ревнивого мужа-братоубийцы Голо воплощены композитором с удивительной поэтической прелестью. Отсутствие внешнего драматизма и острой конфликтности (такова сознательно поставленная автором задача) восполняется поэтической передачей настроения и колорита, преимущественно сумеречного, просветляющегося лишь в эпизодах, воплощающих тему любви.

«Пеллеас» оказал заметное влияние на музыкальное искусство, способствовав утончению средств выражения, но его драматургические принципы дальнейшего развития не получили. Опера Дебюсси исполнялась и исполняется на многих сценах Европы, прежде всего Франции. Ее ставили выдающиеся режиссеры: Ж. П. Поннель в Мюнхене (1973), Г. Купфер в Лондоне (1978), П. Штайн в Кардиффе (1992). Один из лучших современных исполнителей партии Пеллеаса - Ф. Ле Ру.

. Балет Стравинского «Весна священная»

Балет русского композитора Игоря Стравинского, премьера которого состоялась 29 мая 1913 года в театре Елисейских Полей в Париже. Автор декораций и костюмов - Николай Рерих, хореограф - Вацлав Нижинский, импресарио - Сергей Дягилев. В основу замысла «Весны священной» лёг сон Стравинского, в котором он увидел древний ритуал - молодая девушка в окружении старцев танцует до изнеможения, чтобы пробудить весну, и погибает. Работал над музыкой Стравинский одновременно с Рерихом, который писал эскизы к декорациям и костюмам. Труд хореографа давался Нижинскому непросто. Будучи одарённым танцовщиком, он, занявшись постановкой балета, столкнулся с собственным неумением ясно выражать свои мысли и излагать коллегам-артистам своё (и дягилевское) видение того, что должно происходить на сцене. Поставить «Весну священную» стоило ему, равно как и Стравинскому с Дягилевым, немалого труда, что, впрочем, совершенно не оценила публика. Во время премьеры балета, которая состоялась 29 мая в театре Елисейских полей, зрители пришли в такое негодование от музыки Стравинского, что освистали балет и не уделили должного внимания оригинальности и сложности хореографии на тему языческих обрядов. Сюжет как таковой в балете отсутствует. Содержание «Весны священной» композитор излагает следующим образом: «Светлое Воскресение природы, которая возрождается к новой жизни, воскрешение полное, стихийное воскрешение зачатия всемирного». Рассвет. Племя собирается на праздник Священной весны. Начинается веселье, пляски. Игры возбуждают всех. Действо умыкания жен сменяется хороводами. Далее начинаются молодеческие мужские игры, демонстрирующие силу и удаль. Появляются старцы во главе со Старейшим-Мудрейшим. Обряд поклонения земле с ритуальным поцелуем земли Старейшим-Мудрейшим завершает яростное «Выплясывание земли». Глухой ночью девушки избирают великую жертву. Одна из них, Избранная, представ перед богом, сделается заступницей племени. Старцы начинают священный обряд.

Билет 8

1.Отечественная музыка второй половины XX века (из книги Назаровой)

Щедрин, Эшпай, Леденёв, Чайковский, Волконский, Губайдулина.

Возможность расширения знакомства с зарубежной музыкой и изучение новейших техник композиций.

В 60-е постепенно обогащался концертный репертуар советских оркестров и солистов. Начинает исполнятся музыка 20 века, сочинения Ониггера , Орфа, Стравинского и т.д. К концу 60-х советская музыка преодолела изоляцию, от западноевропейской музыки рост технической оснащенности советских композиторов, стремительно преодолевших «отставание» от своих зарубежных коллег, при этом не потеряв свой национальный облик.

До 1975 года года смерти Д.Д.Шостаковича продолжался период, который можно назвать «эпохой Шостаковича», настолько сильным было влияние великого маэстро на отечественную культуру. Существует понятие «школа Шостаковича». Учениками композитора считались и его непосредственные ученики, как Г.Свиридов, Г.Уствольская, К.Караев, Б.Чайковский, Б.Тищенко, и музыканты, близкие по духу, стилю, видению мира, как М.Вайнберг. Творчество Георгия Васильевича Свиридова (19151998) выделяется особой гармоничностью и уравновешенностью, простотой языка и поэтической тонкостью. Почти каждое произведение Свиридова «Патетическая оратория», «Пушкинский венок», «Отчалившая Русь», «Петербургские песни» и др. это песнь о России и поэте.

Еще при жизни Шостаковича, в 60е годы, наступает новый этап в развитии музыкального творчества. Он связан с новыми именами и революцией в музыкальном языке: молодые композиторы жадно осваивали новые системы мышления, в первую очередь системы Стравинского и Шёнберга. Часть композиторов (Р. Щедрин, С. Слонимский, Н. Сидельников, А. Эшпай, В.Гаврилин, Ю. Буцко, Б. Тищенко) много внимания уделяли фольклору и открыли в нем новые возможности. Разрабатывались те пласты народной музыки, которые раньше использовались меньше: самые древние и самые современные. Например, Родион Константинович Щедрин (род. в 1932 г.), автор известных балетов («Анна Каренина», «Чайка» и др.), обратился к жанру частушки и написал несколько ярких «частушечных» произведений концерт для оркестра под названием «Озорные частушки», оперу «Не только любовь». Николай Николаевич Сидельников (19321992) в блестящем оркестровом концерте «Русские сказки» привнес в них джазовые черты в веселой, озорной части под названием «Там пастушки песни старые играют, да на новый лад».

Понятие «новый лад» своеобразная метафора, отражающая ключевые черты времени 60х: музыка стремительно наверстывает упущенное, осваивает все то новое, что появилось давно, но стало известно у нас только сейчас. Открывается и собственное искусство 1020х годов, заново прочитывается поэзия «серебряного века». В эти же годы обозначилось крыло, которое позднее назвали «отечественным авангардом». Поиски «авангардистов» долгое время не приветствовались, их сочинения почти не звучали в нашей стране даже тогда, когда мир заговорил о них, хотя шли уже 70е годы. Теперь, в 90е годы, эти имена широко известны: А.Шнитке, Э.Денисов, С.Губайдулина, Н. Каретников.

2.Русские контакты Равеля. Дягилев, Нижинский, Мусоргский, Анна Павлова

В своей книге мемуаров «Против течения» выдающийся русский хореограф Михаил Фокин пишет о том, как летом 1910 г. в Париже он высказал Сергею Дягилеву мысль о возможности постановки в предстоящем русском сезоне балета «Дафнис и Хлоя». Дягилеву (а в еще большей степени художнику Льву Баксту) либретто Фокина понравилось, и именно Дягилев не только предложил Равелю написать музыку к будущему балету, но и познакомил композитора с хореографом. При первой встрече Равель сыграл Фокину свою «Ундину», и музыка ее понравилась Фокину настолько, что он даже задумался о возможности ее балетного воплощения. Осенью 1919 г. композитор получил от Дягилева заказ на хореографическую поэму «Вальс». По заказу русского дирижёра С. Кусевицкого Равель выполняет оркестровку «Картинок с выставки» М. П. Мусоргского. Последним произведением тяжело больного композитора были «Три песни» к первому звуковому фильму «Дон Кихот». Они были написаны для русского певца Ф. И. Шаляпина.

3.Балеты Прокофьева

«Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» (1921, Париж); «Стальной скок» (1927, Париж); «Блудный сын» (1929, там же); На Днепре (1931, там же); «Ромео и Джульетта» (по У. Шекспиру, (1938, Брно; 1940, Ленинград); «Золушка» (1945, Москва); «Сказ о каменном цветке» (по П. П. Бажову, (1951, Москва, 1957, Ленинград).

Билет 9

1.Творчество Д. Д. Шостаковича: общая характеристика

Шостакович - один из самых исполняемых в мире композиторов. Высокий уровень композиторской техники, способность создавать яркие и выразительные мелодии и темы, мастерское владение полифонией и тончайшее владение искусством оркестровки, в сочетании с личной эмоциональностью и колоссальной работоспособностью, сделали его музыкальные произведения яркими, самобытными и обладающими огромной художественной ценностью. Вклад Шостаковича в развитие музыки XX века общепризнан как выдающийся, он оказал существенное влияние на многих современников и последователей. Открыто о влиянии на них музыкального языка и личности Шостакович заявляли такие композиторы, как Пендерецкий, Тищенко, Слонимский, Шнитке, Канчели, Бернстайн, Салонен, а также многие другие музыканты. Жанровое и эстетическое разнообразие музыки Шостаковича огромно, в ней сочетаются элементы музыки тональной, атональной и ладовой, в творчестве композитора переплетаются модернизм, традиционализм, экспрессионизм и «большой стиль». В ранние годы Шостакович испытал влияние музыки Г. Малера, А. Берга, И. Ф. Стравинского, С. С. Прокофьева, П. Хиндемита, М. П. Мусоргского. Постоянно изучая классические и авангардные традиции, Шостакович выработал свой собственный музыкальный язык, эмоционально наполненный и трогающий сердца музыкантов и любителей музыки всего мира. Самыми заметными жанрами в творчестве Шостаковича являются симфонии и струнные квартеты - в каждом из них он написал по 15 произведений. В то время как симфонии писались на протяжении всей карьеры композитора, большую часть квартетов Шостакович написал ближе к концу своей жизни. Среди самых популярных симфоний - Пятая и Восьмая, среди квартетов - Восьмой и Пятнадцатый. В творчестве Д. Д. Шостаковича заметно влияние любимых и почитаемых им композиторов: И. С. Баха (в его фугах и пассакалиях), Л. Бетховена (в его поздних квартетах), Г. Малера (в его симфониях), А. Берга (отчасти - наряду с М. П. Мусоргским в его операх, а также в использовании приёма музыкального цитирования). Из русских композиторов наибольшую любовь Шостакович питал к М. П. Мусоргскому, для его опер «Борис Годунов» и «Хованщина» Шостакович сделал новые оркестровки. Влияние Мусоргского особенно заметно в отдельных сценах оперы «Леди Макбет Мценского уезда», в Одиннадцатой симфонии, а также в сатирических работах.

2.Неоклассический период творчества Стравинского

Социальные потрясения двух первых десятилетий XX века, субъективизм и скептицизм позднего романтизма и экспрессионизма вызвали противоположную потребность в объективизации, обращению к "опыту предшествующих эпох", "отрезвлению". Стравинский использует разные историко-стилистические модели - технику старинной полифонии, барочные структурные формы, в соединении с собственным музыкальным языком создавая яркие оригинальные произведения.

Опера Джорджа Гершвина в четырех актах и девяти картинах. Впервые поставленная в 1935 году, опера на первых порах пользовалась сдержанным успехом, но с 1950-х годов начала завоёвывать широкую известность в США, а затем и во всём мире. «Порги и Бесс» ― одна из вершин творчества композитора. Музыкальный материал, выбранный Гершвином для создания оперы, разнообразен и основан на джазовых и блюзовых мотивах, негритянском фольклоре, импровизации. В либретто использована имитация «неправильного» народного произношения. В 1926 году Гершвин познакомился с романом Дюбоза Хейуорда «Порги» и написал автору письмо, в котором выражал желание совместно с ним создать оперу на этот сюжет. Хейуорд согласился, но к полноценной работе над оперой Гершвин, занятый другими проектами и дирижёрской деятельностью, смог приступить лишь в 1934. За это время Хейуорд и его жена Дороти переработали роман в театральную постановку с элементами музыки (были добавлены спиричуэлы). Спектакль имел большой успех и выдержал 367 представлений. В конце 1933 года Гершвин, Хейуорд и нью-йоркская «Театральная гильдия» подписали контракт об опере. Летом следующего года композитор отправился в Фолли-бич, где, проникнувшись местной атмосферой и музыкой, приступил к созданию произведения. Либретто оперы и бо́льшая часть текста некоторых арий принадлежит Хейуорду, однако для некоторых номеров (в том числе знаменитого «It Aint Necessarily So») стихи написаны Айрой Гершвином, братом композитора. Гершвин завершил создание оперы в Нью-Йорке, а первая (пробная) постановка состоялась 30 сентября 1935 в Колониальном театре Бостона. Через месяц опера была поставлена на Бродвее. Этой постановкой руководил ученик Вахтангова - Рубен Мамулян.

Билет 10

1.Неоклассицизм в музыке XX века и творчество Пауля Хиндемита

Неоклассицизм ― направление в академической музыке XX века, представители которого стремились к возрождению стилистических черт музыки раннеклассического и доклассического периода. Наибольшего развития достигло в 1920-х - 1930-х годах. Как реакция и прямое возражение на музыкальный стиль импрессионизма, неоклассицизм впервые получил своё законченное воплощение в 1910-е годы в фортепианных и вокально-симфонических произведениях Эрика Сати и Макса Регера. В 1920-е годы неоклассицизм получил своё мощное развитие прежде всего в творчестве Игоря Стравинского, Альбера Русселя и Отторино Респиги, а также молодых последователей Сати, представителей французской «шестёрки» (Дариус Мийо, Артюр Онеггер, Франсис Пуленк и других) и некоторых других композиторов. В Германии это направление возглавил Пауль Хиндемит - немецкий композитор, альтист, скрипач, дирижёр, педагог и музыкальный теоретик.

Хиндемит - один из крупнейших немецких композиторов своего времени. Глубоко откликаясь на современную эпоху, Хиндемит искал внесубъективных форм выражения этого отклика и держался в стороне от музыкальной моды, в том числе - от додекафонии. Его ранние работы написаны в позднеромантическом стиле, в дальнейшем композитор обращается к экспрессионистской манере сочинения, отчасти в стиле раннего Арнольда Шёнберга, а в 1920-е годы - к сложному контрапунктическому стилю. Часто этот период в творчестве Хиндемита называют «неоклассическим», но его сочинения этого времени сильно отличаются от работ Стравинского, по отношению к которому обычно применяется этот термин. Манера письма Хиндемита скорее приближается к контрапунктическому языку Баха, чем к ясности классицизма Моцарта. Этот новый стиль прослеживается в серии работ под названием «Kammermusik» (камерная музыка), создававшихся в период с 1922 по 1927 год.

В течение своей творческой карьеры Хиндемит неоднократно обращался к нестандартным составам, например, в 1949 году он написал сонату для контрабаса и фортепиано. В 1930-е годы Хиндемит от камерной музыки переходит к сочинениям для большого оркестра. В 1933-35 он пишет одну из своих самых известных опер - «Художник Матис», в основе сюжета которой - жизнь художника Маттиаса Грюневальда. Эта опера пользуется большим уважением среди музыкантов, но, как и большинство других опер XX века, редко ставится на сцене. В этой опере Хиндемит попытался объединить неоклассицизм ранних работ и народную музыку. В дальнейшем музыку из оперы «Художник Матис» Хиндемит использовал в одноимённой симфонии, которая стала одним из самых известных сочинений композитора. Хиндемит обращался к т. наз. «публичной» музыке - музыке, предназначенной отразить какое-либо политическое или социальное событие, часто написанной для исполнения любителями. Один из известных примеров такого сочинения в творчестве Хиндемита - «Траурная музыка» , написанная в 1936 году. Хиндемит готовился к концерту на BBC, когда узнал о смерти английского короля Георга V. Буквально за несколько часов композитор написал по этому поводу небольшую пьесу для альта и струнных и исполнил её в тот же день. Возможно, самое известное и часто исполняемое оркестровое произведение Хиндемита - «Симфонические метаморфозы тем Вебера», написанные в 1943 году. 5 апреля того же года состоялась премьера симфонии в исполнении этого оркестра под управлением самого Хиндемита. Это сочинение - образец «позднего», строго контрапунктического периода творчества Хиндемита. «Симфония in B» - одно из основных произведений в репертуаре духовых оркестров и по сей день.

2.Творчество С. С. Прокофьева. Новатор.

Становление Прокофьева как композитора протекало в противоречивой, сложной обстановке, отмеченной интенсивными поисками новых тем и выразительных средств во всех областях искусства. Вместе с тем стремился к независимости и самостоятельности. Произведения, написанные за предреволюционное десятилетие, охватывают почти все жанры. Большое место занимает фортепьянная музыка: 2 концерта для фортепиано с оркестром (1912: 1913, 2-я редакция 1923), 4 сонаты, циклы («Сарказмы», «Мимолётности»), токката и др. пьесы. Кроме того, в эти годы Прокофьевым созданы 2 оперы («Маддалена», 1913, и «Игрок» по Ф. М. Достоевскому, 1915-16, 2-я редакция 1927), балет «Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» (1915-20), «Классическая» (первая) симфония (1916-17), 1-й концерт для скрипки с оркестром (1921), хоровые и камерно-вокальные сочинения. Уже в ранний период выявляются характернейшие черты творческого облика Прокофьева - активное отношение к жизни, оптимизм, энергия и воля. Обширен диапазон тем и образов: тонкий лиризм романсов на слова А. А. Ахматовой (1916) и напряжённая экспрессия «Игрока»; живописность и поэтичность сказки «Гадкий утёнок» для голоса и фортепиано (1914) и стихийная сила оркестровой «Скифской сюиты» (1914-15); острый гротеск «Сарказмов» и скоморошья сказочность балета «Сказка про шута...».

С 1908 Прокофьев начинает регулярную и обширную концертную деятельность как пианист и дирижёр - исполнитель собственных произведений. Весной 1918 Прокофьев направляется через Японию в США. Пребывание за рубежом вместо предполагаемых нескольких месяцев продолжалось 15 лет. Первые 4 года композитор проводит в поездках по Америке и Европе (главным образом Франции) в связи с постановкой своих сценических сочинений и сильно расширившейся концертной деятельностью. В 1922 он живёт в Германии, а с 1923 - в Париже. Зарубежный период творчества Прокофьева отмечен активным интересом к театральным жанрам. Он создаёт оперы: комическую «Любовь к трём апельсинам» по К. Гоцци (1919), замысел которой возник ещё до отъезда за границу, и экспрессивную драму «Огненный ангел» по В. Я. Брюсову (1919-27). Творческое содружество с С. П. Дягилевым, поставившим в 1921 «Сказку про шута...», стимулировало создание новых балетов для его труппы: «Стальной скок» (1925) и «Блудный сын» (1928). В 1930 для театра «Гранд-Опера» был написан балет «На Днепре». В области инструментальной музыки наиболее значительными работами этого периода были: 5-я соната для фортепиано, 3-я и 4-я симфонии (1924, 1928, 1930-47), 3-й, 4-й и 5-й концерты для фортепиано с оркестром (1917-21, 1931, 1932).

В последние годы пребывания за рубежом творческая активность Прокофьев стала снижаться - давал себя знать длительный отрыв от Родины.

В 1927, 1929 композитор приезжает на гастроли в СССР и в 1932 принимает решение окончательно возвратиться на Родину. Он становится в ряды активных строителей советской музыкальной культуры. В течение нескольких лет (с 1933) ведёт занятия по композиции в Школе высшего мастерства при Московской консерватории. В творчестве Прокофьева наступил период расцвета. Оно обогащается новыми значительными темами и идеями высокого гуманистического звучания. Выдающимся достижением советского и мирового искусства стал балет «Ромео и Джульетта» (1935-36), в котором композитор создал образы подлинно шекспировской глубины и реалистической силы. Опера «Семен Котко» по повести «Я сын трудового народа» В. П. Катаева (1930) смело и во многом успешно разрешала трудную задачу освоения современной темы в оперном театре. Значительное место в предвоенные годы занимала работа Прокофьева для драматического театра и кино в содружестве с крупнейшими советскими режиссёрами - В. Э. Мейерхольдом, А. Я. Таировым, С. М. Эйзенштейном. Одним из этапных произведений Прокофьев стала музыка к кинофильму «Александр Невский» Эйзенштейна, послужившая основой для одноименной кантаты. Обращение к народной историко-патриотической теме выявило и укрепило национальную основу творчества Прокофьев, ярко раскрывшуюся в последующих сочинениях - кантате «Здравица» (1939) на народные тексты, в музыке к фильму «Иван Грозный» (1942-45; в редакции М. И. Чулаки создан балет, пост. 1975, Большой театр) и др. В 30-е гг. Прокофьев пишет произведения для детей: сборник фортепьянных пьес «Детская музыка» (1935), симфоническую сказку «Петя и волк» для чтеца и оркестра (1936), знакомящую детей в остроумной, живой образной форме с тембрами различных инструментов, детские песни. Конец 30 - начало 40-х гг. отмечены новым взлётом творческой активности композитора. Он начинает работу почти одновременно над целым рядом сочинений: сонатой для скрипки и фортепиано, тремя сонатами для фортепиано (6-я, 7-я, 8-я), лирико-комической оперой «Обручение в монастыре» по пьесе Р. Б. Шеридана «Дуэнья», балетом «Золушка» (Государственная премия СССР, 1946). Завершение большинства из них было отодвинуто начавшейся Великой Отечественной войной 1941-45. Важнейшей работой военных лет стала опера «Война и мир» по роману Л. Н. Толстого (1941-52)- Одно из центральных произведений в творчестве Прокофьева и крупнейшее достижение советского оперного искусства.

В послевоенные годы творчество Прокофьев приобрело черты особой ясности, классической стройности, мудрой простоты. Всё большее место начинают занимать в нём светлые лирические или фантастические образы (9-я соната для фортепиано, 1947; соната для виолончели и фортепиано, 1949). По-прежнему привлекает композитора мир детства, юности: вокально-симфоническая сюита «Зимний костёр» (1949) и оратория «На страже мира» на тексты С. Я. Маршака (1950) - за оба произведения Государственная премия СССР, 1951; балет «Сказ о каменном цветке» по Прокофьев Прокофьев Бажову (1948-50); 7-я симфония (1951-52), за которую Прокофьев первым из советских композиторов был удостоен Ленинской премии (1957). Государственная премия СССР в 1946 за 5-ю симфонию, 8-ю сонату для фортепиано и музыку к 1-й серии фильма «Иван Грозный» и в 1947 за 1-ю сонату для скрипки и фортепиано. Прокофьев вошёл в историю советской и мировой музыкальной культуры как композитор-новатор, создавший глубоко самобытный стиль, свою систему выразительных средств. Творчеству Прокофьева в высшей степени присущи действенность и активность. В его произведениях преобладает эпическое начало. Яркой индивидуальностью отмечена лирика Прокофьева - вдохновенная, глубокая и вместе с тем внутренне сдержанная, кристально чистая. В процессе развития творчества Прокофьева всё яснее выявлялись его тесные связи с традициями русской музыки (М. П. Мусоргского, А. П. Бородина, Н. А. Римского-Корсакова). Присущая композитору острая наблюдательность сделала его одним из выдающихся мастеров музыкального портрета, сочетающего внешнюю характерность с психологической правдивостью. Прокофьев значительно усилил в балете роль пантомимы.

Творчество Прокофьева составило эпоху в мировой музыкальной культуре 20 в. Самобытность музыкального мышления, свежесть и своеобразие мелодики, гармонии, ритмики, инструментовки композитора открыли новые пути в музыке и оказали мощное воздействие на творчество многих советских и зарубежных композиторов.

3.Опера Пуленка «Человеческий голос»

Одноактная опера для одного исполнителя, музыка Франсиса Пуленка на либретто Жана Кокто, основанная на его пьесе 1932 года. Первая постановка состоялась в Париже в Опера-Комик 6 февраля 1959 года. Пуленк писал оперы для Дениз Дюваль, французской сопрано, дирижировал премьерой Жорж Претр.

Молодая женщина разговаривает по телефону со своим бывшим любовником. Он бросает ее и женится на другой женщине на следующий день. В последний раз они будут говорить друг с другом. В ходе беседы мы узнаем, что женщина пытается покончить собой. Телефонная служба Парижа работала в то время очень плохо, в результате чего они были прерваны несколько раз во время их мучительного разговора.

Билет 11

1.Стилевые течения в русской музыке на рубеже XIX-XX веков

Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) - период не менее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделён от предыдущего каким-либо переломом: лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся именно к 90 -м годам XIX и к первому деcятилетию XX века. Но уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций: С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает. Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам был великим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова (как и концерты Чайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства. В последней четверти XIX столетия творчество русских композиторов было признано во всём цивилизованном мире. Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлого - начале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаны очень по своему: остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, Поставленные во время Русских сезонов в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже в годы первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда - Прокофьев. Большую роль в музыкальной жизни России этого времени сыграл Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана Петровича Беляева - известного лесопромышленника, владельца огромного состояния и страстного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-х годах, объединил почти всех лучших музыкантов того времени ; Н. А. Римский - Корсаков стал идейным центром этого музыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочь тем, кто служил русской музыке. Основанное Беляевым новое издательство за несколько десятилетий своего существования издало огромное количество произведений русских композиторов. Беляев способствовал воскрешению полузабытых партитур великого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали - ни на одной оперной сцене, ни на симфонической эстраде.

Необходимо упомянуть и организованные Беляевым в течении многих сезонов Русские симфонические концерты, а также Русские камерные вечера. Целью их было - знакомить русскую публику с произведениями национальной музыки. Руководили концертами и вечерами Н.А. Римский-Корсаков и его талантливые ученики А.К. Глазунов и А. К. Лядов. Они разрабатывали план каждого предстоящего сезона, составляли программы, приглашали исполнителей... Исполнялись исключительно произведения русской музыки: многие из них, забытые, отвергнутые ранее русским музыкальным обществом нашли здесь первых своих исполнителей. Например, симфоническая фантазия М.П. Мусоргского Ночь на лысой горе впервые прозвучала именно в Русских симфонических концертах почти через двадцать лет после создания, а затем была многократна повторена ( по востребованию публики, как отмечалось в программах ).

В то время единственным местом в России, где звучала вся отвергнутая официальными кругами музыка русских композиторов, были Русские симфонические концерты. Беляевский кружок в 80-90-е годы оказался единственным музыкальным центром, где объединялись наиболее активные музыканты, ищущие новые пути развития искусства.

На рубеже XIX-XX века возрождается интерес к старинной музыке. Появляются исполнители, знакомящие слушателей с органной музыкой прежних эпох и столетий : А. К. Глазунов, Старокадомский. Это время является важным этапом в истории скрипки. Появляется группа виртуозов - композиторов и исполнителей, которые раскрывают неведомые прежде возможности скрипки как сольного инструмента. Возникают новые замечательные произведения советских композиторов. В настоящее время всему миру известны концерты, сонаты, пьесы Прокофьева, Хренникова.

В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливое общественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность, необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённость ощущали все или почти все. Большинство музыкантов непосредственного участия в революционных событиях не принимали, и потому связи между ними были довольно слабыми.

2.Творчество Леонарда Бернстайна

Леонард Бернстайн 25 августа 1918 - американский композитор, пианист и дирижёр. Обладатель Премии Сименса (1987). Автор книг «Радость музыки» и «Бесконечное разнообразие музыки»

«Концерты для молодежи», «Вопрос без ответа», «Открытия» .

В 1971 году он был введён в национальный Зал славы композиторов. Оперы: «Волнения на Таити»; «Тихое место» Оперетты: «Кандид» (1956, Нью-Йорк); Мюзиклы: «Увольнение в город» ,«Питер Пэн»; «Чудесный город»; «Вестсайдская история» Симфонии: «Иеремия» «Век тревог; «Каддиш;

Другое: Музыка к балету «Невлюбляющийся»

«Чичестерские псалмы» для хора и оркестра

Месса (1971).

3.«Литургическая» симфония Артура Онеггера

Написана по горячим следам Второй мировой войны. Первую часть, где говорится о жестоком нашествии, он поначалу назвал «День гнева»; вторую, где говорится о страданиях и боли, он назвал «Из глубины взываю», и, наконец, финал, где забрезжил луч спасения, он озаглавил «Даруй нам мир».

Однако, в конце концов композитор ограничился кратким названием «Литургическая симфония». Финальная третья часть - это краткий конспект, по которому можно судить обо всем, что случилось в первых двух частях, и подвести итоги. Начинается эта часть настороженным и приглушенным маршем, который, наконец разрастается, и тогда становится ясно, что это марш побежденных с бессильно сползающими фразами духовых. В дальнейшем перед слушателем проходит панорама войны, как будто записанная случайным свидетелем: слышатся рыдания струнных, шум и скрежет, хаотические фрагменты марша и стонущих фраз, обрывающиеся катастрофическими ударами. И лишь после них звучит «музыка мира» - протяжная мелодия, похожая на молитвенное песнопение. Все происходящее сумбурно и отрывочно как в кошмарном сне, события совершаются стремительно и бессвязно, и так же как во сне, все представляется почти реальным.

Сам Онеггер так пояснял название своей третьей «Литургической» симфонии (1946). «Я назвал свою симфонию «Литургической», хотя в ней нет никакой темы из грегорианских песнопений. Я заимствовал из литургии только тексты, которые могли служить пояснением моих замыслов. Первая часть называется День гнева. Это взрыв сил ненависти, которые все уничтожают и не оставляют ничего кроме развалин и разрушений. Вторая - Из глубины взываю - это мольба, обращенная к высшей силе, которой воздеваешь руки, которой хочешь отдать все, что только сохранилось чистого и благородного в глубине души. Третья часть, «Даруй нам мир», описывает неумолимое нарастание порабощенности человека, полную утрату им свободы, что и заставляет его кричать от отчаяния. Моя симфония завершается утопическим представлением того, чем могли бы быть жизнь в братстве и любви».

Билет 12

1.Творческая эволюция И. Стравинского

Стравинский Игорь Федорович (1882-1971), русский композитор. Пробовал сочинять музыку, не имея специального образования, и лишь в двадцатилетнем возрасте начал брать уроки композиции у Римского-Корсакова. В 1905 опубликовал симфонию, написанную в академическом стиле. Под влиянием Римского-Корсакова обратился к русскому музыкальному фольклору. Его первое крупное произведение, пронизанное национальными мотивами, появилось после встречи с Сергеем Дягилевым - прославленным балетным импресарио, готовившим ряд спектаклей русского балета в Париже. По его заказу Стравинский написал одну из самых блестящих своих партитур - балет по русской сказке Жар-птица (1910). В следующем году был завершен еще один балет - Петрушка, где в живых и достоверных образах воссозданы картины русской масленицы. Музыкальный язык Жар-птицы и Петрушки еще сохраняет связь с прежней традицией, но уже в третьем балете - Весна священная (1913), действие которого происходит в древней языческой Руси, Стравинский порывает с музыкальной традицией, свободно используя неразрешенные диссонансы и постоянно меняющиеся ритмы невероятной сложности. С тех пор имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в музыке. Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию. До 1939 жил во Франции, затем поселился в США. Добровольное изгнание стало причиной постепенного исчезновения из музыки Стравинского элементов русского фольклора. (Свадебка)

В более поздних сочинениях уже прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике (балет Аполлон Мусагет 1927).

В этот же период композитор создает балеты Пульчинелла 1920, на темы Перголези) и Поцелуй феи (1928), на темы Чайковского. Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в Царе Эдипе 1927, опере-оратории на латинский текст; скупыми техническими средствами композитор достигает необычайного драматизма.

В 1951 Стравинский написал оперу Похождения повесы, по серии нравоучительных гравюр Уильяма Хогарта - сочинение, которое знаменует еще одну стилистическую линию его творчества: элементы комедии, моралите и мелодрамы сливаются в шутливо-назидательное целое. Возможно, наиболее примечательным этапом творческой эволюции Стравинского (уже перешагнувшего 70-летний рубеж) стало освоение им 12-тоновой (додекафонной) системы композиции, которую использовали Арнольд Шёнберг и Антон Веберн. В этом стиле созданы балет Агон для 12 танцовщиков.

Умер Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971. Его влияние на музыку 20 в. огромно. Такие шедевры, как Весна священная, вошли в основной репертуар оркестров многих стран мира.

2.Симфоническое творчество А. Онеггера

Композитор подпадает под растущее влияние Игоря Стравинского, музыку которого он в дальнейшем глубоко изучал и в 1939 году написал о ней большое эссе. В этот период Онеггер сочиняет музыку для театра и кинематографа, а также многочисленные камерные и оркестровые сочинения. Известность пришла к Онеггеру с музыкой к пьесе швейцарского драматурга Рене Моракса «Царь Давид», написанной в 1921 году и три года спустя переработанной в ораторию. В 1923 году Онеггер создаёт наиболее известное своё оркестровое сочинение: «Симфонический движение» «Пасифик 231», посвящённый одноимённому паровозу; позднее будут написаны ещё два сочинения в том же жанре: «Регби» и «Симфоническое движение № 3». Композитор ведёт активную концертную деятельность, не переставая сочинять музыку. Во время оккупации Франции фашистской Германией Онеггер отказался покинуть Париж и продолжал сочинять. В своих произведениях этого времени композитор отразил своё отношение к сложившейся ситуации. Знаковым сочинением этого периода является созданная в 1941 году Вторая симфония для струнного оркестра с трубой, три части которой символизируют смерть, скорбь и освобождение. Ряд сочинений Онеггера открывают его глубокую религиозность (композитор был протестантом) - оратории «Царь Давид» и «Жанна дАрк на костре»

3.Театральные опусы Д. Д. Шостаковича

Появление кино- и театральной музыки ("Новый Вавилон" 1929), "Златые горы" 1931, спектакли "Клоп" 1929 и "Гамлет" 1932) связано с формированием новых образов, особенно социальной карикатуры. Продолжение этого было найдено в опере "Нос" (по Н.В. Гоголю 1928) и в опере "Леди Макбет Мценского уезда" ("Катерина Измайлова") по Н.С. Лескову (1932).

Билет 13

1.Творчество композиторов группы «Шести»

Шестёрка - название дружеского объединения французских композиторов, объединившихся под эгидой Эрика Сати и Жана Кокто. Название и состав группы был отобран Жаном Кокто, предложен в 1920 г. музыкальным критиком Анри Колле, вызвал резонанс и закрепился в истории музыки. Все члены «группы Шести» неоднократно в своей жизни заявляли о условности этого объединения, сделанного в чисто рекламных, газетных целях. Так, по чистой случайности в группу не был «посчитан» Жак Ибер и Ролан-Манюэль. Композиторы Шестёрки, как и русские композиторы полувеком раньше, заявляли о своём намерении отстаивать национальную специфику музыкального языка против иностранных влияний - в данном случае, против позднего вагнерианства и шёнберговской атональности. Разных по творческим установкам композиторов объединяли стремление к новизне и одновременно к простоте, а также воинствующее неприятие музыкального импрессионизма. Совместные акции «Шестёрки» были немногочисленны. В 1921 г. они опубликовали «Альбом Шестёрки» - сборник пьес для фортепиано соло, включавший произведения всех шести композиторов. В том же году пять композиторов из шести (кроме уехавшего в тот момент из Парижа Дюрея) участвовали в работе над музыкой к балету «Новобрачные на Эйфелевой башне» по либретто Кокто. В дальнейшем авторы Шестёрки работали индивидуально и встретились все вместе только спустя тридцать лет.

2.Поздний период творчества Стравинского

Додекафония (12-тизвучие), в эти последние годы творческой деятельности усиливаются траурные и религиозные настроения, композитор отдаёт предпочтения камерным и вокально-инструментальным жанрам. Резко сокращается число крупных произведений

3.Симфонические произведения Белы Бартока

Два концерта для скрипки с оркестром, симфоническая поэма «Кошут». Среди сочинений 30-х годов, рядом с блестящим Скрипичным концертом, центральное место занимает "Музыка для струнных, ударных и челесты" - одно из самых выдающихся симфонических произведений ХХ века.

Барток ограничил себя струнным составом оркестра, посадив слева и справа от дирижера поделенную надвое струнную группу, а в центре фортепиано, арфу, литавры, другие ударные и челесту.часть - строго традиционная фуга, медленная музыка задумчивого характера. С нею контрастирует по темпу и характеру II часть, Аллегро, написанное в сонатной форме. В следующей части Барток как бы переносит в условия современной музыки листовские приемы рапсодического "сказывания", импровизирование. Здесь много колористических неожиданностей: glissando литавр. В финальной части "Музыка" с наибольшей определенностью звучит по-венгерски; она пришла на родную почву. "Музыка для струнных, ударных и челесты" написана по заказу Базельского камерного оркестра в ознаменование его 10-летия. С тех пор (1936) она прочно закрепилась в репертуаре ведущих симфонических оркестров мира, в том числе и советских оркестров. В 1943 году возникает одно из величайших творений Бартока - Концерт для оркестра, сочиненный по заказу Бостонского оркестра и впервые исполненный в декабре 1944 года. По существу, это пятичастная симфония для большого оркестра

Билет 14

1.Творчество Франсиса Пуленка

Оперы «Груди Терезия» (1947), «Диалоги кармелиток» (1957), «Человеческий голос» (1959). Балеты «Лани» (1924, точнее было бы переводить «Козочки» или «Милашки», поскольку речь идёт о легкомысленных девушках), «Примерные звери» (1942). Кантаты «Stabat mater» (1950), «Засуха», «Лик человеческий» (1943), «Бал-маскарад», Негритянская рапсодия для фортепиано, флейты, кларнета, струнного квартета и голоса (1917). Два марша и интермедия для камерного оркестра (1938). Два интермеццо для фортепиано (1934) № 1 (C-dur) № 2 (Des-dur). Концерты: «Утренняя серенада», концерт-балет для фортепиано и 18 инструментов (1929), Сельский концерт для чембало (клавесина) и оркестра (1938), Концерт для 2 фортепиано с оркестром (1932), Концерт для органа, струнного оркестра и литавр (1938). Вокальные циклы «Бестиарий» на стихи Аполлинера и «Кокарды» на стихи Кокто (1919), Пять романсов на стихи Ронсара, Озорные песни и др.

.«Рапсодия в стиле Блюз» - Гершвин

Одно из самых известных произведений Джорджа Гершвина. Рапсодия была впервые исполнена автором 12 февраля 1924 в Нью-Йорке в сопровождении оркестра Пола Уайтмана. Пьеса была заказана Уайтманом начинающему тогда композитору и музыканту Гершвину 5 января 1923, как эксперимент по созданию нового музыкального стиля, сочетающего джаз и классическую музыку. Произведение должно было называться «Американская рапсодия», известное нам название было подсказано братом композитора Айрой Гершвином. «Рапсодия в блюзовых тонах» стала визитной карточкой Гершвина. Ныне она с равным успехом исполняется музыкантами и академического и джазового направлений.

.Фортепианные произведения Равеля.

Часть фортепианной сонаты (1888), утрачена; Вариации на тему Грига («Смерть Озе») для фортепиано (1888); Вариации на тему Шумана Серенада-гротеск для фортепиано (1892-1893); Старинный менуэт для фортепиано (1895); Хабанера для двух фортепиано (1895); Парад для фортепиано (1896); Среди колоколов для двух фортепиано (1897); Вальс ре мажор для фортепиано (1898); Павана на смерть инфанты для фортепиан, (Ночные бабочки, Печальные птицы, Лодка в океане, Альборада, или Утренняя серенада шута, Долина звонов);

Билет 15

1.Фольклорные течения в музыке первой половины XX века и творчество Белы Бартока

Многие композиторы в поисках вдохновения снова и снова обращаются к народной музыке. Бела Барток - венгерский композитор, изучал крестьянский фольклор (венгерский, румынский, словацкий, турецкий и др.) и соединил фольклорный мелос с приёмами музыкального авангарда, став одним из наиболее глубоких и влиятельных новаторов в музыке XX века. Их американские коллеги, начали привлекать свою собственную родную музыку - джаз. Ведущими американскими композиторами в этом направлении были Джордж Гершвин и Дюк Эллингтон. Глинка буквально вывел русскую музыку из тени, обозначив её главные пути - опору на русский фольклор и глубокую реалистичность высказывания. В творчестве Бородина отчётливо проходит тема величия русского народа, любви к родине, свободолюбия. Музыка его отличается эпической широтой, мужественностью, в то же время глубоким лиризмом. Как и все композиторы-«кучкисты», Бородин опирался на богатый и разносторонний русский фольклор, заимствуя из него интонационные и ритмические обороты для создания собственных уникальных тем в народном духе. Римский-Корсаков был самым молодым членом «Могучей кучки» - содружества пяти русских композиторов - Балакирева, Мусоргского, Бородина, Кюи и самого Римского-Корсакова - чьими задачами были создание самобытной русской музыки, возрождение русского песенного фольклора, борьба за демократизацию искусства.

Произведения Белы Бартока - Соната для 2-х фортепиано и ударных, произведение, в своем роде уникальное, ибо такого типа камерный ансамбль появляется впервые. В конце 30-х годов Барток закончил огромный труд одиннадцати лет, названный им "Микрокосмосом" и состоящий из 153-х пьес для фортепиано разной степени трудности и сложности. «Микрокосмос» являет собой уникальную в фортепианной литературе антологию творчества композитора в одном жанре. Концерт для фортепиано № 3 (1945). Одноактная опера «Замок герцога Синяя Борода» (1918). Вслед за первой оперой появляется и первый балет - «Деревянный принц». В 1918-19 годах Барток пишет свой второй балет - «Зачарованный Мандарин».

2.Альфред Шнитке(1934-1998)

Представитель отечественного авангарда (послевоенного), типичный «шестидесятник». Открыватель новых звуков, миров, продолжатель великих традиций предшественников.

Мышление историческими стилями.

Отличительная черта: философская основа, концептуальность и интеллектуализм. Высокая духовность, стремление к значительным нравственно-эстетическим проблемам делают композитора продолжателем лучших традиций русской культуры. Воплощая в своей музыке трагизм и дисгармоничность современности, композитор обращается к осмыслению вечных вопросов бытия.

Выдвинул концепцию «полистилистики» - художественное соединение разных стилевых моделей в одном произведении.

Советский и российский композитор, теоретик музыки и педагог (автор статей о русских и советских композиторах), один из наиболее значительных музыкальных деятелей второй половины XX века. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987). Музыкальное образование для А. Г. Шнитке началось в 1946 году в Вене. С 1961 по 1972 год Шнитке преподавал в МГК имени П. И. Чайковского. В последующие несколько лет зарабатывал себе на жизнь в основном сочинением музыки к фильмам. В 1990 году композитор вместе с семьёй переехал в Германию. Начал преподавать в Гамбургской консерватории.

Оперы: 1962 - Одиннадцатая заповедь. Не оркестрована; 1991 - Жизнь с идиотом. Балеты: 1971 - Лабиринты. Балет в 5 эпизодах. Либретто В. Васильева; 1985 - Эскизы. Хореографическая фантазия по мотивам Гоголя.

Симфонии: 1957 - Симфония «нулевая» в 4 частях; 1972 - Симфония № 1 в 4 частях;

3.«Воццек» опера Берга

Экспрессионистская опера австрийского композитора Альбана Берга в трёх действиях (15 картинах), признающаяся одной из вершин оперного искусства XX века. Премьера оперы состоялась 14 декабря 1925 года в Берлинской государственной опере. Первая опера Альбана Берга, работа над которой началась в 1914 году и продолжалась до апреля 1922 года (первый акт был закончен лишь летом 1919), частично основана на личных впечатлениях композитора от военной службы во время Первой мировой войны. Опера является характерным экспрессионистским сочинением. Музыка ее атональна, в ней использованы особо острые выразительные средства темброво-ритмического порядка, напряжённые сценические ситуации и поэтические тексты. Премьера оперы состоялась 14 декабря 1925 года в Берлинской государственной опере. До конца 1936 года «Воццек» был поставлен в 29 городах 166 раз на немецком, чешском, русском и французском языках. Впервые в СССР «Воццек» был поставлен в 1927 году. Главную партию исполнял бас-баритон Михаил Бочаров.

Билет 16

1.Творчество С. С. Прокофьева. (см. билет № 10 вопрос 2)

.Балетные партитуры Равеля

Равелю подвластна стихия танцевальных ритмов разных времён, что нашло отражение в «танцевальных» сочинениях - балет (хореографическая симфония) «Дафнис и Хлоя» (на либретто М. М. Фокина, 1912), «Моя матушка-гусыня» (1912), «Болеро», «Благородные и сентиментальные вальсы» (для фортепиано, 1911) и др.

3.Оперы И. Стравинского

«Соловей», опера в трёх действиях (1908―1914), по сказке Андерсона, ставил Дягилев; «Мавра», комическая опера в одном действии (1921―1922), по иронической поэме Пушкина «Домик в Коломне», Стравинский посвящает ее Пушкину, Глинке, Чайковскому; «Царь Эдип», опера-оратория для чтеца, голосов, мужского хора и оркестра (1926―1927), по трагедии Софокла, либретто на латыни; «Похождения повесы», опера в трёх действиях с эпилогом (1947―1951), по гравюрам Уильяма Хогарта, 19 века; «Потоп (опера)», библейская опера для солистов, актёров, чтеца и оркестра (1961―1962).

Билет 17

1.Творчество Оливье Мессиана

Творчество Мессиана представляет самостоятельную, независимую от каких-либо школ и направлений область современной музыки (начиная с 30-х гг.).

В сочинениях Мессиана нашли отражения теологические идеи и искания (фортепианные циклы «20 взглядов на младенца Иисуса», оркестровое сочинение «3 маленьких литургии божественного присутствия», оба - 1944)

Первый опыт тотального сериализма в музыке - пьеса Мессиана «Лад длительностей и интенсивностей 1949, из цикла «Четыре ритмических этюда».

Вся музыка представляет собой последовательность серий из определенных нот, длительностей этих нот и их же громкости, и ни один из элементов серии не может повториться, пока не проиграются все остальные.

Идея была подхвачена композиторами Дармштадтской школы.

В определённом смысле эта пьеса осталась в творчестве Мессиана особняком - как радикальный творческий эксперимент.

Автор монументальной оперы «Святой Франциск Ассизский» (1983). Концертировал как органист и пианист (исполнитель собственных сочинений); блестящий импровизатор.

2.Симфонии Прокофьева

симфоний; Алла и Лолий , Петя и волк, вокально-симфонические произведения «Зимний костер»

3.«Море» Дебюсси

Три симфонических эскиза ( 1903- 1905), посвященные поздней любви, жене Дебюсси

Замысел «Моря» относится к августу 1903 года.

."Прекрасное море у островов Сангинер"

. "Игры волн";

. "Ветер заставляет море плясать"».

Еще в самом начале работы, в 1903 году, он решил, что дирижировать «Морем» будет Камилл Шевийяр, первый исполнитель «Ноктюрнов». Однако «Море» не удалось дирижеру. Премьера 15 октября 1905 года в Париже, в Концертах Ламурё, успеха не имела и вызвала длительную дискуссию о новом сочинении. Подлинное рождение «Моря» состоялось лишь 19 января 1908 года под управлением самого Дебюсси в Концертах Колонна. Это был дирижерский дебют композитора.

«Море» - самое крупное из оркестровых сочинений Дебюсси, хотя и обозначенное автором как «три симфонических эскиза». Последний термин указывает не на фрагментарность, а на связь музыки с живописью, как это свойственно и другим произведениям композитора. В отличие от трех «Ноктюрнов», совершенно самостоятельных, «три эскиза» представляют собой части единого целого и не могут исполняться по отдельности. Не случайно некоторые исследователи считают «Море» симфонией, состоящей из медленной части, скерцо и финала.